世界纷纷扰扰，总有人携梦前行。

诚如贝多芬在献给鲁道夫大公的《D大调庄严弥撒曲》手稿中题词：“出自心灵，但愿它能抵达心灵。”而出自心灵，且怀着赤子之心去做事，也正是画家纪亚利的人生准则。

如果你关注过她的作品，就会发现，当她的画用文字开始描述时，就已经在与看画的感触背道而驰。或许意象派诗歌可以接近，但也仅仅只是接近。语言逻辑本身，无法突破某些局限和禁锢，比如发音、字序等。而且，语言表达的愿望会大于呈现，若表现在达不成任何协议及目的之后，以上时间内的能量皆为负向。

但在看她的画时，你会发现，这些画没有任何目的，甚至没有你认知里的情绪，因为她只是镜像了内心的一个念头而已。那是我们通常会错过的念头。

喜怒哀乐忧思，是创作动机，也是无形之轮笼，踏着它跑，即使竭尽全力，弦笔尽断，依枉然，困于其中。如果天赋够，可以把这些识受缤纷挥洒以示人，盛开同悦，凋落共悲。

但这些悲悦，是人类与生俱来的吗？我觉得不全是，大多来自被模式化定义，它出自社会的惯性之力，这股力量覆盖甚至改写了你的感知，它告诉你，什么是恐惧，什么是概念，什么是该有的价值观，何处立身既得赞美，或鄙视。可是作为人类，除却延续生命的模式以外，其他一切模式都会产生变相的刻板行为。

很多人会深知这种行为带来的痛苦，那就是——乏味。

特别是获悦于艺术作品，这种乏味令人目呆。并不是说某件作品个体，而是说风格。比如《盛开的杏花》我可以每日看数次，凝望或余光略过，都会承恩其美。但再有其他人用这此风格去画“盛开的任何花”，并展示，我就不会再多看。简单的说就是，你画别人的画，画的再像，意义也不是很大。

纪亚利的画，哪种风格都不像，仅凭这点，就很有趣。这是非常不容易达到的，不论在艺术创作的哪个领域都如是，你很难有属于自己的显著风格。但她确实做到了，并且是在相对很短的时间内。

面对她的画，最直接的一个感受就是，这位画家没有师承，我们熟悉的美学理论、各个层级的美术教育基础，在这些画里都找不到痕迹。

似乎扑面而来的是一种莫名的，从其他星系或陌生文明里被揉碎，且带有乱码的打包信息。无法充分解读，但会获取一丝非秩序的恍然，这丝恍然弥足珍贵，它会贴近脑海极限的边缘。就像在梦里，你可能见过一种颜色，是你无法用已知颜色词汇来表达的。

这似乎难以理解，那想象一下，在只能看到黑与白的人类孤岛族群里，忽然某位某天发现晚霞竟然不是黑和白，他要怎么和族人表达呢？并且让后人也知道他见过黑与白之外的颜色呢？

那最好的办法是画出来，用黑和白描绘出一副大家都觉得奇怪的画，而这幅画接近了他看见晚霞颜色时的情感。同理，任何感知都会有语言之外的广阔，企及这种广阔，方见灵感之初。

纪亚利的画应该就是这样一种语外表达，可能是她见到、听到、或触摸到的，总之，她做到了没让这感知被嘈杂淹灭。且有天赋呈现瞬间感知的心念映射。

最后，我并不觉得现在她的作品像儿童画，这不是一回事儿。如果一个孩子从拿起画笔开始，就不受任何外界的影响与干扰，包括美术教育，且始终投入热情与爱去画，行之多年，或许有可能相近纪亚利的作品吧。

漫漫的脑海及人生里，总会有些许非惯性逻辑的信息出现，不必排斥和怀疑，静静看它片刻，没有这片刻，就没有永恒。

文 / 解征