《Dust My Shoulders Off》这首歌是2016年10月14日，张靓颖面向欧美发行的歌曲。时至今日，已经过去了三年，但是这首歌依然吸引着我，更重要的是这首歌的MV，让学设计的我欣喜万分，最近又重刷了好几遍MV,里面的名画场景吸引着我去了解这些名画的背景故事，每看一遍都有不同的感受，这部MV模仿了12张名画场景，还有一个Cosplay名家的场景，接下来让我们一起盘点一下这部MV的名画场景:

1、夜游者；美国画家，爱德华·霍普，1942年创作。

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《夜游者》原画

这幅画作于1942年。1941年12月7日，日本偷袭了美国的珍珠港，美国国内一片愁云惨雾，民众十分压抑，霍普想创作这样一幅画来表现当时的美国国情。当时他居住在纽约格林威治村，然后在一个餐厅里面突然有了灵感，创作的这样一幅画。

这幅画，中间的两个人是一对情侣，但是他们没有交流，同时看着这个餐厅唯一的服务生，服务生好像是看着窗外，也好像是看着左侧的男子，但是这个男子也没有抬头，而是在低头沉思。空旷的街道，狭小的餐厅，没有窗户，也没有门可以走出去，四个人也没有任何交流，各有所思，生活在自己的空间里，环境极其压抑，像极了当时的美国。

2、《梵高的自画像》：荷兰画家，梵高，1889年创作。

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《梵高的自画像》

梵高出生于1853年，全名叫文森特·威廉·梵·高，荷兰后印象派画家。他有个弟弟提奥，是一个画商。梵高后来的生活大部分开销都是他弟弟提奥资助的。梵高小时候是个认真、沉默的小孩，早年的时候在画店就职，当过助理，也做过传教士，后来被解聘。1880年的时候才决心成为一名画家，这个时候他已经27岁了。

1885年春季，梵高创作了现被视为他第一幅主要的作品《吃马铃薯的人》。1886年2月底，梵高来到“艺术之都”－巴黎。在这里梵高认识了很多印象派画家，劳特累克、高更、修拉、毕沙罗等人。2年后，梵高渐渐厌烦了巴黎的城市生活。于是梵高来到了法国南部充满阳光的小城阿尔勒。在这里他认识了一个很重要的人 — 高更。

梵高创作这幅画的时候是1889年，这个时候梵高已经有了精神病，在一个精神病院疗养。这张画只漏出了半张脸，因为这个时候他已经失去了左耳。有人说是在和高更争吵的时候被割下的，也有人说是他自己精神病发了之后自己割下的。因为他画自画像的时候是对着镜子画的，所以画中的其实是他的右耳。1890年7月，梵高开枪自杀，时年37岁。一生在支持梵高的弟弟提奥，由于过度悲痛和精神失常在1891年1月25日逝世，死后葬于其兄墓旁。

梵高到了阿尔勒的最后三年，是梵高的画作最高产的三年。这一时期的作品，许多都表现出强烈的情绪和“视觉冲击”，旋转的线条，粗犷有力，让人感到画家复杂强烈的感情和表达的冲动。代表作品有：《星月夜》《柏树》等。值得一提的是，正是这段时间，评论家开始评论梵高，而且卖出了他生前唯一一张油画。

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而mv中，张还模仿了一段1997年泰森咬掉对手耳朵的动作，相当有意思了。

3、《拾穗者》；法国画家，让·弗朗索瓦·米勒，1857年创作。

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《拾穗者》

十八世纪下半叶，欧洲开始了第一次工业革命，法国作为欧洲老牌的资本主义国家也进行了大规模的工业革命，经过几十年的发展，法国的资本主义得到了长久的发展，同时，资产阶级和无产阶级的贫富差距越来越大。

1849年，黑热病在巴黎泛滥。为了躲避瘟疫，米勒携家迁居到了巴黎郊区枫丹白露附近的巴比松村。巴比松村美丽的自然风光和朴实的民风极大地震撼了米勒。从此，他在这里过上了早出晚归的农夫生活，但是他并没有因此放弃他热爱的绘画。每天晚上回到家里，他都会在昏黄的灯光下创作。也正是此时，农民开始走进他的画面，他也因此找到了适合自己的题材。后来，他说:"无论如何，农民这个题材对我来说都是最合适的。"《拾穗者》就是在巴比松生活这一时期的作品。

图片描绘了一个农村中普通的情景:秋天，金黄色的田野看上去一望无际，画面最前方是三个农妇，在收割后的田地里弯腰捡拾遗留在地上的麦穗，右边的农妇年龄稍大，而左侧的两个农妇稍显年轻，而不论年龄，这些农妇都要在已经被收割过的麦地里拾穗来满足一家人的生活。右上方还有一个骑在马背上监督拾穗的农场主。社会矛盾尖锐，阶级分化大。而这些画家们直面社会的现实，大胆而直接的画出了生活场景，肯定了普通人在艺术中的意义，揭露资本主义社会的罪恶。

4、《戴珍珠耳环的少女》；荷兰画家，约翰内斯·维米尔，1665年创作。

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《戴珍珠耳环的少女》

维米尔出生在代尔夫特一个画商家庭，父亲去逝后便继承父业，同时从事绘画创作。21岁的维米尔加入了代尔夫特画家公会，并先后两次做过公会的领导人，在当时的画坛享有一定的声誉。但由于子女众多（生了11个儿女），生活十分贫困。死时年仅43岁。他生活的时代是17世纪，此时荷兰还处在封建宗教统治的社会，文化艺术逐渐丧失其民主传统的时候。英国的资产阶级革命刚刚开始，资本主义制度和经济正在兴起，挑战着荷兰的海上霸主地位。

《戴珍珠耳环的少女》画中的少女是维米尔的女儿玛丽亚，侧着身，回头向我们凝望，好像看到了想念的人，双唇微微开启，欲言欲止。纯黑的背景就像当时的荷兰封建社会一样黑暗，也是当时维米尔本人穷困潦倒的生活写照，而少女清澈的眼睛，耀眼的珍珠耳环就像黑暗中的亮光，充满了希望。荷兰艺术评论家戈施耶德认为这是维梅尔最出色的作品，是“北方的蒙娜丽莎”。

5、《开绿色布加迪的自画像》；波兰画家，塔玛拉·德·兰陂卡，1925年创作。

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塔玛拉出生于1898年波兰的一个律师家庭，生活富裕，家庭条件良好，她16岁就立下誓言“一辈子要过奢侈的生活”。这个时候的艺术对她来说就是一种爱好。18岁时，她嫁给了俄国律师兰姆皮库奇。

婚后不久，1917年，俄国十月革命爆发，为沙俄政府效力的丈夫遭逮捕。为了营救丈夫，德·兰陂卡不惜以出卖肉体为代价，做了一位瑞典外交官的情人，通过这种方式救出了丈夫，并和丈夫一起逃亡巴黎。

然而丈夫出狱之后一蹶不振，她们还有刚出生不久的女儿，为了维持生活，她拿起了手中的画笔，进修了巴黎的一家美术学院，从此一发不可收拾。塔玛拉的画中大多带有肉欲气息，画作圆润，色彩鲜艳，冲击着人们的神经；同时女画家出众的容貌，近乎偏执的性格和其个人传奇的经历更是一起受到世人的推崇。她的生活充斥着肉体和艺术。

《开绿色布加迪的自画像》

1925年的某一天，当酒后驾车的塔玛拉偶然遇到一位时尚编辑，那人向她赞美道“您开车的样子太美了，把它画下来吧”。虽然当时她开的是一辆黄色雷诺，身上穿的也是一件黄色外套，而且她也从未拥有过绿色布加迪，但在作品中，她把自己画 成了开绿色布加迪的样子，“因为我就想成为那个样子“，画作了这样一幅名画。

后来丈夫受不了她的糜烂的私生活，于1928年，两人正式离婚。1933，塔玛拉嫁给她画作最大的收藏者——奥匈帝国最大的庄园主。二战前夕，预感到战争气息的塔玛拉说服丈夫变卖家产，迁居到了美国，1962年，丈夫去世，然后她迁居到了墨西哥，1980年逝世。

6、《克利斯蒂娜的世界》；美国画家，安德鲁·怀思，1948年创作。

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《克利斯蒂娜的世界》

克里斯蒂娜从小患小儿麻痹症，下半生不能活动，但是她倔强、坚强不屈，心中充满了希望。后来安德鲁·维斯与她相识，在1940 — 1948年间，克里斯蒂娜常被维斯邀请作为创作的模特。这幅画是维斯看到克里斯蒂娜在美国缅因州的土地上爬行的时候，展现出来的倔强和坚强，让人泪目，于是创作的这样一幅作品，她是一个高贵的有尊严的人，拒绝使用轮椅，宁愿在污秽中生存也不愿意被人抚养，图中冷漠地高居于山坡上的房子奥尔森之屋今日已变成缅因州的旅游景点之一。

此画已成为美国的经典代表画作之一，现由美国现代艺术博物馆MoMA收藏。但是由于克里斯蒂娜行动不便，所以画中其实是维斯的妻子贝琪模仿的克里斯蒂娜的动作而完成的创作。

7、《大碗岛的星期天下午》；法国画家，乔治·修拉，1884 – 1886年创作。

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《大碗岛的星期天下午》

乔治·修拉是点彩画派的代表画家，后印象派的重要人物。创作《大碗岛的星期天下午》时修拉年仅24岁。这幅画创作时间长达两年，画中有四十多个人物。以至于到今天依旧被世人津津乐道。

这幅画呈现的是巴黎附近大碗岛上一个晴朗的下午，游人们在阳光下聚集在河滨的树林间休息。有的散步，有的斜卧在草地上，有的在河边垂钓。大碗岛是塞纳河中的数座小岛之一，如今这个地方，已经变成巴黎富人区，但是在19世纪末，这里是一个专门从事性交易的场所。

1884 — 1886年，正是法国第二次工业革命发展的重要时期，当时法国的资本主义经过近一百年的发展，社会已经有了长足的进步，但是社会两极分化严重，阶级矛盾尖锐。无产阶级饿殍遍野，资产阶生活糜烂不堪。

这幅画的就是描述的这样的一种场景。

左边钓鱼的女人不像是在钓鱼，而是在钓富豪，右边拿伞的女人手上牵的宠物是一只猴子，而且这只猴子跟其他的场景不太一样。

画作x光射线扫描

专家用X光检查了那幅画时，有了一个惊人的发现，x光射线扫描后，唯独少了那只猴子，从X光片中可以看出，猴子是后来加上去的。这只猴子很特别，修拉本来没有为它预留空间，但画着画着就突然心血来潮加了一只猴子，很多人猜测，加猴子上去也别有用意，因为在1880年代，法文的“母猴子”就是娼妓的意思。然后是中间白衣服的女孩，其他人衣着鲜艳，都是一种装饰。只有她身穿白裙，头戴白帽，白色象征着纯洁，作者也许是厌倦了这种世俗，而寄希望于下一代。能改变这种社会风气。

8、《呐喊》；挪威画家，爱德华·蒙克，1893年创作。

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《呐喊》

蒙克的童年生活比较悲惨，童年时父母双亡，这使他早年画下了许多以疾病与死亡为主题的作品，蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。红色的背景源于1883年印尼喀拉喀托火山迸发，火山灰把天空染红了。画中的地点是从厄克贝里山上俯视的奥斯陆峡湾。

在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。蒙克自己曾叙述了这幅画的由来:

“一天晚上我沿着小路漫步—路的一边是城市，另一边在我的下方是峡湾。我又累又病，停步朝峡湾那一边眺望—太阳正落山—云被染得红红的，像血一样。”

“我感到一声刺耳的尖叫穿过天地间;我仿佛可以听到这一尖叫的声音。我画下了这幅画--画了那些象真的血一样的云。--那些色彩在尖叫--这就是'生命组画'中的这幅《呐喊》。"

《呐喊》总共有四幅，名气最大的是第二幅，就是文中的这幅，在北京时间2012年5月3日早7点开始的纽约苏富比印象派及现代艺术专场拍卖上，蒙克的旷世经典《呐喊》作为第20件拍品登场，最终以1.07亿美元落槌，加上佣金为1.199亿美元，创造了拍卖的最高价格纪录。

9、《圣安东尼的诱惑》；西班牙，萨尔瓦多·达利，1931年创作。

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《圣安东尼的诱惑》

《圣安东尼的诱惑》充满了荒诞离奇的魔幻意味。右侧的马跟大象驮着象征世间种种欲望的裸女和宗教桂冠，它们的腿一下子升高了好几倍，而把圣安东尼画在左下角处，裸着身体，高举十字架，向那咄咄逼人的奔马与大象伸出，试图对抗右边的怪物。

画中的圣安东尼是宗教传说中的隐修士，据说是集体隐修制度的创立者，他自己拟定了一些隐修纪律，从20岁起便禁欲修行。从公元287年到305年，隐居在尼罗河畔的皮斯皮尔（今戴尔梅蒙）山中。终于修行成功，抵制住了诱惑。

10、《上与下》；荷兰科学思维版画大师，埃舍尔。

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《上与下》

11、《另一个世界》；荷兰科学思维版画大师，埃舍尔。

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《另一个世界》

摩里茨·科奈里斯·埃舍尔，英文名字Maurits Cornelis Escher，通常简化为M. C. Escher，荷兰图形艺术家。他擅长以立体空间的复杂结构，正负形等手法进行创作。以其源自空间几何的木刻、版画等作品而闻名。上边的两幅作品都是出自埃舍尔之手。

第一幅《上与下》，这些人的前进方向都是从台阶往上走，然后一圈之后会发现，还是在原来的地方。

第二幅画《另一个世界》这些鸟都处在自己的空间，单独看某一只鸟的话发现只不过是鸟的不同视角的画像。而从整体上看，是处在不同空间的个体，而这种视觉悖论式的创作，正是埃舍尔的创作风格。

M.C.F埃舍尔在世界艺术中占有独一无二的位置。他的作品—主要是带有数学意味的作品--无法归属于任何一家流派。在他之前，从未有艺术家创作出同类的作品，在他之后，迄今为止也没有艺术家追随他发现的道路。数学是他的艺术之魂，他在数学的匀称、精确、规则、循序等特性中发现了难以言喻的美;同时结合他无与伦比的禀赋，埃舍尔创作出广受欢迎的经典作品。

12、《人类之子》；比利时画家，勒内·马格利特，1964创作。

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《人类之子》

马格利特是比利时超现实主义画家。画中的人是马格利特的自画像，戴着一个圆顶硬礼帽，穿着西装，他的脸大部分被一个绿色的苹果所遮盖。为原本一幅十分平平无奇的肖像画增添了几分神秘感。他的脸是什么样的，喜？怒？哀？乐？不同的人、不同的心情看这幅画会有不同的理解，这就是马格利特这幅画最大的魅力 — 你永远都猜不透它。

马格利特，从来不屑于向观众解释他的作品，但对于这幅《人类之子》，他难得的这样说：

我们眼前看到的事物，底下通常还隐藏着别的事物，人们对眼前清楚易见的事兴趣不大，反而会想知道被盖住的是什么东西。

13、Cosplay萨尔瓦多·达利。

cosplay萨尔瓦多·达利

萨尔瓦多·达利

这个cosplay对象就是上边《圣安东尼的诱惑》的作者萨尔瓦多·达利。

萨尔瓦多·达利是超现实主义的代表人物。性格怪异，在学校的时候与其他人格格不入，后来因为违反规定被开除。

1929年，25岁的达利遇到了自己为之一辈子疯狂的女人加拉。但是加拉是诗人保罗·艾吕雅的妻子。然后，达利与加拉进行了一次严肃的对话，谈话的结果是，加拉决定留下来，保罗独自黯然离去。然后达利和加拉在附近的Lligat港口组建了自己的自己的家庭。

加拉是灵感源泉，是达利绝望、发狂、激动、忧郁和创作的惟一见证人。1982年，加拉离开人世，达利的创作也失去了灵感，再也没有创作出一幅满意的作品，健康也是每况愈下。七年后，达利死于心脏病和呼吸并发症。

这部mv展现了很多名画场景，算得上是西方艺术欣赏课堂了。她将音乐和美术相结合，创造了一个经典的音乐短片。这些名画都是画家从生活中的场景吸取到的灵感，经过自己的艺术加工，留下了一幅幅传世之作，艺术来源于生活，艺术高于生活。为创意call。