论油画人体艺术之美及其创作过程中的表现方式

一、油画人体艺术概述

人体是世界上一切美的总体汇集，在生命的演进中，自然把人塑造得非常完美。在世界美术史上，人体艺术占有相当的比例和地位。

人体艺术的观念是从西方古典艺术移植过来的。在欧洲古典主义传统艺术中，人体艺术已得到高度净化，成为美的标志与化身，在现实生活中人们也将健全完美的裸体作为美的对象来欣赏。

油画艺术创作是包含着热情与活力的创作性劳动，画家把体现生活的认识感受的艺术构思变成艺术作品时，常常感受到原有的艺术语言不合适或不够用了，于是便进行探索、创作足以达到自己独特感受的语言。

油画人体艺术有着悠久的历史，尤其在欧洲美术史上有着光辉灿烂的篇章，从古希腊、文艺复兴、l7到19世纪直至当代，千百年来，无数艺术家运用各个不同的艺术语言表现出对人类生命的赞美。人的肌体是世间最完美的审美对象，无论从结构比例，动态，还是皮肤的色彩都充满神秘而又变幻，既复杂又微妙的气息，丰富完美的结构，能传达各种内在的精神和思想感情。作为造型美的基本因素，如：均衡、和谐、对比、协调、比例、稳定、变化统一、黄金分割等原则，都源于对人体的研究与认识。如果说艺术是美的集中表现，那么油画人体艺术则是人类一切美的象征。

二、油画人体绘画艺术的审美

油画作为一种西方的绘画艺术，在审美上有着和中国绘画截然不同的艺术语言，中国绘画讲究意境美，西方传统绘画则重视人体美；中国传统绘画呈现出哲学化的审美倾向，西方传统绘画呈现出科学化的审美倾向；中国绘画追求形象之外的意，线条与超然的色彩更能充分表达主观情感，成为东方美术造型的主要手法。欧洲人致力于物象自然属性的研究，造型艺术便充分利用了自然科学，借助明暗规律光与色的关系，空间、体积、结构、运动的表现成为主要造型依据；中国审美的本质在于尚意、领悟，对真实的理解是物体对应人情思后“升华了的真实”，西方的审美本质是尚行的，他们认为造型艺术的认识必须是由感性到理性的认识，而理性认识必须有明确的定义，审美必须有客观依据，有准确的概念，重视自然的美感及生活体验的功用。不同的民族有着不同的审美习惯，认识和了解这种差别，有利于我们更好地认识不同民族的不同文化特点，从而能够更好地欣赏这种文化所呈现出来的艺术特色。西方的油画在材料审美上追求厚重而淳朴的绘画语言，造型结实有力，色彩语言热情洋溢，以西方的审美视角去审视和欣赏，才能更加贴近于这种艺术的美与特点。

人体最大的美就在于“心灵的镜子”，蒙克画中那骚动中的青春期少女，她们在呐喊和嚎叫；马奈的《奥林匹亚》则以高挑儿的姿势向全世界投以不屑和自信的眼光；莫迪格里阿尼那些沉静、典雅的女子则以其富有弹性和张力的线条和肌肤炫耀着生命的力量；还有波提切利的《春》《维纳斯的诞生》；戈雅的《裸体的玛哈》；安格尔的《泉》等画，所有这些大师的杰作，都竭力赞美人体。罗丹在《艺术论》中这样赞美人体：“在任何民族中，没有比人体的美更能激起富有感染的柔情了”。

三、油画人体表现的造型的表现

为了更好地表现油画人体，必须掌握人体造型规律，造型和色彩的“准确”和“肖似”很重要，这里的“准确”和“肖似”是涵盖“形”与“神”的有个性的能动表现，徐悲鸿先生的“尽精微、致广大”就是指的艺术造型和手法效果，也是对“准确”与“肖似”在艺术精神上的一种总结。单纯强烈的艺术效果不仅以简约的形式能达到，繁复与庞杂的形式也能实现。我们既不能盲目地以画面的简单而视为“单纯”，也不能把不准确的形视为“夸张’和“变形”，要知道好的“写实”，必暗藏“抽象”，还必须熟悉人体各部分结构和组合构造关系，除透视法则外，还必须通晓解剖结构。人体是有血有肉的生命体，常处于运动状态之中，比起大自然的物体来没有那么明显和突出。

四、色彩的表现

在解决了人体造型后，表现油画人体更困难的就是色彩。要用正确的方法观察色彩，需整体地观察对象。不管怎样的细微变化，它总是一个有机的整体并在画中显现出冷暖或色相上的总色调，这个基调倾向于什么颜色，画面就是什么色调，观察和把握色彩要靠比较，不能老是盯着某个物体或某个颜色的局部看，要跳着，来回上下扫着看，死盯着物体的某处细部，会越看越没颜色，反之会越看越“红”或越看越“绿”就是这个道理。结果观察出来的颜色不是没有颜色就是色彩太跳跃而不入调。

色彩的冷暖关系在油画人体表现当中，除了表现空间和体积之外，还有表现光的作用。事实上画色彩也就等于是在画光，没有光也就谈不上色彩。之所以强调这一理念，是因为我们必须从复杂的视觉色彩感受中认识规律，进而驾驭规律，在我们观察色彩的过程中，从开始看不到色彩到看到复杂丰富的色彩。这既是对眼力的训练过程，也是理解力的逐步形成过程，人认知自然的方式总是以其最鲜明的特征为判断的。比如，颜色强烈的物体我们就会以颜色为认知点，颜色不明显的物体就会以形象为认知点。那么以形象为认知点的物体会不会有颜色呢?当然有，但这就需要以专业的眼光来发现了。例如：一个透明的玻璃杯，没有经过专业训练的人是无法看到其中有色彩存在的，也就无法用色彩来表现。

五、笔触的表现

油画笔触是油画艺术表现的要素，运用油画笔触来体现审美特色，这是油画笔触巨大的生命力所在，因此灌注着艺术家精神智慧的“物质痕迹”——笔触具有相当独立的精神性美感特征。譬如，作为一种精神性的形态，“崇高”是通过“痕迹”体现着某种审美观念。具有鲜明视觉感知的对抗性笔触留下排斥、抗争的严重痕迹，使画面聚合着内在紧张与冲突力，形成画面的矛盾运动，这是笔触表现“崇高”意蕴的关键，我们从英国画家弗洛伊德的具有粗犷阔大、生涩的笔触强度中就可以看到这种“崇高”的精神力量。当然油画笔触中的精神美感，只有自由的发挥想象，才能获得相对“准确”的视觉表现。

六、空间的表现

要观察人体的体积和空间，除了注意人体的线条和形体的透视关系外，还要观察机体的颜色所呈现的近暖远冷、近暖远灰的关系，这是拉近推远的重要技法。同时边线的虚实也是塑造形体、拉开空间的重要手法。结论油画人体创作的过程是从生活观察体验开始，到美的发现，再经过理性的思维活动，直到头脑中构成一个审美意象，最后将审美意象通过个人绘画技巧传达为直观完整的形态，最终完成油画作品的过程。

人体是油画重要的表现题材和表现内容。人体油画的发展历史悠久，其艺术实践的过程讲求系统性、程序性与完整性。画前的组织与准备工作即统筹与规划，是完成人体绘画不可或缺的必要步骤，如何梳理、体现，以及合理、整体地运用相关知识，是每个画家在实践中学习、发现、完善、创新的重要课题。艺无止境，从绘画的角度来看，无论是人体，还是风景、静物或其它物象的写生，都需要脚踏实地的训练，只有具有坚实的造型能力，才有可能在以后的艺术道路上找到适合表达自我的方式，找到适合自己个性的艺术语言，找到抵达艺术圣殿的途径。■

人体油画鉴赏

这幅画中情节和形象塑造是依据美第奇宫廷御用诗人波利齐阿诺的长诗。诗中描述维纳斯从爱琴海中诞生，风神把她吹送到幽静冷落的岸边，而春神芙罗娜用繁星织成的锦衣在岸边迎接她，身后是无垠的碧海蓝天，维纳斯忧郁惆怅地立在象征她诞生之源的贝壳上，体态显得娇弱无力，对迎接她的时辰女神和这个世界毫无激情，不屑一顾。这个形象告诉观赏者，女神是怀着惆怅来到这充满苦难的人间的。这种精神状态正是画家自己对现实态度的写照。《维纳斯诞生》还有另一层涵义。当时在佛罗伦萨流行一种新柏拉图主义的哲学思潮，认为美是不可能逐步完善或从非美中产生，美只能是自我完成，它是无可比拟的，实际上说的就是：美是不生不灭的永恒。画家用维纳斯的形象来解释这种美学观念，因为维纳斯一生下来就是十全十美的少女，既无童年也不会衰老，永葆美丽青春。

维纳斯的造型很明显是受古希腊雕刻中维纳斯形象的影响，从体态和手势都有模仿卡庇托利维纳斯的痕迹，但是缺少古典雕像的健美与娴雅。这种造型和人物情态实际上成了波提切利独特的艺术风格。

[又评]波提切利在意大利文艺复兴时期具有特殊的，可说是第一位完全摆脱中世纪羁绊，真正丢掉灵光圈，用异教题材表现人性的画家。他有着进入当时最富有，最权势的古典艺术爱好者美第奇府邸的幸运。在这个府邸他得到学习古典艺术的机会，结识了许多文化素质很高的学者和诗人，美学思想上受到诗波利齐亚诺的影响，主张应以自己的方式发扬古典传统。

《维纳斯的诞生》可说是《春》的姊妹篇。古罗马神话中说维纳斯诞生在塞浦路斯岛。但她出生的母体的说法却有两种，一种说，诞生她的母体是海水泡沫，这就意味着爱与美不过是瞬间即逝的泡沫。一种说，诞生她的母体是贝壳，贝壳在古罗马与权威永恒相联，这就赋予了她神圣和高贵，波提切利采诞生于贝壳之说，可能是为了歌颂爱和美的真实帮永存。画上，海浪微微地翻滚着，风微微吹拂着，一个亭亭玉立的金发少女被花瓣似的贝壳轻轻托起。如果说，贝壳是花，那么她就是花结出的娇嫩的果实。左方，风神和花神为她的诞生送来了清新的空气，天后朱诺为她送来了红色绣花的斗蓬，似在预告着她美好的未来。她无拘无束，秀美端庄，羞涩而迷茫。《春》中的维纳斯穿着衣裳，其余诸神除小天使外，均披着轻纱，或穿着衣裳。在《维纳斯的诞生》中除了天后，其余全为裸体，维纳斯的裸体更是处在画面最醒目的中央，左上角男女二神在互相拥抱。波提切利在这里的人文主义的“放肆”大大超过了《春》的程度。

波提切利善于把神话和宗教题材糅和在文艺复兴的精神之中；艺术语言上热衷于使用具有颤抖的节奏，向四方扩散漫延的明显的哥特式的“S”形线条，为画面带来一种新柏拉图主义的神秘气氛；形象纤巧妩媚，情绪迷茫困惑，有着明显的思虑和忧郁，以致人物和画面都有些神经质似的不安。波提切利的作品有“华丽的”和“伤感的”两大风格，《维纳斯的诞生》是华丽风格的代表作品。由于他的伤口和后来的古典主义美学思想不吻合，一度受到不公正的待遇，直到19世纪才被拉斐尔前派再加认识和重新发现，认为他的线条有着特殊的意味，赞之为“线条风格”。

当资本主义开始萌芽、反封建专制、反禁欲主义的时代到来时，维纳斯再次来到人间、走进艺术殿堂，她预示着伟大的文艺复兴的曙光即将普照大地。全裸的维纳斯作对角线动势，横卧于户外自然中，她微闭双目，带着进入梦乡的安逸明朗的神情，作沉睡状，右手垫在后脑，右脚弯入左腿下，整个人体被一个密封的椭圆形曲线包围着。女神高抬右手枕于脑后，左手的姿势既有遮蔽又有性的暗示，体现一个开放与禁锢并存的时代。画家以人体依对角线布局，有一种视觉伸展的张力，似乎包含着无限发展的空间。画家将女神安置于自然景色中，这是一种非现实而具神韵的意境。女神从肉体到精神均体现了人间女子的全部美质，这种亦人亦神的形象，正是威尼斯文艺复兴初期资产阶级反封建过渡时代精神的反映。

画家所描绘的自然正是意大利典型的乡村景色，画家赋予它和平宁静的境界，与沉入梦乡的女神安逸明朗的神情十分和谐默契，情景交融。是人体美、世俗精神美与自然景色美的完美统一的艺术典范。整个画面被统一在淡金黄色调里，落日余晖映照着女神丰腴圆润的身体，放射出玛瑙般的光泽，显得格外纯洁、明亮，散发着青春和生命的活力。画家在女神所处的环境色彩配置上，从上半部的较深红色，转入蓝色、绿色和黄色，使几种颜色交织在一起，既突出人体，又与周围的色调相呼应。乔尔乔内善于运用细腻柔和的笔触和流畅的曲线造型，人体组成与背景自然的直线形成柔中有刚的对比，圆润的裸体与繁密褶纹又形成了单纯与复杂的对比，画家以崇高的精神境界与高超的艺术技巧，谱写了一曲人与自然和谐的艺术交响曲。

历史上不少诗人颂赞美神维纳斯。美第奇宫廷诗人波利齐阿诺说：维纳斯漫步在月光下，如皇后般庄严，如春风般和煦，她走过的路上，万物萌发，鲜花盛开。神话中的维纳斯是美丽的象征；也是一切生命之源的化身。

波提切利笔下的维纳斯是代表生命之源的女神。画面左上方是风神，他拥抱着春神，春神又拥着花神，被鲜花装点的花神向大地撒着鲜花；画面中间立着女神维纳斯，在她头顶处飞翔着手执爱情之箭的小爱神丘比特；维纳斯的右手边是三美神手拉手翩翩起舞，她们分别象征“华美”、“贞淑”和“欢悦”，给人间带来生命的欢乐；画面的右下方是主神宙斯特使墨丘利，他有一双飞毛腿，手执伏着双蛇的和平之杖，他的手势所到，即刻驱散冬天的阴霾，春天降临大地，百花齐放，万木争荣。

这是一幅描绘大地回春，欢乐愉快的主题。然而，画中人物的情态，画面并无欢乐之气氛，像春天里吹来一阵西北风，笼罩着一层春寒和哀愁；若有所思的维纳斯，旁若无人，进入自己的内心世界；三美神的舞姿似乎是受命起舞，颇有逢场作戏的感觉，令观赏者不解。自文艺复兴始，人文主义精神渗入文艺创作，画家往往借助于宗教神话题材和神的形象，寄托自己对社会、自然和人生的思想情感，传达自己的理想，在波提切利所塑造的艺术形象中，都寓含着对现实的惶恐不安。画家当时体弱多病，抱病从命作画，这种心境所创造的艺术形象自然也就忧郁哀伤了。

花神原为希腊神话中的女神芙罗拉。意大利人把每年的4月28日至5月3日定为花神节，在节日期间人们欢聚在一起尽情地嬉戏乐，人们用各种鲜花来装饰自己和动物，环境也布满花草，集会时有花神出现，往往是手持鲜花的年轻貌美的女子装扮。

历来画家都喜爱借用神话中的女神来表现自己的审美理想，传达人性、人情和人爱的思想感情。这是一幅肖像性很强的主题性绘画，画中是位手持花束的威尼斯美人，整个形象就像盛开的鲜花令人倾慕。据说画中女子是画家当时热恋的情人，画家只是借神话之名，表达自己对情人的爱慕之情。画家以半身肖像构图。画中人转身俯视，目光专注作沉思神态；似乎由于转身的动态而使宽松的内衣自然滑落，裸露出丰腴的酥胸；金黄色的秀发披撒在圆浑的双肩上，与充满生命的肉体形成对比，使健壮的身体透露出青春活力，整个形象给人以庄重、典雅之感。

提香是一位伟大的色彩大师，他特别强调色彩的和谐，绘画笔触要服从于色彩与光线对比的需要，笔触不仅要刻画对象的质感，同时笔触的动态起着塑造形体结构和传达情绪的作用。我们在花神的形象上看不到笔触和色彩，映入眼帘的是真实的秀发、肉体和服饰，它们之间所富有的节奏韵律恰似一首优美和谐的交响乐曲。

戴安娜是阿波罗的孪生姐妹，她的希腊名叫阿耳忒弥斯，又称月神。她的唯一爱好就是狩猎，因此人们又称她为狩猎女神。

在这幅画中描绘戴安娜出巡狩猎。实际上画家只是借神话人物描绘人间美女的姿色。这种表现形式和造型特色均来自意大利文艺复兴传统，是在意大利画家的影响下形成的，史称枫丹白露画派。

维纳斯和丘比特是西方绘画的传统题材，只是在不同时代、不同思潮影响下，不同的画家所描绘的形象有着自己的个性特征。

文艺复兴以来，维纳斯已被画家请进卧室，像贵夫人一样躺在华丽的闺房床榻上，面对着现实的世界和人生。

洛托的这幅维纳斯母子像，是文艺复兴时期常见的构图和造型形式，提香也画过多幅这类构图。在威尼斯画派的画家笔下，维纳斯是位体态丰艳、多情妩媚的贵夫人。而洛托创作的这幅维纳斯体态更为开放，丰满的身体更具魅力，有趣的一个情节是小丘比特撒尿穿越桂冠，由于顽皮而增加了生活情趣。采用光和冷暖色彩对比，更使维纳斯母子形象在画面上显得格外醒目突出。

美人苏珊娜，嫁给巴比伦巨商约基姆为妻，一天在后花园沐浴，被两个长老发现，欲行不轨，被苏珊娜严词拒绝。长老怕丑行败露而先发制人，向宗教法庭指控苏珊娜引诱他们，而致使苏珊娜被判火刑。此事被先知获悉，冤情得以申张，长老终被判烙刑。从此苏珊娜成了民间传说的贞洁女子的象征。丁托雷托描绘苏珊娜，正是为了颂扬这位贞女崇高品质和美好的形象，他以响亮的色彩和细腻的笔触塑造了一个纯洁、充满青春活力的女子，而将丑恶的长老置于阴暗部位，画面形成了强烈的美与丑对比，明亮而突出的苏珊娜形象光彩照人，如同一尊贞洁的纪念碑。丁托雷托很善于运用强烈的光影关系，在画面上构成鲜明的对比，他常在一片暗色调中将主要人物施以明亮夺目的高光，给人以格外强烈的效果。“光”成了他用以帮助表达运动感和加强画面戏剧效果的有力语言。

美丽的苏珊娜正在沐浴，她低头、弯腰、曲膝，构成了一个优美“S”形，特别是强烈的明暗对比，更突出了她窈窕秀美的体态与风韵。善良的她哪里会想到，暗中的歹徒正在设计中伤她……这是流传于西方的家喻户晓的故事，也是西方绘画大师不厌其烦描绘过的题材。

埃内所画的''浴中苏珊娜''，已不似古典主义的冷静与严谨，而是充满了浪漫的抒情气息，特别是对苏珊娜裸体的描绘，更多地倾注了“人”的热情与关怀。

丢勒游历艺术之邦意大利最大的收获，是对人体艺术的兴趣，自27岁以后，他曾竭尽全力去探索男女人体的完美比例，从古代希腊人体艺术中悟到了真谛，并融化于自己的人体艺术创造之中。

《亚当与夏娃》采用祭坛屏板的样式，将亚当与夏娃分别画在两块竖板面上，人物形象顶天立地充满画面空间，形成独立的两幅男女裸体像。

夏娃作行走状，她左手去摘被禁的善恶果，右手扶在树枝上，吊着的那块标签是丢勒的签名。夏娃的造型，具有明显的希腊普拉克西特利斯维纳斯雕像的影响和受到威尼斯人体艺术的启迪：体态娇艳，色彩丰富，笔触细腻。单纯中见曲线变化。身体呈现正面全袒露状，这种姿式动态内涵一种开放的时代意识。夏娃和亚当都被塑造为行动中的形象，表明他们已从中世纪的神坛走到了人间。

文艺复兴的核心是对人自身价值的肯定和赞颂，因此，艺术题材中出现描绘人体，表现人体美的作品。在以享乐为追求的威尼斯尤为发达，乔凡尼·贝利尼可谓先驱者。在《裸女照镜》中，人体已成为画中的主体艺术形象，丰满、健壮、充满生命力的、有血有肉有思想情感的人，代替了苍白的神，它标志着黑暗的中世纪的结束和新时代的到来。

画中裸女抬手照镜的姿态和随意搭在身体上的长巾，使人体既袒露又含蓄。画家运用丰富的色彩和细腻的笔触塑造了饱含生命力的柔软肌体，画面色块的配置既有冷暖对比又和谐呼应，画中的人体曲线多变与背景横竖直线的单纯分割形成强烈对比，造成刚柔相济的艺术效果。透过背景的窗户，可见无垠的蓝天，白云深处的一线曙光升起，照耀着丘陵大地，和平宁静的大自然和丰艳娇丽的人体相映成辉，充分表现出画家肯定人性和歌颂大自然的人文主义精神。

科罗63岁时创作了这幅具有浪漫情趣的林中梳妆作品，将人体配置在自然之中，这种表现早见于威尼斯画派大师乔尔乔内，那是神化的时代，而科罗则是现实主义画家，面对的是人生。画面表现一位女仆在精心地为浴女梳妆，稍远的树下靠着一位少女在聚精会神地读书，使画面更增加生活真实感。整个画面充满着宁静、舒适、悠闲、古朴的田园气息。

科罗所画的人体神态自然、健美，女仆壮实温厚，画中林木葱郁，花草繁茂，连清新的微风掠过枝梢都能感觉得到。

油画人体艺术有着悠久的历史，尤其在欧洲美术史上更有着深远的历史，从古希腊，文艺复兴，十七到十九世纪直至当代，千百年来，无数艺术家用不同的手法表现着美丽的人体，无论从结构比例，动态，还是皮肤的色彩上，都能传达各种内在的精神和思想感情。如果说艺术是美的集中表现，那么油画人体艺术则是人类美的象征。人类对于裸体的认识是人类文明的发展的结果。

一、人体艺术概括

（一）人体艺术的发展

人体艺术有着悠久的历史。人类在史前艺术中就已经创造了人体雕塑，最早的如旧石器时代的《威冷道夫的维纳斯》女人体等，古埃及的赫亚尔墓室的男人体浮雕《赫亚尔造像》。公元前50年在庞贝城发现了最早的历史记载的人体壁画。

在文艺复兴时期，人体画盛行，主要是以神话的题材出现的。近代和现代的许多画派画家都创作了不同风格的人体画，人体画的题材一直延续至今。

（二）油画人体艺术的形象

文艺复兴以前，人体艺术大都以雕塑形式出现，之后，以意大利威尼斯绘画为代表，开始以色彩塑造人体。

随着人们对人体艺术的深入了解，艺术家对艺术的追求更加张扬，文艺复兴时期的油画尽管很多还穿着宗教神话的外衣，但油画中的人物形象不再像中世纪那种刻板，遥不可及的圣像，而是走入实际生活中，绘画出更加生动和真实的人物形象，特别是文艺复兴时期的米开朗基罗，对人体的钻研更是严谨和细腻。他不仅把古希腊的人体艺术融入到自己的绘画体系中，并且还是用模特深入研究人体艺术，更加值得尊重的是他还进行人体解剖，深入到人体内部结构钻研人体。

（三）油画人体绘画艺术的审美

在油画诞生之前，对于美的追求就蕴含于艺术家的本能之中了，中国画讲究意境美，西方油画则重视人体美，这也是油画题材中出现大量人体的原因之一。

现代油画人体很注重现实与理想的分寸把握，也就是说注重把握人体美的分寸。这就需要艺术家们如何把匀称的比例，流畅的线条，和谐的色彩，典雅的情调运用于画布上，让欣赏者有美可赏。油画家的审美本质是尚行的，他们认为造型艺术的认识必须是由感性认识上升到理性认识，理性认识必须有明确的认识和理解，审美必须有客观依据，有精确地概念，重视自然的人的美感。

二、油画人体的创作过程

油画人体创作，乃美术的一种表现形式，是运用油画材料、工具和技法产生油画的过程。

油画人体艺术的创作过程包括积累素材、构思、草图设计、油画正稿、整体调整等几个环节。

（一）创作的源泉

艺术的源泉都是源于生活，这就要求我们尊重生活的真实性，真正体验生活，以生活为根本，艺术来源于生活但也要高于生活，这就需要艺术家们发掘新的思维创作出不一样的艺术，当代艺术很难找到文艺复兴时期的感觉，或许时代不同，绘画的感觉也就不同了吧。但时代是向前发展的，人们对人体艺术的认识又有了新一层的认识和理解。

（二）缜密的构思

无论是人体还是风景景物，艺术家在表现的时候，都会掺有自己的思维模式，有些人偏重于写实，有些人会把自己绘画的对象放入自己幻想的画面中，但无论哪种思维模式，艺术家对于客观对象的认识都有自己的见解。

（三）严谨的草图设计和正稿

草图的设计尤为重要，达芬奇，提香等大师在绘画时，都会有严格的草图设计，有些收藏家还保留着这些大师的草稿，相信他们保留的不是这些大师简简单单的草图，而是他们对绘画的态度。一张好的草图，是有韵律的，只有先行以草图的形式尝试过如何把一个人体如何画的有动感，才可以更加深入，更加生动的去刻画，因为色彩是跟着流动的线条走的。草图设计为油画正稿的开展走好了第一步，在正稿时方可更加严谨，才能让作品做到有图可依。

（四）整体调整

整体调整是绘画最后完成的一个阶段，它是指从一张画的全局出发，对作品的前后虚实变化，色彩的冷暖的变化等做更加深入的刻画，整体感要求把画面的哥哥部分都紧密的联系起来，让每一个物体都不会独立存在。一张画完成与否，不是决定于画面局部的深入程度和细节的丰富，而在于画面的完整性。

三、油画人体的表现

（一）造型的表现

造型大多被解释为：形的创造。绘画人体时，如何创造形和构建画面是很重要的前提。可以这么去概括，油画本身就是造型艺术，人体艺术更是这个造型艺术的一个分支，在造型艺术创作过程中，造型语言的运用和艺术风格的确立有着密切的联系。为了更好地去表现人体的魅力，就必须掌握人体的造型规律，这样才能抓住人物的“神似”和“形似”。

（二）丰富的色彩表现

色彩是油画中最重要的一个元素，没有颜色的油画，是不存在的，即使是运用黑白灰三个最基本的素描元素画出的油画，那也是有色彩存在的。对于颜色的观察是很复杂的，每个人对于色彩的感觉是不同的，但每一个画家在处理画面的时候都会考虑颜色的和谐，色彩的冷暖，光源的影响等诸多因。当面对一个人体的时候，艺术家会考虑如何把这个人体的肌肤，体积以及明暗的对比，虚实的对比用颜色把他画的淋漓尽致。在这些因素中，最重要的是光的影响，有了光才让人们有了色彩的识别，所以更应该用物理学的方式去研究光对色彩的影响。

（三）不同的笔触表现

很多画家都会考虑笔触，一幅油画的生命力受笔触的影响很大，这灌注着油画家在一幅作品中的“痕迹”，有些油画家的笔触喜欢隐匿在画面之中，当拿着凸透镜去仔细观察时，会发现这种笔触的美，另外有些画家喜欢张扬的笔触，如弗洛伊德的油画人体，大的笔触加上颜色的搭配，夸张的造型，让人体以一种特殊的感觉跃然于画布中。让观察者随着他的笔触游弋于画面中。

（四）完美的空间表现

对于空间的表现，无论是中国画还是西方油画，都很注重这一因素，现实生活中的人离不开空间，画面中人更不能来开了空间，如何让一个人体能够在画面中置于一个二维空间或三维空间中，一块简单的画布是平面的，这就需要艺术家空透视学的原理把人体置于空间了。没有了空间，再完美造型，再漂亮的色彩都没有了存在的价值。可以说空间是造型和色彩元素存在的一个基础。

人体艺术随着时代的发展，也逐渐被大众接受，油画人体在教学中也开展起来，人是这个世界中最为神秘的，没有一个人能够研究透彻人体。人体艺术是美学中研究的对象，美学讲究真善美，当艺术家在画人体时，相信他们画的人体的真，人体的善以及人体的美。绘画人体，程序复杂，真正艺术，只有经过反复磨练，才能让人接受和欣赏。■

一、最美的脸型

概括地说，美女的脸型的主要特征是以大众脸型为基础，其特殊之处在于其脸部的左右更加对称、长宽的比例以及五官分布的位置更加接近于众人这些比例特征的居中比例或位置，并且脸部轮廓更能呈现出柔和的外形曲线。

由此，一些专家还人为的为美女还计算了一个黄金比例。黄金比例表如下：西方女性：

眼睛到嘴巴占脸长36%、双眼距离占脸宽46%东方女性：

眼睛到嘴巴占脸长33%、双眼距离占脸宽42%

脸型的长宽比约为8:5二、最美的身材

概括地讲，女性的身高、胖瘦也是以在人群中呈现出不胖不瘦、不高不矮的身材为美的，其身条曲线在大众中更加突出其柔美的特质。

理想身材的比例标准如下：胸腰臀的比例：3:2:3

完美手臂曲线：（身高×0.16）CM坚挺的上围曲线：（身高×0.53）CM圆润的下围曲线：（身高×0.45）CM玲珑的腰部曲线：（身高×0.37）CM圆滑的臀部曲线：（身高×0.55）CM匀称的大腿曲线：（身高×0.32）CM修长的小腿曲线：标准曲线为28--34CM纤细的足裹关节：标准曲线为15--22CM

以这个为黄金比例你就可以知道自己所要求的魔鬼身材究竟是怎样的了从理论上讲，女性的身高与体重，四肢与躯干等部位在一定的比例下最美。专业人士在进行了大量研究后，终使美丽得以量化：

1、上、下身比例：以肚脐为界，上下身比例应为5比8，符合“黄金分割”定律。

2、胸围：由腋下沿胸部的上方最丰满处测量胸围，应为身高的一半。

3、腰围：在正常情况下，量腰的最细部位。腰围较胸围小20厘米。

4、髋围：在体前耻骨平行于臀部最大部位。髋围较胸围大4厘米。

5、大腿围：在大腿的最上部位，臀折线下。大腿围较腰围小10厘米。

6、小腿围：在小腿最丰满处。小腿围较大腿围小20厘米。

7、足颈围：在足颈的最细部位。足颈围较小腿围小10厘米。

8、上臂围：在肩关节与肘关节之间的中部。上臂围等于大腿围的一半。

9、颈围：在颈的中部最细处。颈围与小腿围相等。

10、肩宽：两肩峰之间的距离。肩宽等于胸围的一半减4厘米。

骨骼美在于匀称、适度。即站立时头颈、躯干和脚的纵轴在同一垂直线上；肩稍宽，头、躯干、四肢的比例以及头、颈、胸的连接适度。肌肉美在于富有弹性和协调。过胖过瘦或肩、臀、胸部的细小无力，以及由于某种原因造成的身体某部分肌肉的过于瘦弱或过于发达，都不能称为肌肉美。肤色美在于细腻、光泽、柔韧、摸起来有天鹅绒之感。三、最美的秀发

美女的秀发，目前没有统一的审美标准，但是一般为不论头发长短，都要使人感到疏密适中、发质柔顺、富于弹性、软硬适度、充满光泽，并且不油腻亦不干燥。。。。。。

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