数十位新锐书籍设计师创作谈，到底什么是好的设计？|163

文/浦睿文化

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商务君按：在图书的出版过程中，装帧设计是最先被读者看到的部分。好的设计不仅能令文字排布更加科学，改善阅读体验，甚至还能与书中的各种元素擦出新的火花，给读者带来惊喜。浦睿文化出品的《改变阅读的设计》由刘晓翔主编，荟集许多当代突出的图书设计师的美学理念，谈的是设计，也不只是设计。

《改变阅读的设计》出版了，这本书从策划、组稿到设计、制作，前后经历了两年多的时间。此刻，回想我们两年前，最初生出编辑这本书的念头时的情景，是一群人在选题会上的讨论，彼时，它的念头还仅仅是“设计书”。身为图书编辑，我们工作的内容有很大一部分是与书籍设计师协作完成的，与他们共同经历了将作者的文字从一个文档变为一本书的全部过程。在每本书的编辑与设计过程中，有各种各样的曲折，于是我们想到要做一本主题是“设计书”的书，邀约许多图书设计师，每个人分享设计一本书的经过，延伸讨论书籍设计的内涵和自己对设计的理解，呈现作品出炉的经过和鲜为人知的背后过程，集合成为展示书籍设计作品与创作理念、设计美学的图文书。

主编：刘晓翔

出版社：江苏凤凰美术出版社

图书公司：浦睿文化

出版时间：2019年9月

从“设计书”到“设计改变阅读”我们带着这样的想法找到了刘晓翔老师，希望他可以作为这本书的主编，由他来召集设计师同行们，共同探讨图书设计领域中的一些核心问题，呈现大家对书籍、对阅读的一些思考。刘老师欣然应允。在与刘老师讨论、确定这本书采写时的具体问题时，是他最先提到了“设计可以改变阅读”这个观点，这也为这本书后来整体的主题方向奠定了基础。犹记得当时我们在刘老师的工作室，就这个观点还有过一番讨论。我们提出疑问，认为阅读本身与创作者的表达相关，在阅读中走进了创作者的精神世界，与他（她）共同感受、思考，而这个过程，是设计无法改变的。刘老师反问，如果是这样，同样的文字内容，A4纸张打印出来的word文档与经过精心排版，有着科学行距、字距的图书页面，有差别还是没有？显而易见，好的设计可以改变阅读的体验。何为好的设计？好的设计是如何改变阅读的？……由此，我们的采写思路也慢慢清晰了起来。在选择受访者的过程中，刘老师以出生年代划分，帮我们做了梳理，于是编辑们兵分几路进行采写，分别访问了出生于1960年代之后的书籍设计的中坚力量与出生于1980年及之后的新锐设计师们。在面对朱赢椿老师、姜嵩老师、杨林青老师等中坚设计师时，我们关注的重点是他们代表作品的创作过程、面对市场时的权衡取舍、精彩的图书设计作品的创意产生背后经历的试验与探索，等等。每一位设计师都详述了一或两本书的创作思路，再现那些令人喜爱或惊喜的书是如何诞生的，关于纸张选择、工艺取舍、装订方式，满满的经验之谈。在与1980年代及之后出生的新锐设计师交流中，他们对实践经验的分享，饱满而真诚，我们的采写积累了非常丰富的素材。刘老师在看过这些采写内容后决定，将这部分作为书的主体。于是，“改变阅读的设计”的讨论中，新锐设计师的“他们说”版块占据了很大的篇幅。我们和刘老师又拟定了一些题目，由他们各抒己见。很巧的是，在这个组稿的过程中，第九届“全国书籍设计艺术展”举办，而刘老师作为“九展“组委会成员和评委之一，在评奖过程中，展阅了众多“80后”书籍设计师的作品，这些人或早已在书界留名，或初展才华，刘老师热情邀约这些年轻的设计师们陆续加入到这场“阅读与设计”的大讨论中，从中看出新锐设计们对书籍设计和读者以及阅读的关系的理解，也看到他们的个性和喜好，同时复盘了一本本美书被设计出的过程，书中呈现了年轻设计师对“艺术设计与大众市场之间的权衡”“纸质书如何吸引读者”等书籍设计领域的8个热门问题的回答。

用全新编排逻辑打破阅读疲惫使我们感触非常深刻的是，在编辑采写与整理出来的问答内容交到刘老师那边编排之前，我们担心读者在阅读上会有疲惫感，因为问答的形式，尤其是每个人回答的部分，在体例上不断出现重复，而刘老师的设计完全打消了我们的顾虑，他将原本按照个人回答的内容拆散，挑选出了最核心的问题，将每人的回答归到问题之下，这样可以清晰地看出对于同样问题，每个人全然不同的理解与认识。设计师参与了文本编辑的全过程，赋予了文字素材全新的编排逻辑，使阅读不再遵循刻板的线性顺序，这也是用设计“改变”阅读的一种表现，呼应了吕敬人老师所述那样：“设计师为不同的内容对象注入不同的设计语法和语言，即使是简约的表现也会经过繁复的信息收集、分析和整合，像导演那样在书籍设计中倾注整体概念，让文本在页面的空间中拥有了时间流动的含义，使同一文本通过书籍整体设计诠释出出人意表的丰富内涵和诗意来。很多设计师甚至还承担起文本编辑的工作，甚至于成为书的第二作者，相比千篇一律的设计工作，实在是自讨苦吃。” 这本书的出版，我们期望它无论对于书籍设计师、图书编辑，还是对于普通读者、爱书之人，都能带来思考的契机，以及视觉的享受。诚如吕敬人老师在这本书的推荐序言中所说：“设计是一种态度，设计必须专一、有温度、讲细节，文本叙述的丰满才能带来阅读的动力，这是书籍设计的立场。”如果经由对书中的图书设计作品的欣赏、对设计与阅读关系的思考，引发普通读者去关注渐渐失落的纸质书阅读习惯，找到一些阅读的热情与对纸质书籍的关注度，寻回阅读的动力，即是这本书的最大价值之一了。

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数十位新锐书籍设计师创作谈，到底什么是好的设计？

何为“设计风格”？
最后，我们摘录书中年轻设计师关于“设计风格”这个主题的阐述，作为小小导览，便于读者得以了解这本书的内容一二：问：作为一名书籍设计师，需要树立明确的设计风格吗？为什么？
白凤鹍：风格是个人的审美选择，即使是处理不同题材类型的作品，也会流露出设计师的个人倾向，因为审美喜好一直在你的血液里。所以我觉得不需要刻意去树立。

白凤鹍设计的《金圣叹选批唐诗六百首》
陈曦成：以“表情”借喻“个人风格”这回事，是很贴切的形容。一张人脸在不同情形下会挂上不同的表情，喜怒哀乐，变化无常。单单说“喜乐”，各人在脸上所表露的形式也不一样，有人喜欢大笑，有人喜爱微笑，有人笑中有泪，也有人很高兴却是一副很Cool的样子，各式各样，这是微妙的个性决定的。书籍的“表情”也是一样，这种“表情” 就如同每人独有的性格，不能言教，不能复制，要经过时间、环境兼种种经历才能慢慢提炼出来。书籍本身就好似调酒师的酒杯，是设计人在其中发挥创意的器皿;再以技艺调和不同的佳酿(图文)，就能创制出不同“表情”的鸡尾酒(出版书品)。Design always speaks for itself，不需解释，不需掩饰，只要摸摸看看、嗅嗅听听，它会散发出自身独有的气息，有心人自会感应识别。我想，做书人之所以能造出富有其独特表情的书，其中一个重要的原因是：成功的书籍设计师们绝对忠于、坚持及确信自己的一套设计理念与美学价值观。

陈曦成设计的《回看射雕处——李志清绘画·金庸》
李瑾：不需要。每本书原本都有其独特个性，设计师的工作是为展示出这种鲜活的个性。

李瑾设计的《教学档案》
吕旻：我承认自己的设计还没有找到风格，但深感树立风格的重要性。拥有鲜明风格的设计师可以更好地掌握创作的主动性。委托方在合作之前对设计师的风格有比较明确的预判，可以避免走很多弯路。不过我也不建议处于起步阶段的书籍设计师过早地确立风格。在职业初期，适当地消除自身风格，多体会、倾听委托方的需求，可以更好地在解决问题的过程中探索自己的潜力。

吕旻设计的《盲人摸象》
马仕睿：对这个问题，十几年前我是持否定态度的，而今，我觉得这是唯一的路径，且越早找到自己的风格越好。我其实很恼怒自己这么晚才明白如此浅显的道理。早年间，每当我们提到风格或者个人风格，都有一句潜台词，隐隐将个人风格和设计的需求对立，仿佛设计师对个人视觉风格的追求就是在损害书籍设计需求的利益，做财经书就要像财经书，做历史书就要像历史书，“另辟蹊径”就是在利用机会“玩设计”，以达到成就个人设计作品的目的，就是不尊重市场和读者的客观选择。这种对立看起来只是将“设计感”“好设计”等和市场需求对立起来，但其实这种观念更恶毒，因为这等于承认，大众市场就只能接受“没有风格的、雷同的、因为既定投放到市场上的量大，就被认为是读者群体接受的设计”。这实际上就是以“自认为保护了自己既得利益的安全区”为前提，而拒绝思考和拓展设计实践的一种观念。这在今天看来是很可笑的，但持这样的观念或潜在持有这样观念的人仍然为数不少。
前阵子出现的自动生成设计的“鲁班”APP 和更早之前就有的“猪八戒”设计网都说明了一个基本的问题 :进行设计工作并不难，任何人只要有基本的工具都可以从事;通过有迹可循的归纳，人工智能也可以获得同样的设计结果。其实在 20 世纪 90 年代以前，已有不少设计是利用数据推演的工作方式，自动随机生成。当时这是非常先锋的一种方式，也是现在人工智能设计存在的基础，只不过前者是对设计边界可能性的探索，后者是对市场应用可行性的实践。所有这些都说明，设计工作者唯一的出路就是明确自己的风格。风格并不简单是一种视觉面貌，设计的风格同时包含你思考问题的方法和解决问题的思路。不断对自我风格进行思考和实践性的尝试也是不断扩展自己思维的宽阔性和思考角度的独特性的过程。建立自己的风格是设计师的基础工作，不仅必要、严肃，而且越早开始越好。

马仕睿设计的《64k Halftone》
曲闵民+蒋茜：没太想过要树立某一种设计风格。因为书籍的文本与设计的风格有着很大的联系，除此之外，有时候不是自己想成为什么风格就能成为的，还跟内在的修养和知识面有关系。

曲闵民与蒋茜设计的《说戏》
邵年：对我来说不需要，我不是在为自己做设计，设计师需要证明自己，但最终还是要成就他人，这是我的观点。但是每一个设计师都需要认识自己，因为从某种程度上来说，你做的设计是你自己延伸到现实中的那一部分。平野甲贺做了那么多本书的封面，但本质上我认为这是一种“美术”，而不是“设计”，他是“艺术家”而不是“设计师”。对我而言，用同一种方式去面对所有的设计项目，要么就是看高了设计，要么就是看高了自己。这种工作方式本质是一种重复，没办法带我走到更远。
另外“风格”这两个字本身就很表面，是最容易被看到但却是最肤浅的那种东西，是表象而不是本质。我不排斥设计中有“我”的存在，但这应该是无意识的，而不是刻意为之的。比如通过长期的工作下来，我就发现自己极少使用荧光色，也不喜欢使用图片作为素材，习惯尽量用少的字体和纸张。如果我真的使用一张图片，一定是因为这张图片在这个项目里确实是最佳的选择，它不是素材，而是内容。经过时间，我越来越了解自己，慢慢发现自己的性格，建立自己的原则，但我不觉得这是风格。我也可以用王志弘举例，他的设计有很多自己的气息，但如果你认真地回顾他这20年的所有设计，会发现他的设计其实一直在改变，每个阶段他都会让自己面对新的挑战，这是我觉得他的设计能够拥有生命力、他作为设计师能够持续有创造力的很重要的一个原因。