坐九州旅客铁道，在佐世保线的有田站-上有田之间，可以看到沿线排列耸立着很多烟囱，这里就是有着“日本景德镇”之称的有田町，代表着日本陶瓷的最高工艺。日本的器皿设计与制造一直是他们引以为傲的手艺，而这里产出的“有田焼”绝对算得上其中首屈一指的。
有田焼，自1616年李参平发现第一块泉山瓷石开始，至今已有400多年了。
有田烧是日本最早的瓷器鼻祖。江户时代初期（中国明代万历年间），朝鲜陶工李参平在有田町发现了瓷石，并于日本第一次成功烧制了胎质纯洁轻薄具有透光性的白瓷，“有田烧”从此被永远定格在了日本陶艺史上，奠定下了不可逾越的地位。
在有田烧发展的漫长历史中，不仅曾出现过作为献给朝廷与领主专用礼品的“锅岛式样”以及被皇室收藏的“禁里样式”，更是在昭和52年（1977年）被日本经济产业大臣特定为“传统工艺品”。
有田焼的魅力，来自于当地独特的泉山陶石和天草陶石，用它们烧制而出的陶瓷即轻薄，又细腻，质感如玻璃般顺滑，但却非常坚硬，耐用但不易吸收杂质，非常适合日常使用。
有田焼有田烧一直保留了手工制作的部分，选陶土、拉胚、烧制、上釉等工序，都由匠人们亲手完成，心无旁骛、一丝不苟，像完成一道道仪式，每一件你拿到手的器物，都能感受到来自匠人们的心意。
去年是“有田焼”诞生400周年，来自荷兰的设计组合Scholten & Baijings 和日本设计师Teruhiro Yanagihara发起了一个纪念项目，希望赋予具有精湛工艺的有田焼全新的面孔，使其成为当代实际可用的美好日用器物。
他们联合了来自美国、日本和欧洲等地的16组当代设计师和10家有田的陶瓷厂，一起在有田镇，亲身参与产品设计、开发和生产。创作出了15套精美的有田焼作品，取名为 “2016/”。
「Tomás Alonso」
该系列来自西班牙设计师Alonso，他在前期的调研中发现，日本人尤其注重食物的展现，于是他和Sehyou 窑厂共同做出了这一组颜色各异、形状不一的几何形容器，使得这些容器既可作为桌面配件，又可充当装饰摆件，还能放在餐桌上盛装食物。
但设计师并没有为它们预设特定的功能，他更希望使用者能根据自己的喜好和场景来开发这些器物的用途。
这些造型虽然都是基本的几何形状，但用陶瓷却很难实现，尤其是棱角的地方，灌浆时很容易出现瑕疵。
为了让做出的几何形状更加纤细、坚固和利落，制作者特别研制了陶土，同时采用了全新的手工上色工艺，将染料和粘土混合，取代了传统的上釉，形成了一系列生动的色彩。这个系列很好地利用了有田地区高超的模具制作技术和精准烧制陶瓷的能力。
「Kirstie van Noort」
设计师Kirstie van Noort非常善于材料的研究，她参观了当地采集和处理陶土的采石场和工厂，发现有田及附近地区的高岭土纯度特别高，只会产生一小部分矿石废料，一些黑色的矿石会被丢弃。
这些被丢弃的矿石废料给了她灵感，她和Sehyo陶艺厂一起用这些废料开发出了用高岭土和黑色天草岛矿石混合而成的新型的陶土，并用新型陶土开发出了一种独有的釉色，从而做出了这一系列作品。
这个系列是整个2016系列中仅有的两组陶器系列之一，重点突出其独特的颜色搭配，因此整个系列的基本款型分为两组：第一组展现了七种全新的颜色，第二组的灰色系列则是由新型陶土制作而成的。
「Christian Haas」
日本产品设计有个显著特点，即简约性和复杂性的有机结合，而设计师Haas的这个系列就是收到了该特点的启发。
Haas想设计一套能够满足频繁的日常使用的餐具，在对比了亚洲和欧洲在餐桌布置上的差异后，他探寻出了可以适应两种场景的形状和尺寸，与 Housen 窑厂共同合作制作了这一系列餐具。
该系列的盘子、碗和器皿，都具备多种用途。为了更贴近日常，产品的整体风格低调谦逊、平易近人，而且它的美体现在意想不到的、细微的几何形态中。
Housen特别关注器皿的底座，于是开发了一种技巧，成功避开了传统的底部设计——与众不同的三角形底座。这一结构的改变让整套作品呈现出了让人意外惊喜的风貌，看上去纤细的立足点其实非常稳固。但这也成为了整套作品的技术难点，这套系列用纸做了模型，在某些部分还可以看出折纸的感觉。
这个系列还有个额外的装饰元素：在每件产品的底部都有一个手工勾勒出的的凹纹图案，并且每一件的图纹都不一样。这个隐藏的细节是为了带给主人惊喜而设计的，是一种安静又独特的装饰。
「Saskia Diez」
该系列是2016系列中唯一的一套首饰系列，设计师Saskia Diez原本就是一个首饰设计师，她注意到，日本虽有使用象征元素的悠久传统，却很少用于首饰制作。
于是，在这个系列中她使用了日本视觉文化中常见的元素：鳞片，日本常见的图腾龙、鲤鱼和蛇都有鳞片。同时，这个简单的形状又与装饰画里的波浪或荷花瓣相似。
这些意象在日本文化中有各自的含义：龙寓示着智慧及正直，鲤鱼代表了决心、勇气和成功，蛇则是好运和改变的象征，而水则意味着运动与生命。
Saskia与擅长手工彩绘的 Hataman Touen 窑厂携手开发了这一系列手镯和戒指，借助窑厂的专长，每件陶瓷首饰都经过手工上色，时尚大方，且清新自然，十分优雅。
「Studio Wieki Somers」
这是一套色彩非常惊艳的作品。结合传统工艺和现代技术，Wieki Somers 工作室与 Koransha 窑厂合作创造了两套茶具，Koransha 窑厂是当地皇家御用的窑厂。
这套茶具的釉面使用了窑厂非常具有代表性的“Koransha 蓝”，即便是有田町也只有这个窑厂能做出如此纯净的蓝色。
构图的灵感则源自一种古老装饰工艺：以金属模板为遮挡，在陶瓷表面喷绘出相应图案。设计师采用了这种技艺，并借助抽象画的图案来体现制作过程，以赞颂这种富于智慧的手工艺术。
系列的灵感来自于日本艺术中常用的“月亮”的符号，传统工艺中用于遮挡的是金属模板，而这个系列则使用产品部件本身，如茶壶的盖子，以及茶杯的把手等。因此色彩和形状上契合度都非常高，以此呈现出月亮的阴晴圆缺。
「TAF」
该陶瓷系列是瑞典设计工作室TAF 与 Tokunaga 窑厂合作完成的，在此之前，TAF已经为很多北欧知名的家居品牌如HAY、Mutto设计过产品。这套作品中的很多设计元素都值得玩味：某些产品的形状如同融化的雪糕，一些几何图案则充满了童真……
产品上的图案线条模仿了圆珠笔的笔迹，但实际上是用已经在 Arita 应用了 400 年之久的蓝色颜料画出的。另外，整个系列在造型设计上，也汲取了多方面的灵感，如餐厅里的茶杯、工业水壶等。
这个陶瓷系列兼顾成年人和儿童日常使用，例如，一个儿童餐盘可同时作为大人的配菜盘。以此类推，该系列的每件产品都具有双重功能，也可分别用在亚洲以及欧洲的餐桌上。
「Christien Meindertsma」
16世纪，荷兰商人远渡重洋，前往日本拜见幕府的将军，他们将带来的荷兰亚麻布作为特别礼物进献给将军，然后带着珍贵的日本瓷器回到荷兰。至此以后，日本有田的瓷器与荷兰的亚麻桌布经常被同时描绘在油画中。
设计师Christien Meindertsma以荷兰亚麻布和日本瓷器的这段渊源为创作灵感，设计出这个系列：用亚麻布料制成杯子、盘子和碗的模型，然后再把这些模型转化为陶瓷作品，在器型上，设计师也保留了亚麻布缝边的效果。
作为这个系列的进阶，Meindertsma 和 Fujimaki Seitou 窑厂共同发明了一种特殊的彩色斑点釉面，它融入了从2016/的其它各个系列中收集的陶瓷废料，这种新釉面是对
Arita窑厂携手并进共同发展的美好寓意。
在其中的几件产品表面，你可以看到这种色彩斑斓却又拿捏得当的釉面，有五彩纸屑的视觉效果。
「Kueng Caputo」
在整个2016系列中，Kueng Caputo的设计最大程度地展现了工匠们的高超技艺。如今，有田的陶瓷生产看似已实现工业化，但许多过程仍需要手工作业和大量精细步骤。
比如这套作品中器皿顶部所呈现出来带有幅度的凹面。对于陶瓷来说，做平面简单，但这样的凹面却需要对陶瓷烧制过程中的变形程度拥有非常精确的掌控力才能做出。
在色彩的表现力上，这套作品也沿袭了设计师对于“边界”这一哲学命题的思考，表现出大量的渐变和融合。应用了 Kin’emon Toen 窑厂的特有技术，一种被称为 fukitsuke 的喷枪上色技术。这种技艺可以在瓷器表面制作出柔和的彩色渐变和肌理效果。Kueng Caputo 和 Kin’emon Toen 创造出一种特别的表面处理效果给人视觉错觉，玩起了光影游戏。
可以看到成品的色彩呈现度非常丰富，能将该技术掌控到这种程度的， Kin’emon Toen窑厂里也只有一位老匠人能够做到，因此这一系列的产量非常有限。
「BIG-GAME」
BIG-GAME设计的这个系列，由Kubota Minoru 窑厂生产，采用了Arita最先进的高科技材质和生产工艺。
该系列中使用了两种特殊陶瓷材料：一种材料带有细小的气孔，可用来过滤液体。另一种则是高度耐热的陶瓷材质。BIG-GAME 采用具有实际过滤功能的陶瓷材料，设计了一组非常实用的咖啡器具。
这套器具可以用来制作在日本非常流行的滴滤咖啡。通过陶瓷气孔过滤，咖啡的口感更加柔顺。
BIG-GAME还采用耐热材质，设计了另一组包含水壶和料理锅的器具，可直接用炉子、烤箱或微波炉加热。这些器皿的把手有一定隔热性，因此即使装上热水，也能轻松拿起。整个系列杯具，器具的基础几何造型应用了这个窑厂最尖端的生产技术，而其特殊的釉面也由这家窑厂的特殊工艺研发而成。
「Leon Ransmeier」
这套作品来自德国工业设计师Leon Ransmeier，在早期的调研中，他发现传统的日本瓷器，握在手里会感觉非常舒适。
Ransmeier 尊重这种极具手感的形状设计，同时引发了他对舒适度和实用性二者关系的思考。他对“工具”的概念很感兴趣，工具会被重复使用、多次受力，因此被设计得很舒适，那何不在运用到日用的陶瓷制品中呢？
于是，该系列的手柄处都参考了工具的设计语言，比如手工锯子或木工刨。
咖啡壶的把手带有一定角度，是为了便于倾倒；茶壶、花瓶和杯子上的把手，均是注浆而成，握住时可填满手间空隙；附在容器上的把手和壶嘴，其形状设计也都非常注重舒适度，集中体现了 Ransmeier 的理念。
这个系列的作品表面，均没有上釉，使用时手会直接触摸到陶胚，质感柔和，令人愉悦。Ransmeier 与 Hataman Touen 窑厂联手，采用天草黏土制作了这个系列，这种黏土烧制后会产生玻璃的质感，表面很难留下污迹。
「Pauline Deltour」
Kouemon窑厂可以量产底部厚实、但壁身纤薄的器皿。这种生产方式对工艺要求极高，需要特殊的陶土，并进行长时间的烧制。若任何一项未达要求，尝试这种工艺一般会导致出现裂痕，甚至有破碎的风险。这一生产工艺激发了设计师Pauline Deltour 对这个系列的设计灵感。
Deltour 观察发现，在传统日本瓷器中，几乎所有的碗都有一个底座。她在该系列中整体保留了这个常见的元素，给整个茶具系列带来鲜明的个性，以及视觉的统一性和稳固感。
Deltour深入研究了亚洲和欧洲饮食文化中日常使用的杯子和碟子的种类，从中寻找关于形状、比例、容量和拿捏方式的平衡点。在釉面颜色的选择上，Deltour 汲取了传统日本瓷器中常用的颜色：深蓝色，砖红色和青绿色，并运用新颖的手法加以应用。
「Shigeki Fujishiro」
对于有田烧的色彩，大部分人的印象是“白底蓝花”。 但是设计师 Shigeki Fujishiro 在研究完有田烧常见的风格后，发现了红色的优势。
在有田，用颜料给陶瓷上色的工艺被称为 “赤绘”，承袭于中国景德镇的同名陶瓷。而红色本身也是日本的一种标志性的颜色，Fujishiro 决定以此作为该系列的主要特点。
Fujishiro 与 Kin’emon Toen 窑厂合作，他们注重器物自身的功能性，共同制造出一系列形状各异可同时适应东西方餐桌的作品。红色由染料和上在器物上的釉混合而成。在第一次上釉之后，Kin’emon Toen 会借助窑厂特有的喷枪技艺给物件再次上釉，力求颜色纯正。
「Ingegerd Rman」
这套可组合叠加的茶具源自 Ingegerd Rman 与 Koransha 窑厂的合作，极具功能性，同时又非常美观。若将几件器皿进行叠加，产品会具备新的功能：可保持茶水的温度，碟盘可用于保鲜，且更便于储存。
Rman应用在茶具表面的黑色釉如同丝绒般顺滑，是针对该项目精心研发而成。这种黑色釉持久性极高，会一直保持本色，不会黯淡或发灰。白色磨砂釉是此系列的另一种颜色选项。
Rman称这套茶具是设计师与工匠间的真正合作，Rman在陶瓷设计方面有着丰富的经验，与专注工于制陶艺的Koransha窑厂相得益彰，强强联手，共同打造出这套细节无懈可击的陶瓷系列。
「Stefan Diez」
这套餐具兼顾东西方的饮食习惯，既独特又便于日常使用。在使用这个系列时，你的手能更贴近瓷器，从而领略那份微妙的细致与柔和。而把手的设计给了作品标志性的特征，它与器身的圆润对称形成了明显的反差。
随着陶瓷产业的发展，高效生产过程使很多制陶细节越来越普遍。Diez 抹去了这些常见的元素，如底座和盘子的传统边缘，从而设计出这样一个新的系列。
Diez在设计中应用了一些典型的手工细节，而Kawazoe Seizan窑厂要实现了这些细节，不仅要得益于当地紧密的匠人关系网，也需要借助了工业生产的先进技术。
系列中，研磨器的表面有着不规则的小突起，这是Kyuemon窑厂独有的工艺；而滤茶器上的小孔则是源自Hotarude的工艺，这也是有田地区独有的一种技艺——用小孔和透明的釉来装饰陶瓷。
「Teruhiro Yanagihara」
项目创始人Teruhiro Yanagihara的这个标准系列的餐具设计得简约低调，可堆叠摆放，并能实现批量生产。
釉面选用基本的有田白色，或是特别的灰色。可以说是设计师刻意为之，他希望这个系列低调的设计几乎能与任何室内空间相配，成为每天都能使用的基本款式。
Yanagihara 与来自制陶世家的陶艺师Fujimaki Seito（他的家族从 1775 年就开始生产陶瓷了）合作开发了一种实验性的釉。这种釉的灵感来源于陶瓷上釉过程中可能出现的“失败”的釉面。
日本文化本就对于物品的不完美很尊重，基于这一点，Yanagihara刻意创作了带有不光滑肌理的釉面，造成金属或水波的质感，并使得这种粗犷且凹凸不平的表面成为物件的特色。
并非简简单单的设计，
也不再是本本分分的手艺，
这些有态度的设计，
打动你了吗？
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