世界正在分化，设计如何让生活共生？|deco|产品设计|家具|材料|生活共生|设计师|陶瓷

在社交媒体倦怠与AI重塑表达的当下，人们对“真实连接”的渴望愈发迫切。今年，《家居廊ELLE DECORATION》以“共生之美 Togetherness”为年度主题，试图回应一个问题：当技术不断加速、城市愈发孤独，设计如何重新承载人与人、人与自然之间的连接。

随着2026设计上海即将进入尾声，展会在汇聚全球创意之外，也以多元策展回应时代命题——从材料、工艺到自然与可持续，重新思考设计的意义与未来。

我们在现场对话18位建筑师、设计师与艺术家，从传统与当代、空间与情绪、自然与科技的关系出发，寻找“和而不同”的共生路径。在AI时代，设计不止于形式，更成为连接人与世界的桥梁，“共生”也正从理念走向可感的生活。

传统工艺的当代转述早已成为设计师与艺术家的共识。竹编、大漆、绞胎、榫卯……在应用这些传统技艺时，当代设计师们的角色也在悄然改变，他们会与传承手艺者合作，但身份却成为对话者、翻译者、共创者。也许真正的共生不是让传统俯首帖耳地为当代服务，也不是把工艺视为需要保护的遗产。而是认识到古老技法所承载的对材料、对工艺、对人与物关系的思考，本身就是一套完整的设计思维。

一直在“玩儿”不同材料的徐明带来了新的成果——此次在设计上海展出的新系列全部采用了陶瓷材料，他利用陶瓷“又坚硬又柔和”的材料特性，将其设计得随意又松弛，比如直径1米4的大陶板桌并不追求造型复杂度，而是让釉面来表达——有的釉面哑光如水泥，有的闪现哑光金属色般的斑驳的古铜感；而一些涟漪纹理的长桌则隐约暗示竹节与传统青铜器的意象。

在徐明看来，陶瓷最吸引人的特质在于每一件作品都会在火焙中产生偶然性，理性的预设与感性的窑变，呈现出既可控制，又不完全可控制的状态。更重要的是，他希望让古老的技法通过设计，重新回到当下的日常里。“当一门手艺回应了生活，它就有了延续的理由。传统的生命力，是在被需要的那一刻醒来。当手工艺回应了生活的需求，它便有了真正意义上的新生。延续，不是被记住，而是被需要。”

延续了东方美学的核心理念，璞素今年以“一间香室”为题，琉璃、石材、锻打铁艺等多种材料在五行概念的指引下融合，打造出一个融香、茶、花、书画为一体的整体空间。五行，中国文化中的核心概念，与五色、五味、五感、五液相呼应，是一个极具体验性的概念。因此，陈燕飞不仅将不同的材质、色彩纳入家具设计中，更通过视觉、味觉、嗅觉的“五行体验”传递东方生活形而上的美。

在陈燕飞看来，“传统”不该停在符号层面，而是要回到能被今天继续使用的生活组成部分，因此他把香事从单一器具打开成更“有外延”的生活场景：香可以连着茶、花、挂画，成为一个整体的空间观念；而灯光与烟的关系也被当作设计的一部分，让烟在光里悠悠缭绕，去打造那种“日照香炉生紫烟”的场景，把古诗意境落到当代居住的日常里。

今年设计上海，由冉祥飞策展的第二届Made in JDZ 以“工艺登场”为主题再度亮相，带来了十余个兼具工艺深度与当代设计视角的品牌与工作室的设计之作。“景漂”一代出身的冉祥飞，见证了景德镇在复兴浪潮中的每一次蜕变。在他看来，所谓传统与当代的对立，本是个伪命题——青花、釉色、玲珑，这些今天被称为“传统”的工艺，放回它们诞生的年代，亦是当时的创新。

除了集结、呈现景德镇艺术家、设计师的多元探索，今年在展区内还有全新亮相的 JDZ Gallery，带来了来自日本、韩国、美国、俄罗斯等国的陶艺艺术家，呈现从陶瓷、玻璃到光影艺术的多元创作。他眼中的景德镇已是百花齐放的产业生态，不同的圈子各自精进，“各美其美”，这种多元状态本身就是最好的。

2026设计上海TALENTS参展洪张良，此次携“再一次造物”与“活性无机”两大系列，并荣获TALENTS 2026最佳艺术产品设计。前者灵感源于河南博物院的双连瓶，通过绞胎工艺与当代艺术语言的碰撞，重新叙述传统工艺在当代的新可能；后者源于其在日本的陶艺实践，深入思考土质材料的自主性与独立表达。

而在Liang Living Studio的实践中，洪张良致力于让传统工艺的复兴不止步于工业生产的连接，而是在西方叙事主导的当下，用本土美学提供另一种思考路径。2025年，他回到绞胎发源地修武，与左靖共同建立艺术中心，通过研究玻璃工艺、面食文化、造纸等多领域的研究，洪张良发现这些传统技艺像是一条线索，将分散的历史碎片重新串联，拼合出更完整的人文版图。虽然作品和研究的路径各异，却共同指向洪张良一个设计的核心——让传统手工艺在当代焕发新生。

设计师徐明宇此次带来7件作品，其中“Parallel”系列与新近推出的“Crystal”系列尤为瞩目，前者对竹编工艺的当代诠释，后者将东方竹材与西方水晶灯的美学相融，“让东方的温润去包裹西方的华丽”。当光线穿过这些竹编结构时，既能看到中国传统灯笼的温婉，又带有巴洛克式的戏剧感，这就是他希望呈现给大家的视觉体验。

在他看来，传统与当代之间的关系不是简单的继承或颠覆，而是一种根植于本土文化的设计观，它既有继承，又有一点“新的”。传统工艺回应的是过去人们的生活问题，而当代设计回应的是现在空间里的情绪、材质的温度、文化的身份。这种思考源自徐明宇在欧洲生活中的“微妙不重合感”，在他不少作品中也都能看到东方的记忆——灯笼、捕鱼工具、晒茶的簸箕——这些曾经的生活物件在现代空间里被重新唤醒，传统与当代就自然连接起来了。

十二时慢此次带来的核心作品包括融汇了榫卯结构与当代审美的系列椅具，以及带有本土情怀的“上海12h”唱片柜——这是一款可收纳超200张唱片、结合上海城市文化与慢生活理念的创新之作，兼具设计感与实用性。

在曾强看来，传统与当代之间并不存在非此即彼的对立。他坦言十二时慢从不刻意将传统工艺当作标签，但“传统的影子是跑不掉的”，比如木作的榫卯结构，还是会浑然天成地在产品中呈现。他更关注的是今天的年轻人真正喜欢什么？互联网让全球审美趋于共通，而他想做的，是用东方的故事与命名，用时间来检验一件事物的真正价值，为那些具有当代感的设计赋予一层可感知的文化底色。

受“上下”SHANG XIA之邀，周光明以“承上启下”为核心理念设计了其在本届设计上海的展厅空间。他将蛋壳漆、竹刻、大漆等非遗工艺置于空间核心，当代家具与家居饰品围绕展开，通过重复、阵列与抬升，建立清晰的观看秩序。

对周光明而言，空间与情绪的关系核心在于“控制”。他将传统与当代视为结构关系，用逻辑化的语言去转译东方所强调的缓慢、节制与延续。也因为尺度决定人与空间的关系，动线决定体验如何展开，而当这些关系被组织清楚，情绪就自然会显现出来。他强调人们需要的不只是空间“能用”，还要在使用过程中感到稳定、放松，愿意停留，“人始终应该是判断的基准”。

建筑师戚山山在2026设计上海分享了她在大地建筑领域的实践，重点展示了坐落于秦岭悬崖之上的“空山九帖·秦岭宿集”，此项目以“2.5维”的空间体验概念，在悬崖与丛林间构建出一组与自然和谐共生的建筑群。

戚山山的实践从来不止于使用环保材料或自然元素，而是用精细的视线引导与动线设计，创造出一种类似电影的“场景感”，她不仅关注可见的设计，比如窗户、材料、户外体验空间；也在意如何通过空间序列、光线、氛围的刻画，把每个访客带入一个完整的场景中，就像宴请朋友到自己家里一样，她希望来访者不是“客人”，而是“另一个主人”。通过对空间的裁切与重组，戚山山让居住者在不破坏环境的前提下，感受到人与自然之间那份最灵动的互动与情感连接。她也相信，技术的进步恰恰应该让我们更贴近自然，优秀的科技也会以消隐的形式藏在设计中，而非生硬地凸显技术本身。

去年沈宝宏第一次来上海展览中心考察，一下子就被这座落成于1955年的建筑打动了，回去后，他设计了全新“新古系列”，以家具为媒介，架设了一座跨越1955年与今天的时光隧道。温润的川流椅，其扶手让人想起传统服饰的长袖，椅身和椅背包裹着舒适的皮革，保留的缝纫线前后各不相同，“就像衣服的领子。我们希望家具的每一个角度，都能带给使用者一些意外的惊喜。”沈宝宏说。

沈宝宏认为家具的功能性只是基础，“但现代人对家具的需求已经上升到情感和精神属性”，他希望在当下生活方式里把东西方关系重新调和，因此U+的设计不会给作品贴太多标签，而是要留出足够的"留白"，让使用者在自己的生活里自由诠释它，人们各自的理解与想象才会在“留白处”生成——“每个人对它的解读不一样的时候，我觉得这就是一个好的设计”。

陈福荣带来的全新Harper系列灯具，以女儿的名字命名。灵感来自女儿的花朵涂鸦，轻盈简约的线条勾勒出独特的金属花朵造型，花朵绽放于宛若芦苇的纤细支架上，可自由调整方向与数量，再由同样精细的连接线连接，营造出轻盈而诗意的空间感受。相较于早期以功能主义为主的厚重，陈福荣近年来的设计选择了“放下”，通过日常轻盈的观察与体悟，在设计与情感之间找到新的平衡。

陈福荣把对生命的内在感悟转化为具体的家具形态，希望让观众在看到作品时，能想起一首诗、一次公园漫步，或者某个认真晒过太阳的瞬间——那种很轻、但真实存在的感受。这正是他所追求的“无时间性”设计理念的体现：在批量化生产中注入浪漫的解析，他也试图在居住空间内构建一种情感的缓冲带，让人可以不依赖强烈的视觉刺激，而是在反复使用、静默相处中逐渐显现一种温柔的力量，让设计成为可以被长期感知、反复阅读的存在。

郭秀玲携Sandriver品牌参展2026设计上海，展示了将内蒙古羊绒与德国生产技术相结合的家居产品系列，涵盖环保家居产品及出行服饰。通过天然材料与不染色工艺的运用，她将羊绒延展至壁纸、窗帘等空间界面，在触感与视觉之间营造出稳定而内敛的疗愈体验。其以西藏氆氇非遗工艺手工制作的羊绒毯，亦获2025–2026 EDIDA中国区“最佳面料设计”，成为这一探索的重要注脚。

在郭秀玲看来，空间的情绪源于对材质本质的尊重，而非繁复的装饰。因此，她选择天然、不染色的羊绒材料，结合西藏氆氇非遗工艺，将设计与使用者的内心需求相连接。材质的温度、色彩的克制、设计的温柔，最终都围绕人的情感需求而存在——在这里，传统工艺与现代生活、天然材质与人的情绪，完成了一次温柔的共生。

卢志荣以40年的多元跨界实践受邀担任2026设计上海TALENTS导师，他观察到当代年轻设计师愈发追求艺术的自我表达，而这与设计的功能性存在区别：艺术无需解决技术问题，但设计必须承担对他人的责任，这涉及到安全、经济、可持续等现实维度。在他看来，当设计触及哲学与美学层面时，两者的对话才变得深刻，这也是设计进化的必经之路。

而作为资深设计行业的实践者，在建筑、室内、雕塑、家具乃至绘画等多个领域，卢志荣的创作都根植于对材料与自然的理解。他强调材料是最直接的自然关系，设计的智慧在于追随自然的痕迹、尊重自然力（重力、色彩光谱），而非试图超越自然。在AI时代加剧标准化的背景下，他提倡回归对自然基本原则的理解，使人与环境重建真实的共生对话。

受邀担任设计上海的演讲嘉宾，李虎此次分享了OPEN建筑事务所近期的代表作与建筑思考——从烟台时光塔对日照轨迹的观测，到上海油罐艺术中心对工业遗迹的改造，事务所始终关注建筑如何通过质感、空间、光线与身体产生对话。这些深度的建筑实践使李虎获选2025 ELLE Deco International A-List设计师。在李虎看来，建筑的基本问题看似简洁，处理“质感、光线、空间与身体的关系”，却需要建筑师在每一个决策中保持真诚。

作为一位高度关注精神性的建筑师，他相信建筑的存在感不止于功能，更在于它能否触动人心。李虎认为自然、科技、人与建筑的关系本质上是一个不可分割的整体，建筑师需要将所见、所想、所关心的事物自然地交织进设计，可以用科技和材料去服务建筑的灵魂，而非展示技术本身。他鼓励设计师要有选择，无论处于城市还是荒野，无论建筑项目的功能类型如何，都要用真诚的表达体现建筑师的思考，让建筑成为一个有生命的物体。

周宸宸作为设计上海TALENTS策展人，以“About Time”为题策划了本届年轻设计师展，通过筛选11位设计师的作品，呈现对可持续材料、陶瓷应用、新型纤维等材料多样性的探索。在他眼中，设计师的任务是发现而非创造，挖掘材料被忽视的属性与可能性。

“Time”既可被解读为宏大的时代，也可视为中性的时间，周宸宸认为，设计作品是对材料的时间、属性与工艺的一种记录，也是对某个时间段内社会命题的物质回应。产品设计是离人类生物本源最近的产业，也是文化最直接的传递途径。科技与材料，正是帮助设计师更敏锐地发现材料潜能的工具，进而更好地回应和解决社会与环境议题。

SDCC致力于通过陶瓷砖探索“东方建筑皮肤”，由罗晟设计的流苏釉面陶瓷砖更是荣获了2025-2026 EDIDA中国区最佳墙面装饰设计。今年，他将目光放在了如何让陶瓷行业“头疼”的海量的残次固废焕发新生上。新作再生砖系列，通过烧结工艺的革新，在烧制过程中加入陶瓷固废，打破了以往以使用粘合剂为主的固废消耗方式。

不仅如此，回收的高温日用瓷在二次烧制中与新釉料发生化学反应，在砖表面形成独特的釉面肌理和色彩变化；而通过在原有模具基础上仅增加三道竖线的简单改造，无需重新开模，就可以设计和创造新的产品，这也让每块再生砖都显得独一无二。罗晟将这种无法预测的自然变化视为设计素材，传递出一种兼具环保与个性特色的固废之美。

2026设计上海的Materials First展区由国际材料学权威Chris Lefteri策展呈现，以“材料的本真”与“再创造”为核心，邀请观众亲手触碰材料、参与互动。现场带来了如茶叶渣纤维材料、Alcantara面料、菌丝体皮革等创新材料，涵盖可持续材料、科技材料和交互材料三大类别。

回望过去70年，是材料在驱动未来，塑料、陶瓷的革新塑造了整个时代；而今天，Chris Lefteri指出“是未来在驱动材料的选择”，因为可持续性目标和技术趋势在重新定义我们所需的材料。新兴的科技会挖掘出自然材料隐藏的潜能，使原本脆弱的有机物质具备商业化的稳定性能，同时也不牺牲其生态的特质。由此，自然素材与科技手段在设计逻辑中完成了统一。而设计师们也会逐渐理解材料不仅是表面的效果，而是一个完整的体验和价值系统。

章喆在2026设计上海的TALENTS展区呈现了Air Sketch项目的核心作品：AirForming Lamp空气灯，该作品荣获TALENTS 2026最佳商业产品设计。这是一种由双层TPU薄膜构成的模块化壁灯，灵感源于对充气自成型形态的探索。灯体采用纺织物基充气结构，以"星脉"为意向的热焊接纹理引导柔软薄膜，通过充气方式驱动材料自行弯曲，形成自然的、非人为干扰的弧线。轻便的组装方式与有机流动的造型，在视觉上呈现出独特的柔软性与生命力。