时尚女魔头？时装界黑马？|设计人物知多少—川久保玲|163

川久保玲已经是20世纪女性服装设计师中的重要人物，其创作理念和独特的服装设计语言都显示着她对于艺术独立的思考，小编从川久保玲的个人经历、设计理念、设计风格三个方面入手来分析她设计的创新成功之处，并了解其品牌服装文化中的丰富意蕴,并从中提炼出经验。

一、创始人综述

川久保玲1942年出生于日本东京，之后就读于庆应义塾大学，主修日本文学与东西方艺术史，这使她在校期间就受到日本本土的艺术文化的熏陶，培养她自己相对独立地思考并树立与自己独特的艺术观。她在学校求学的时候并没有展现出她惊人在艺术领域的天赋，也仅是参加过规模不大的绘画比赛而已。

川久保玲第一次真正意义上触及设计是在她毕业以后，川久保玲找到了一份做宣传的工作在于一家丙烯纤维厂，因为这份工作她不定期地要跟时尚杂志打交流，逐渐培养出她对服装设计的兴趣。

1969年，川久保玲因为种种变动辞去工作。

1973年, 川久保玲创立了第一个服饰品牌, 名称为Commedes Garons (法文，可译为“像个男孩”) 。

1975年, 川久保玲在东京举行了首次女装发表会。三年以后, Commedes Garons开始了男装的设计与制作, 称之为“Homme”。

过了三年, 川久保玲在巴黎时装展上举行第一次发表会, 开始受到世界时装界的注目。

一年后, 她推出了著名的“乞丐装”, 并由此引发了80年代宽松、刻意的立体化、破碎、不对称、不显露身材的服装设计潮流。

1983年, 她获得《每日新闻》时尚设计奖 (Mainich Fashion Award) 。

1987年, 获得美国时尚技术学院 (fashion institute of technology) 的荣誉学位。

二、川久保玲设计理念及其形成原因

川久保玲的设计理念可概括为迥异于西方传统的设计观念、反对狭义的民族主义思想、反对西方传统意义上的美感、开创“贫穷主义”的着装理念。因为川久保玲在应庆大学研修日本文学和东方艺术学，所以她的设计理念与日本独特的信仰是密切相关的。川久保玲曾经说过“一个人必须学会贯通地域和民族的来龙去脉，了解过去，并将过去的经历作为未来发展的基础。”这已经诠释了她的设计理念的形成原因，她将日本传统文化中有益的部分作为其设计未来的基础。

说到日本传统文化不得不提到其中 “万物有灵” 的神道教思想，其思想是相信神无所不在的，有生命的生物如花鸟鱼虫，没生命的如高山流水，都是受到神灵的指示。对“万物有灵”的一种解释是万物中寄宿着神灵，另一种解释是世间万物其实本就是神灵。都可以从中看出日本民族的自然观：世界是一个有机的整体，人类与万物相比，并不高级也不低级人类和外物应平等地存在这世上。

又如英国的浪漫主义诗人威廉·华兹华斯所说的：“宇宙是一个有机整体，每个部分都彼此联系，相互影响，每一部分都能反映其他部分的变化，所有部分都共同成长。”这种说法与日本民族的自然观相类似。正是深受这种想法的影响，日本人民感恩自然，他们顺应自然的发展规律，同时认可和接纳一种不完美的美。

这种思想在设计师设计日本产品的过程中产生了潜移默化的影响，为了彰显自然的美，设计师会在过程中会留下一些手作的印迹，这让人们很容易联想到川久保玲的旗下品牌PLAY的心形图案。（见图1）

图 1play的心形状标志

川久保玲虽然扎根于东京的本土文化，但是她又不是全盘照抄，她做出的又绝不是纯民族的东西。她吸取了东西方文化之长，她将日本典雅沉静的传统、立体几何模式、不对称重叠式创新裁剪，加上干脆线条与沉郁的色调，与创意结合，呈现出极具意识形态的美感，开创了自己的前卫的设计风格。

三、川久保玲的设计风格

“服装设计风格”则指的是:服装的外观通过服装的款式、色彩和面料表现出来, 并能体现该服装的内在精神, 同时通过穿着者的演绎, 使二者达到形式与内容的统一。

1、黑色为主的服装色彩

正如汉斯·霍夫曼说过的一句话:“色彩作为一种独特的语言, 本身就是一种强烈的表现力量。”色彩可以向人们展现服装的文化和风格，体现人的审美和爱好。

川久保玲在服装的颜色上有自己独特的思考，她擅长使用黑色来向观者传输自己的思想。黑色作为一种特殊颜色, 其实更适合那些希望远离观众、与常人价值观不同的人群, 如摇滚歌手、朋克乐队、自由艺术人士等黑色的忠诚追随者。川久保玲善于使用黑色，这并不与日本传统的观念相符合，因为日本传统美学崇尚白色。可以说，川久保玲的黑色可能是对日本民族传统色彩的一种有意的反叛, 她以色彩的象征性和隐喻性凸显对现代服装设计的理解。

在审美上, 人们常说“距离产生美”，黑色正好符合这样的一种美的距离, 我们能够把着黑色服装的人摆到一定的心理距离之外使之成为独立自主、孤立绝缘的形象, 以适应于审美主体的直觉和艺术表现, 也就是把着黑衣的人客观化或者说距离化, 有彰显欲望的人可以穿黑色, 黑色赋予穿衣人尊严感, 而至少是不可亲近的感觉。

在色彩学上, 黑色是明度最低的颜色, 属于无彩色, 又称之为中性色。

在哲学意义上, “无”等同于“空”。空灵和充实是艺术精神的两元, 空明的觉心, 容纳万境, 这正是美感诞生的时候。所以美感的养成在于“空”, 对物象造成距离, 使自己不蔓不枝, 物象得以孤立绝缘, 自成境界。[endnoteRef:12][12]川久保玲形成对于服装颜色的独到的见解，并且她是有意识的用黑色来启示自己个人的境界、精神的意义、心灵的韵味, 有意识地用黑色来表现她服装的艺术价值, 彰显着自己对自由的追求。

因此，川久保玲的黑色给人一种神奇的魅力。包括她自己在评价黑色时候说:“黑色是舒服的、力量的和富于表情的, 我总是对拥有黑色感到很舒服。” 唯有用黑色来表达自己愤懑之情;唯有躲进黑色的服装里才能隐藏所有的不愉快, 忘掉所有的不快乐, 保持住内心的一份安宁与自由，这便是川久保玲以黑色做她大胆服装实验的原因。川久保玲不仅使用黑色当然还会用一下其他颜色，在她近些年的服装作品中, 也会大量使用了白色、灰色和一些鲜艳的色彩。

图 2川久保玲设计的衣服

2、以“破”为语言的面料

从20世纪六七十年代开始, 时装设计进入了一个反文化、反时装的时代, 不管是成衣还是高级定制, 没有了固定的着装规范, 高雅与低俗的界限不再那么的清晰, 性别限制也不再那么的严格。常规的时装设计观念不断地经受挑战。正如这句话所说的一样，川久保玲在服装上做了大胆的创新。

“就像从烤面包机里出来的一样”。川久保玲善于利用面料。1982年, 她推出的“乞丐装”引起了很大轰动, 这一系列衣服现在被英国维多利亚与阿尔伯特博物馆收藏。这一系列服装色调沉郁暗淡，颜色灰色和黑色为主, 衣服结构松垮, 衣冠“不整”、袖长不一、左右不对称, 外衣跟虫蛀一样布满孔洞, 里面的面料也露了出来, 显出一种贫穷、邋遢的感觉,模特给人的感觉好像乞丐，这与西方女装秀场上高贵、优雅的作风截然相反。（见图3）

图 3 1982年秋冬“乞丐装”现藏于伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆

《国际先驱论坛报》的时装名记Suzy Menkes日后回忆起Comme des Garcons1982年的这场秀时说:“服装都是遭毁的, 一些套头衫混身都是大洞。我们私下里称它为‘瑞士奶酪’。但在那时候, 这场秀真是太震撼了。”川久保玲的这些设计手法正与欧洲“表现主义”艺术理念所强调表现艺术家的主观感情和自我感受, 将客观形态夸张、变形乃至怪诞处理的思潮不谋而合, 因此川久保玲不仅仅被看作是服装设计师而更像是时装界的一位艺术家, 这也是她久负盛名的原因之一。也应证了川久保玲曾经说的一句话：“我判断系列是否优秀只有一个标准：人们是否惧怕它。如果是的话，这个系列会在10年后被人们疯狂爱上。”这如这句话所说的一样，现在的川久保玲已经是年轻一代设计师的学术上的偶像，她旗下的品牌play也深为大众所爱。

3、改变人体与服装的关系

1973年, 她创建了自己的服装品牌“像男孩一样” (Comme des Garcons) , 之后第八年她推出第一个时装系列。她早年受美学的熏陶, 因此服装设计中的很多常规性思维在她那里很容易被打破。她的突破就是选择与建筑师、平面设计师进行合作, 在设计中强调服装本身的平面与空间构成, 也将建筑打造内外空间的思维融入服装之中。川久保玲的时装往往结构缝线很夸张, 各部件层层相叠, 并运用不对称裁剪, 细部处理极为丰富, 衣袋设计没有定规, 错乱无序, 多余的布料保留下来, 让其自然下垂, 显现出一种不平衡感, 这种做法根植于日本非对称、不确定的残缺审美。川久保玲的设计基于东方,与西方的设计理念相融合,不管是从外在形式还是内在精神,都不是盲目地从着装本身的外在形式上追求夸张的效果。川久保玲的这种独特的创作意识,就是擅于让穿着者去体会和支配自己的价值,体验更加舒服而又自然的穿着感受。

川久保玲的服装将颠倒错乱的诡异口袋、弱化的肩部线条,加之非正常比例的袖子随意放置在服装上面,多层次结构、包裹、缠绕等都成为她设计特点。这种非对称的平衡美不仅完美诠释了川久保玲独特的设计理念,同时让穿者能深刻地认识到自己的存在价值,按照自己的感受去随意支配服装造型,让穿者在穿着中得到更大的满足，更多的是考虑穿者的体会而不是外在的华美造型。例如“Lumps and Bumps”系列中，她重新定义服装的视觉空间, 通过缠绕、包裹, 或在衣服内部的放置填充物等方式来改变女性的自然形体。

川久保玲从法国民谣中获得的灵感，“我的目标是让每一位女性能够有自己的生活并自我满足”，对于服装，她说到，“女人不用为了取悦男人而打扮得更为性感，去强调她们的身段，然后再从男性的肯定中确定自我价值。”（见图4）

“图 4川久保玲“Lumps and Bumps”系列

总结

川久保玲这样阐述自己的设计:“当下, 你经常被一些很明显错误的事物激怒。而我的一部分创作就是源自这种情绪。即使是既定形状的物体, 也可以被再次设计。许多不同的灵感交织、碰撞, 就会在不经意间诞生新创意。灵感可能来自某种愤怒的情绪, 也可以是对新观念的渴求, 或者就是想要制造形状奇怪的衣服。” 这种源于自己内心的设计理念使她重新定义服装的设计。

她别具匠心的设计方法为时装界注入了新鲜的血液, 她“另类至上”的设计思想和品牌风格与后现代社会的人们追求真实、个性、多元化的精神需求和着装需要不谋而合。

川久保玲从未停止过挑战自己的智力极限，很少有设计师能做到几十年下来，设计风格每季都不同。她总是强迫自己和设计团队，把每一季的设计时都会从零开始，拒绝把原先已有的经验沉积下来。“如果你要做些新东西，那经验会阻滞你前行。”川久保玲原本便不带了之前的框架杀入服装界，自然没有已有的经验不舍得放弃。从中可以得出，她始终没有放弃自我突破和停止创新的步伐。

在对川久保玲的作品、设计理念及设计风格有了一番认识和了解之后, 毋宁说川久保玲是一位服装设计师, 不如说她是一位艺术家。

川久保玲对于服装设计的独立的思考方式、不断挑战自我的创新方式、大胆尝试的勇气、坚持不懈和在别人的否定和质疑声中仍然坚持自己的内心的良好品行都值得新一代的年轻设计师们学习和借鉴。

希望大家给小编提出批评和指导意见～

期待我的下一篇推文吧～

参考文献

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