可能在很多人的印象中，古典乐迷和金属乐迷压根风马牛不相及——我们说到古典乐的时候，头脑中的第一印象总会是庄重的音乐礼堂，华冠贵服以及有点故作高深的呆板；而金属乐，则总会跟破坏性、攻击力、不修边幅联系在一起。

只不过，对于音乐的本质而言，它们之间有着无数千丝万缕的联系，甚至可能比你想象中的更加接近——古典跟金属可能是两种最共通的音乐，它们在音感、织体与创造力上有太多相似之处。1980年代之后，具有影响力的金属吉他手如Eddie Van Halen、Randy Rhoads和Yngwie Johann Malmsteen等人，在和弦上广泛借鉴了18世纪的欧洲古典乐，特别是巴赫、瓦格纳与维瓦尔第。

甚至在音乐之外，也有调查显示，金属乐迷与古典乐迷在个性上通常有其非常相似之处。亚德里安·诺斯教授向英国广播公司新闻表示：“我们认为原因是古典乐与重金属，这两种音乐具有某种相通的灵性内涵，它们充满戏剧性的激情，而且都具备充沛的张力”

如果你留心的话，一定会发现，metallica的《Master of Puppets》和拉赫玛尼洛夫的《升C小调前奏曲（ Prelude in C# minor）》前奏有着极为相似的下行跳进，而Opeth的《Master’s Apprentice》和贝多芬《悲怆奏鸣曲》第一乐章的节奏分隔几乎一模一样。它们除了一个是小调一个是大调之外，拥有着同样的进行和和弦结构。

当然，任何人都可以随便从两首歌中找到两段相似的节奏或旋律片段，而且，由于几乎所有的西方音乐都起源于中世纪的教堂音乐，所以你几乎可以轻易的为一切现代音乐找到古典根源。

不过，我们今天想尝试探讨的，不止是这些。

金属乐的创世者们很多都是科班出身。Deep Purple的首创人员Ritchie Blackmore，Megadeth的主音吉他手Marth Friedman， Scorpion的吉他手Uli John Roth， Van Halen的领队Eddie Van Halen，等等等等，都曾经历过严格的古典乐训练。Jason Becker 也是一样，在他罹患渐冻症逐渐丧失身体控制能力之前，一度还被与巴赫相比。他的创作就犹如从巴赫精确而理性的音符之中直接蔓生出来的音乐小品。

而尽管Black Sabbath的四位创始者没有一个是古典乐出身，他们的作品，尤其是早期，同样有令人意外的地方。

Led Zeppelin，Deep Purple和Black Sabbath同为金属乐的开创者，而只有Black Sabbath是纯粹的原生音乐，而不是从加重了的迷幻摇滚演变而来的，而早期Black Sabbath与他们最显著的区别就在于他们尚显简单的Riff和音乐主题上。从简单的Riff的细微之处，展现出来了Black Sabbath与其它乐队截然不同的音乐处理和表达方式，他们对Riff的处理方式更像一个古典音乐家。比如在1970年的《Paranoid》开头段落，他们对于采用了逐渐增加力度的演奏方式，低音的力度较弱，而高音则力度更强一些。相同的处理方式也被用在《Iron Man》之中。而且他们还经常会将更强的演奏力度放在较长的音符上，而不仅仅是重音节拍上。这种演奏方式在古典乐中很常见，比如肖邦的《降b小调夜曲（Nocturne Op. 9 No.1）》

当然了，细微的差别并不能决定一个流派的音乐形式和发展方向。音乐的演奏方式更重要的是要适合一个乐队对自己作品的理解和演绎。不过，作为金属乐的先驱，无论是直觉还是刻意选择，Black Sabbath从一开始就采用了这样的演奏方式，是一件很有趣的事情。

我们曾经聊过浪漫主义，这种起源于19世纪欧洲的文化运动从文艺、美术领域逐渐渗透到音乐，而贝多芬就是从古典主义时期过度到浪漫主义时期最伟大的音乐家。随着晚年贝多芬逐渐丧失听力，受困于疾病的他他创作了许多色彩黑暗声音强力的音乐。因此，很多人把他推崇为金属乐的根源之父。在1808年的《致爱丽丝（Fur Elise）》之后，他的作品变得越发黑暗而冷肃。这期的风格代表包括1809年的《五号交响曲（Symphony no.5）》以及1822年的《七号交响曲（ symphony no 7）》和《葬礼进行曲（Piano Sonata No. 12 in A flat major ('Funeral March') Op. 26: Allegro）》。甚至贝多芬早期的作品中的情感也比其他音乐家显得更重、更有冲击力而且更原始。

贝多芬晚年手稿

浪漫主义的焦点在于情感的表达、个人主义，并且通过对往日和自然的赞颂来反抗贵族社会、陈旧的社会规则以及行将就木的古典主义。而其中逐渐发展出来的一个重要分支，就是对抑郁的情绪、死亡、疯狂的描写与赞颂，当时被称作黑暗浪漫主义，现在则更多被人们定义为哥特风格。弗朗兹李斯特对死亡的迷恋大量的展现在他的音乐作品中，比如《Totentanz（死亡之舞）》《Funérailles（葬礼）》《La lugubre gondola（黑暗的贡多拉）》还有《Pensée des morts（死亡冥想）》。而理查德瓦格纳将这种黑暗展现在他的歌剧作品中，他的音乐总是充满了剧烈的音响、原始生猛而且情感奔放。类似的作品还有很多，甚至尼克罗帕格尼尼在世时一度被称作撒旦主义者，一大半的原因就是因为他黑暗而可怕的音乐作品。

其实这种情感我们在金属乐中很熟悉，因为它本身就是建立在个人主义和极端的情绪化上的。情感上的焦虑、错乱、反叛和觉醒是金属乐一直以来探讨的内容，而魔鬼和死亡则是它的外表。在这一点上，可以说金属乐和浪漫主义如同一个镜子的两面，彼此都能照见自己。

从音乐上来说，浪漫主义音乐比它的前辈变得更丰富也更包容。尤其是复杂而丰富的和弦，大大扩展了作曲家们的探索空间。在此前，音乐的旋律或主题总是最重要而且突出的，而对于浪漫主义音乐而言，旋律不再仅仅是凌驾于其它一切声音之上，而是穿插其中，融合并补充了音乐色彩，而且让音乐在空间上也发散的更为广阔，音色彼此融合，并不会畏惧在复杂的和弦上凝聚更多的情感。

同样，金属乐也是一次对摇滚乐的重要革新。它强烈支持各种声音的融合，并且歌手不再占据着主导者，而音响也不再是平面的，分离的，就跟浪漫主义古典乐一样，是混合起来，相互补充的。可以说，正是从金属乐开始，人声变成了音响的一部分，而不是凌驾于伴奏之上。

也是在金属乐中，低音贝斯的重要作用越来越大的发挥了出来。它不再仅仅是作为音乐低音部分的基石，它也能充分发挥出自己的声音特色来。同样，在浪漫主义古典乐中，低音乐器的重要作用更加充分的发挥了出来，而不仅仅是作为背景或者是“补充”。

金属乐中的鼓重分散发出了力量、速度和精准度，这与浪漫主义时期军乐队的进行曲有极大的相似之处。肖邦的《波罗乃兹舞曲》以及很多作曲家的练习曲中都会用重复的低音来模仿鼓点的效果。另外，响度是金属乐的另外一个重要标准，在浪漫主义音乐中也时有表现。

我们在节拍中也能找到相似之处。早期的金属乐基本上都是简单的单拍子，并且在一个单拍子的小节里探索复杂的节奏以及切分变化。而古典乐也遵循相似的规律。当然，后来在音乐的进一步发展中逐渐出现了复拍和混合节拍，但是对于节拍本身的组合是非常简单的，更多的是在一个小节内部进行非常复杂的变化探索。于是，对于进行过古典乐培训的乐手来说，在金属乐中进行创新会显得非常得心应手。Dream Theater的创始成员全部出身于伯克利音乐学院，主修音乐理论。他们对于前卫金属中的混合节拍以及拍子的变化探索给整个流派发挥了重大的引导作用。在《Dance of Eternity》一曲中，7分钟的时长他们进行了108次节拍变化，而节拍内的细微处理，几乎完全从古典乐中照搬而来。

《Dance of Eternity》片段

金属乐总是会关注一些边缘化、甚至被称作禁忌的主题，并通过音乐的配器音色、音响、力度来表达歌词中的含义。而人声的表达也更注重这方面的需求，并且与其他乐器的声音融合在一起。很多时候，人声的音色、声响比唱清楚歌词更重要。从某种角度而言，这也是为什么金属乐更侧重于听编曲。这种通过配器、音色的铺陈来表达音乐主题的方式，在古典乐中也同样有非常突出的表现，无论是贝多芬的6号交响曲《pastoral（牧歌）》，拉赫玛尼诺夫的交响舞曲《The bells（钟）》，乃至浪漫主义后期德彪西的《Clair De Lune（月光）》，都是对抒情化主题的描摹，而德彪西以及拉威尔的大量作品都是通过音符对印象派画作的描述。

音乐的世界总是充满了令人着迷的意外和惊喜，它通过超越视觉的方式——耳朵以及你的想象力让你得到前所未有的感受。而今天，在你听完最爱的乐队的作品之余，不妨也来尝试些此前未曾接触过的新风格，说不定会有新的惊喜哦。

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*转自：Soundlibrary声音图书馆

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