在世界音乐史上,贝多芬的32首钢琴奏鸣曲对钢琴音乐的发展有着巨大的贡献。这些作品表达了他崇高的艺术理念和丰富的个人情感,同时,这些作品的曲体结构也是最精致和最优雅的。后辈从贝多芬的作品中能够深切地体会到他那刚劲的气质、理性的深思和质朴的精神。贝多芬就像一位哲人,为世人献上了一曲又一曲讴歌人类灵魂的“圣歌”。本文通过对贝多芬第三十号E大调钢琴奏鸣曲(Op.109)的创作背景和各乐章的艺术特点进行分析,同时结合演奏实践,总结出本文作者对该作品的演奏技巧和情感处理等方面的一些想法,希望得到大家的指正。

一、贝多芬的基本创作特征

贝多芬的创作几乎涉猎了当时所有的音乐体裁。他偏重于采用并扩充了奏鸣曲式，在他的作品中，各类奏鸣曲共有55首，其中钢琴奏鸣曲有32首，这些作品是分三个时期完成的。第一个时期是1794—1800年，这一时期他创作了13首钢琴奏鸣曲，贝多芬音乐风格中最具代表意义的“英雄性”在这些作品中有了初步的体现，钢琴奏鸣曲《悲怆》是他罹患耳疾时痛苦的内心独白。第二个时期是1801—1814年，这一时期他又创作了14首钢琴奏鸣曲，这些作品是贝多芬的音乐创作进入创新阶段的重要标志。在钢琴奏鸣曲《暴风雨》中，贝多芬用平凡的素材和朴素的音乐语言表达了他那丰富的情感和深刻的思想。第三个时期是1816—1822年，在此期间，贝多芬创作了最后5首钢琴奏鸣曲，这是他晚期的重要作品。这些钢琴奏鸣曲的风格不再象中早期的作品那样感情激烈、斗志昂扬，相反变得沉静、柔缓了。在钢琴音乐史上，贝多芬的这些作品大大提高了钢琴的表现力，使之获得交响曲的戏剧效果；又使交响曲成为直接反映社会变革的重要音乐形式，他不仅扩大了钢琴的演奏音域，增强了力度的对比，提高了手指的技巧，而且还加强了奏鸣曲式结构内部的对比因素，扩大了展开部的矛盾冲突和发展的动力。他的创作反映了那个时代的进步思想，它所表现的革命英雄主义情节可以形象地用 “通过苦难——走向欢乐；通过斗争——获得胜利”加以概括。[2]贝多芬是继巴赫之后又一位傲然屹立的巨人。如果说巴赫是站在复调音乐之巅，那么贝多芬无疑是主调音乐的尖峰。两位巨匠所创作的钢琴作品堪称内容与形式高度统一的典范。正因为如此，音乐史学家曾将巴赫的48首平均律钢琴曲和贝多芬的32首钢琴奏鸣曲，分别奉为钢琴音乐中的“旧约全书”和“新约全书”。

二、分析第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）

1.第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）的创作背景

第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）创作于1820年,1821年在柏林出版。当时的贝多芬已是风烛残年，他的身体和生活正陷入极度的苦痛之中。他的健康每况愈下，完全耳聋、风湿、肺炎、心脏病、黄疸、眼疾、胃炎、溃疡性结肠炎、肝炎等等，一并向他袭来，加之经济上的穷困潦倒，这一切使贝多芬的性情变得极为暴躁和易怒，他对现实社会充满了不满和绝望。与此同时，欧洲各国社会动荡，危机四伏，随着工业革命的爆发，资产阶级与封建势力的矛盾不断激化，此起彼伏的叛乱和镇压催生着即将爆发的资产阶级革命。这一切引起了贝多芬的关注和思考，激发了他对民主和自由的渴望，并极大地鼓舞了他的斗志。他在音乐创作中恢复了自己的力量，并重新站立起来。贝多芬在这部作品中选择向神灵敞开自己的内心世界，用音乐来进行人神对话，并试图在这种对话中寻求精神的慰藉、完成情感的释放，由此岸到彼岸，最终实现灵魂的解脱与升华。这个时期贝多芬的创作风格变得十分自由洒脱，或向巨制，或向微型，两极分化，把人间的苦难表现到极致，旋律中充满对天国的幻想与憧憬。他仿佛从一位热血青年转变成一位大彻大悟的无畏智者。

第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）常被人们称为“巨人式奏鸣曲”。此曲所采用的音乐体裁、曲式和演奏技巧，都鲜明的展现了贝多芬由古典主义向浪漫主义的完美过度。在这部作品中，充满希望的美好感情是用延音附点节奏和协和的音素来建立的。音高和力度的范围小于以往任何时候，情绪的对比显得非常微妙，主题在中音和高潮中出现，营造出空灵而温暖的气氛。平静美好的愿景是一个较长的音乐框架，他采用惯性的手法，扩展了他的曲式结构。他是音乐的建筑师！善于创作鸿篇巨制，而其中的每个音符又都那么恰到好处。贝多芬的这首钢琴奏鸣曲与海顿和莫扎特的同类作品相比，在演奏技巧上要复杂得多，开拓了当时得到改进的钢琴的表现力，探索出很多新的表现效果。在这首钢琴奏鸣曲中，他实验了各种不同的作曲技巧，从而引起世人的广泛关注。

贝多芬把这部钢琴奏鸣曲（Op.109）题赠给了马克西米利安娜布伦塔诺小姐 (Maxi．miliane Brentano，1802—1861)，作为两人友谊的象征。马克西米利安娜当时只有十九岁，贝多芬与她的一家非常亲近，甚有交情。她的父亲弗朗兹是个富商，曾经在经济上对贝多芬慷慨解囊，她的姑姑是著名的才女贝蒂娜，对歌德十分倾心，曾经介绍贝多芬与歌德认识，她的母亲安多妮，贝多芬曾献给她《狄亚贝里变奏曲》。

贝多芬在寄给布伦塔诺小姐奏鸣曲时曾在信中写下诚挚而优美的献词：“此曲是要献给你的，这并不是一般常见的东西所能比拟的，这是精神，这是把地球上高贵、杰出的人连结起来的精神，这是在任何时候都不能将其摧毁的作品。”这段话中表明了贝多芬晚年在道德哲学方面所达到的境界——通过伦理生活来展现善的世界。可见，贝多芬的高贵具有狮子一般的傲岸不群；贝多芬的胸怀是集大历史、大宇宙、超越时空的，在时间和空间上有一个无限广阔的维度。

2.第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）各乐章音乐内容及曲体分析

第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）由三个乐章组成，全曲洋溢着优美诗情的抒情性，是幻想曲类的奏鸣曲，它是贝多芬晚年浪漫主义作品的代表。它以最美好和最完善的外在抒情形式表现了无比丰富的内容，体现了极其强烈而丰富的诗意天性，充满了高雅和梦幻般的静怡氛围。

2.1第一乐章音乐内容及曲体分析

第一乐章采用“贝式幻想曲风格”的韵律，表达抒情的幻想。贝多芬在这里以简练的形式，交叉使用了速度与拍子迥异的两个主题（即快板与柔版的两个相异主题），来构成更为灵活大胆的不完全奏鸣曲式。把两

个富有表现力的主题因素相对比，这样的对比是美妙而动人的，外观虽然十分紧缩，但内容却丰富多彩。整个乐章弥漫着温柔的情愫，愉悦而幸福。

在第一乐章里涉及到的演奏手法颇多，有断奏、连奏、非连奏、双音、八度、和弦等等，其基本概念是要对音乐进行层次分离、音色分离、立体分离。这要求演奏者在演奏过程中具有强烈的主体意识、丰富的想象力和娴熟的指尖技巧，赋予钢琴声音以多变的音色和层次感。贝多芬的钢琴作品大都以交响乐团的音响为出发点，在他的音乐中包含有“弦乐层”、“木管层”、“铜管层”、“打击乐层”等等。因此，在演奏贝多芬的钢琴作品时就应该将不同的乐器声音，清晰地剥离出来，避免造成声音的平面化、块状化、单一化。第一乐章的主要主题，其陈述部分在连绵不断的十六分音符的背景下，要做到两个一组地相连，注意连奏的技巧。连奏是钢琴演奏中最常见、最基本的弹奏技巧，是弹奏优美如歌的旋律、均匀流畅的经过句的基本方法，运用特定的触键与手指交替方法，把两个乐音连接起来，手指交替衔接必须在同一时间完成，中间不能间断，以突出主导的线条。

在第一乐章的展开部中，第62小节要注意休止符以及和声的变换，以不同和声不同色调的变化，营造出绚丽的音响色彩。演奏时应当随时注意倾听每一个音符，它所包含的意义，它的色调，所暗示的情感因素，所引发的听觉体验都是非常重要的。演奏贝多芬的作品，精准把握节奏是不可或缺的要素。从一拍一音到一拍八音都要精确均匀地进行分割，然后落实到演奏中。在第一乐章中，其基本节拍单位为2/4拍，但大多数的四分音符被切割为1/2，1/4，1/6，1/8，1/12等等，要求演奏者对节奏比例有正确感知，才能正确演奏。第一乐章第11小节，右手第二拍开始的五连音，六连音，要有明确的节奏意识。第一乐章的第93小节开始，这部分不能因为接近尾声就随意放慢速度，改变节奏，一定要一气呵成，贯穿始终。同时也要把握乐曲的结构，注意从乐思的构造出发决定乐句的组成，包括乐曲的分段，分句，旋律起伏，语气语态等，这样才能更好的诠释作品。第一乐章第15小节右手的下行和上行六连音的音阶快速跑动音群，演奏时的音色一定要干脆利落，表现出钢琴透亮的声音。

（3）突出戏剧性的情感冲突。

第一乐章的乐谱上标记着部分表情记号和力度指示，同时，谱面上也存在没有具体说明的地方，这就给了我们自由发挥的空间。也就是说，贝多芬所标记的“指示”一方面是客观存在的，另一方面又有不确定性。如果把谱面上标记的sfp一类的“指示”完全量化，音乐就变得没有生命力了。[8]依据标有表情记号的乐谱结合自己的理解，演绎出鲜活生动的音乐，真实再现贝多芬创作当时的内心情感，这是演奏者最重要的任务，也最能体现演奏者的专业功底。

第一乐章的第9小节，当副主题开始进入时，演奏者必须精准地表现所有的力度变化，使p、f的交替出现鲜明突出，突出其变化的戏剧性。

在第一乐章第33小节处标记的sfp在钢琴演奏中是做不到的，但是sf的力度却可以清晰地表现出来，演奏出旋律线条上的情绪化对比。

2.第二乐章的演奏及情感体会

该乐章在形式上十分简练，既严整又有伸缩性，是积极性的力感与消极性的沉静交错在一起的奇特音乐。刚柔两种要素在其间游刃有余地进行音乐织体上的对比，相互之间有着密不可分的关联，“澎湃慷慨，一何壮士；优柔温润，又似君子”（西汉王褒《洞箫赋》），情感对比极其强烈，与第一乐章形成了强烈的反差，演奏该乐章时，面部表情可以既忧郁又果决，肢体动作可以更具力量感。

演奏第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）第二乐章需要注意以下两点：

（1）演奏手法。第二乐章存在大量的连奏，需要连奏的音符，一般用连线或legato加以表示。弹奏连音，要注意手指贴近键面的触摸感，控制好下键速度，弹第一个音符的手指下键后要站稳，并使重量迅速倾向转移到即将弹奏的下一个手指上，做好弹奏过程中力量转移的准备；做到手指的下键弹琴与放键（抬指）要在同一个发力点上完成，使前后声音紧密无间的连贯自然，此时要严防“粘指双音”或“交接缝间”；要弹清楚小乐句或动机性连奏中的中间音符。

第二乐章主要主题的第一部分由突强音奏出，右手采用连奏的手法表现出该乐章激烈热情的音乐走向，左手则是通过强有力的击奏，整个乐章的主题音乐具有英勇、锐利的气势。

（2） 精确把握6/8拍的节奏

第二乐章以6/8拍的节奏贯穿整个乐章，持续的急板，切忌忽快忽慢，节奏不稳定会影响演奏的效果。

在第二乐章第57小节标记了f，此处f的性质，左手短促的四个#F音击奏，以及右手流利的上行音阶式进行的背景，需要演奏时努力地向上推出，直至ff的音量，表现出音乐的华丽色彩。

第二乐章的尾声，这里似乎是寂寞的弱音，用第一结束主题的最后动机发展的末尾。注意167小节p的性质，注意每一个小节增加的一个声部，左右手以保持音的反向进行有韵律地推进，是从弱到强的，最后由三个短音和弦有力地结束。

第三乐章情感体会：这一乐章是最为精彩的，由如歌的行板和六个变奏组成，是整部奏鸣曲的重心所在，精炼的主题和变化多端的曲调引人入胜。内容和表现手法都是优异的，变奏的速度、气氛、性质的对比具有典型的钢琴风格。主题和第一变奏感情饱满，如行云流水；第二变奏轻快；第三变奏活泼；第四变奏沉静；第五变奏庄重，四个声部前呼后应，鲜明清晰；第六变奏宁静安详。该乐章交融了急躁与恬静的风格，主题旋律在温和的表情底下蕴藏着感动，显出无比的优美，结尾处更是幽静地呼应了第一主题，在感慨万千中结束全曲。贝多芬曾以德语对这部作品的主题进行说明----“如歌似的，从心底里很感动地。”演奏时面部表情或欣喜，或内敛，或急切，或静思，瞬息万变，肢体动作要时而轻快时而强悍，收放自如。

演奏第三乐章重点在于准确运用多种演奏手法以及每一个变奏戏剧性的感情变化。第三乐章的36小节注意各个启奏声部的相互呼应和十六分音符的断音效果，避免任何的连线，并保持均匀音乐的轻盈性质。第三乐章的88小节注意左手的断奏，左手的八度断音要非常的肯定、坚决，营造出紧迫推进的气氛。第三乐章的第120小节开始的变奏音乐是紧张而果断有力的，是对位式的模仿结构，这里要特别注意连奏与断奏的弹法，这里的断奏要运用指尖断奏的弹法，这种方法可以产生轻盈、灵巧的声音效果。在此注意所有的奏法标记。第三乐章第17小节开始，高音声部具有抒情的特点，而且与主题相反，可以自由的处理。这里的速度可稍慢些，倚音必须柔和地与E音一起发音，而左手的伴奏和弦应当柔和、饱满。第三乐章的110小节注意pp的性质。这里的音乐是安详的、温柔的，摆动的延长和弦演奏要细腻，控制好音量的分寸，给人以安宁的听觉感受。第三乐章的184小节，这里是全乐章的高潮，主题在高音区里应当宏亮，象凯歌高唱，同时注意音乐戏剧性的变化。第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）是美好得无法言喻的，是纯净而充满爱意的，是贝多芬晚期浪漫主义作品的代表。

在演奏中，我们要贴近贝多芬创作当时的心境，融汇自身的情感，用最娴熟的弹奏技巧和最完美的外在抒情形式，尝试以说话、朗诵、吟唱、合唱、戏剧表演的姿态来进行，而不只是让手指做机械运动，力求精准、自然、完整地表达作品丰富的主题、内涵和情感

众所周知，贝多芬是古典乐派与浪漫乐派之间的桥梁,他是伟大的音乐家、是音乐的英雄！他在奏鸣曲式上的创新震惊乐坛，以《热情》、《悲怆》和《月光》为代表的32首钢琴奏鸣曲，早已成为跨越时代的音乐蓝本。与贝多芬的其他作品相比，以第三十号E大调钢琴奏鸣曲（Op.109）为研究对象的专题论述并不多见。鉴于此，我只能通过反复多次的弹奏、观摩他人的演奏，来加深自己对作品的理解。该作品（Op.109）是贝多芬晚期的作品，富有浪漫主义色彩，是贝多芬题赠给友人的礼物，或许正是由于这个原因，它并不象《月光》、《热情》、《杜鹃》、《告别》等标题作品那样广为流传,相反，它是一部名不见经传的作品。学术界以它为研究对象的专题论述也相对较少。然而，但凡聆听过此曲的人，都会被旋律中激昂澎湃的热情和流淌在音符间的柔情蜜意所折服。我将此作品（Op.109）锁定为自己的研究对象，通过观摩他人演奏，查阅文献资料，再结合自己的演奏实践，尝试从曲体分析、演奏技巧、情感体会等方面对作品进行一次较为全面的剖析，多角度解读作品的创作背景、主题内涵和艺术特点，详尽阐述自己的心得体会，旨在抛砖引玉，引发争鸣，增广见闻，以求进一步提高自己对贝多芬作品的认知程度和演奏水平。

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