钢琴只敲下两个键，舞台下便响起了一阵尖叫。

观众们都知道，这首歌期待已久的首演，就要开始了。

一束灯光至上而下，打到黑暗的舞台上，打到钢琴演奏者的身上。

逐渐，钢琴铺满温暖的和弦。

歌手在麦架前站定，喊了一小声「嘿」。

全场也「嘿」了一声给予回应。

他双手取下麦克风，一手拿着，一手插在牛仔裤口袋，真挚地唱道：

「伍岚正和程艾影从上海到武汉」

紧接着就是全场大合唱，

这首歌，叫《程艾影》，

这位歌手，叫赵雷，

这个现场是，“没有信号”赵雷2024年巡演南京站。

太惊艳了！

一个晚上过去，我的兴奋劲到现在还没缓过来！

从乐队配置到主题构思，从音乐人状态到现场氛围，从舞美到音乐，从视觉到听觉，

这场，我愿称之为：

2024年演出市场的首个诚意大作！

为什么叫「诚意大作」，而不是叫「诚意之作」？

首先要聊的就是「大」这个字。

在很多人的印象中，赵雷是民谣。

民谣在小场地演出，只要一把木吉他就能演。

如果是大型巡演，也就是标准的乐队阵容，

最多根据编曲需要，再加几个传统「三大件」之外的乐器，比如小提琴、小号，或者萨克斯等等，

这已经是顶配了！

但这次演出直接来了一个60多个人的“管弦乐+电声”大编制乐队，编曲空间一下子获得无限延展。

我印象最深的是《吉姆餐厅》这首歌，

录音室是正常的吉他、贝斯、鼓的版本。

但这次演出的现场版，节奏改为了以提琴组的顿弓为主，

旋律以前是木吉他主导，很干净，现在加上了大量弦乐，整个作品的气质一下子就拉高了！

简单讲：

录音室版本是悠闲的，是清澈的，是私人化的！

现场会版本是急促的，是恢宏的，是群体化的！

而像《我们的时光》这种节奏磅礴，本来气势就很足的作品，有了管弦乐的加持，简直如虎添翼，再加上激情的小号开场，现场效果直接「爆炸」。

还有VJ、灯光的配合，说实话，这种级别的演出，震撼首先是生理上的，其次才是审美上的。

顺便提一句：这次的VJ，不知道为什么，竟然有裸眼3D的效果，超级震撼！

接着要聊聊「作」这个字。

不是所有演出都能称之为「作」的。

「作」是「作品」

很多演出就只是把一首一首的音乐作品，演奏出来而已，而整场演出，很难称得上是一个独立的作品。

要做到这一点，起码满足两个条件：

第一，要有明确的意义指向；

第二，这个意义指向要通过舞台、通过音乐完整呈现出来；

第一点并不难，大部分演出都有名称，都有一个所谓的意义。

但这个意义是不是足够原创？是不是言之有物？是不是与舞台设计契合？是不是与音乐内容契合？是不是与艺人气质契合？

是不是能让观众共鸣？是不是能与时代共振？

才是最重要的。

赵雷这次巡演的主题叫「没有信号」

这四个字他在现场提到好几次，

但「信号」究竟代表什么，赵雷并没有做出正面解释。

在我看来，答案可以有很多。

代表手机信号？代表嘈杂的主流？代表纷扰的世界？

或者代表来自工作群里永远回不完的消息？

或许赵雷想让大家放下手机，感受音乐，感受此刻。

而这次的舞台设计，非常特别。

赵雷现场说，自己第一次在这种异形舞台演出，

视觉上看，空间很小。

赵雷和“管弦乐+电声”大编制乐队，包括和声组，就像挤在一座漂浮的小岛上。

设计概念称取自「离岛」，一座远离陆地的小岛，但拥有自己极其独立的存在，与演唱会主题“没有信号”非常契合，也是赵雷纯粹、自由、温润的音乐气质最贴合的具象化表达。

十多年前，他还是一位小众的民谣歌手，乐迷时常大喊「赵雷不红，天理难容」。

2014年参加央视《中国好歌曲》，一首《画》被刘欢惊为「神来之笔」，从此知名度大增，演出爆满。

2017年，参加完《歌手》，从此再也没人为他被埋没的才华而愤愤不平，因为《成都》火了，赵雷红了！

但令所有人意外的是，他在人气巅峰时选择了「雪藏」自己，大家只能在某些音乐节现场，或者少数专场演出中看到他。

2022年发表新专辑《署前街少年》，一首《我记得》又成国民级金曲。

但赵雷这两个字，以及这个人，完全不在大众舆论范围内。

他与音乐很近，与人群很远。

他与歌迷很近，与粉丝很远。

所以16日晚，看着如此特别的舞台设计，我在台下，感觉不是在听一场演出，而是参与一场同类人的聚会。

上万人挤在一艘船上，一起漂泊在大海之上，遨游在宇宙之中。

那么渺小，那么热烈；

那么虚空，那么充盈；

那么孤独，那么感动。

这就是从主题到舞台，从艺人到音乐，达到作品级呈现效果后，带给观众的深刻体验。

其实很难准确形容这种感觉，总之，后劲很大，几天都难以回神。

聊完「大作」，再聊「诚意」这个词。

「大作」指乐队配置+主题表达。

但这些硬件支持、这些概念设计再好，也是为一个东西服务的，

那就是音乐！

我想，赵雷乐迷都愿意用「诚意」二字形容雷子的音乐。

这个词是先决条件，

有了它，赵雷才有温暖的歌声，才有纯粹的表达，才有独立的态度！

即使在万人体育馆，即使身后有60多人的超豪华乐团，这种感觉依旧强烈。

首先赵雷自己的状态，完全没有被这么正式的、专业的场合束缚住，

虽然已经37岁了，虽然已经火遍全国，但他还是那个酷酷的，个性十足的少年。

唱完开场两首歌，他说，欢迎大家来看这场无聊的演出；

唱完《少年锦时》，他说，自己有点紧张；

唱完《梦中的哈德森》，演唱会已经快接近一半了，他说，大家适应了吗？下面演出正式开始。

最后一首压轴《我记得》开始前，赵雷介绍乐队成员，他说自己不专业，所以请来了这么多专业的音乐家给自己加持。

谦虚，真诚！简直就和当年在小场地的那个雷子，没有区别。

我记得很多很多年前，看他的演出，台下只有几百人的那种，他说他很紧张，但又很放松。

紧张是因为他对自己的要求很高。

放松是因为大家都是自己人，没有什么是不可以的。

确实，只有把歌迷当成自己人，才能做到什么玩笑都敢开。

即使台上有这么多顶尖的演奏家，即使台下有上万人来看他的演唱会。

但一到演唱部分，赵雷的俏皮与幽默，一下子就消失了，取而代之的是那股认真劲，那股较真劲。

我印象最深的是演出倒数第二首的《程艾影》。

这次是他的现场首演。

他一个字、一个字地唱着，每一个字都很用力，非常投入。

歌声深情又富有感染力，每一句歌词都仿佛是一个情感的爆发点。

伤感、深沉，甚至绝望，潺潺流出。

另外，现场两边的大屏幕，在转播演出播画面的同时，还配了整场演出的歌词，就像看电影有字幕一样。那种视觉+听觉+沉浸感官的刺激，让人难以抵抗。

有几次听着歌声，看着歌词，眼眶莫名其妙就红了。

《少女》里：偶尔化一化妆吧，我们从来就不会老，那是镜子的玩笑；

《理想》里：一个人住在这城市，为了填饱肚子就已精疲力尽；

《无法长大》里：既然无法长大，那就不要学着别人去挣扎；

《我记得》里：时空是个圆圈，直行或是转弯，我们最终都会相见……

太多太多了……

赵雷的音乐，就像探照灯一样，一下子就能射进你内心最柔软的地方，给你慰藉，给你力量。

演唱会的整个编曲也是在突出这种直击人心的感觉。

比如「出镜率」很高的长笛，宛转悠扬，百转千回，声声进耳，句句入心，把赵雷的作品演奏出了新的听觉层次。

整场演出，管弦乐团有拉满的时候，和电吉他、架子鼓一起彻底摇滚起来，也有安静的时候，为木吉他让路，为歌声做衬托。

这种一张一弛，这种节奏拿捏，让长达3个小时的演出，时间飞快，感觉没听多久，居然都快结束了！

演唱会尾声，赵雷还不忘感谢虾米音乐娱乐和S.A.G，它们和赵雷工作室都是这次巡演的出品方。

非常难得，三个出品方在内容价值、美学价值、艺术追求上高度一致才有了这个诚意满满的“作品”。

正如虾米音乐娱乐厂牌主理人尹亮在演出结束后所说：

一切都为音乐表达服务，

一切都为观众体验服务。

其实，从阿那亚·虾米音乐节到赵雷演唱会，虾米音乐娱乐对艺术性和商业性的把控始终是行业里特别的存在——

专注作品呈现，不流俗商业考量，服务歌者表达和歌迷情感。

这些，在本场赵雷南京站演唱会中，也表现得淋漓尽致。

奉献一场「诚意大作」的前提，是不计成本的投入与不计时间的投入，

它是策划团队、设备团队、演出团队经过反复讨论、打磨、排练，慢慢熬出来的。

作为本场观众，谢谢赵雷，谢谢演唱会背后的团队，谢谢你们那么尊重观众，尊重音乐！

希望市场上所有诚意满满的演出，都能大获成功！