万字专访奥斯卡参评短片导演：黑白奇幻里的母女对决与狮鹫寓言|奇幻|奥斯卡|树精|狮鹫|电影|长片

Em & Selma Go Griffin Hunting

奇幻｜成长寓言

导演：Alex Thompson

主演：Milly Shapiro、Pollyanna McIntosh

时长：18分钟

色彩：黑白

背景：1930年代美国乡村（平行历史）

核心元素：成人礼狩猎、母女关系、狮鹫（原型反转）、树精（隐喻）

在一部以1930年代美国“尘暴时代”为背景的黑白奇幻短片里，母亲与女儿并肩走入森林，准备完成一项被传统包装为“成人礼”的狩猎。少女需在母亲的监督下，猎杀由母亲指定的神话生物，方能被社会视为“合格的女性”。《Em & Selma Go Griffin Hunting》以寓言化的方式，直面“被规定的人生道路”如何塑形个体，以及当代女性在代际压力、传统仪式与自我意志之间的艰难抉择。

《Em & Selma Go Griffin Hunting》电影海报

故事聚焦早熟叛逆的Em与教条严苛的Selma。原本应是母女增强情感信任的一天，随着Em对仪式中无意义的暴力愈发不安与质疑，迅速滑向失控与撕裂。两人一路与奇异生物相遇：

狮鹫

在神话与纹章中象征“高贵守护”的经典原型，被本片反转为退化、入侵而粗粝的物种，折射“被粉饰的传统与现实的落差”。

树精

承载更直接的隐喻与伦理张力，其关键场景将观众从“童话期待”猛然带回“现实凝视”。

导演选择黑白影像，既服务于时代氛围，也在技术上融合实拍与CG，让全CG镜头、纯实拍与混合镜头在同一幅画面内更自然地共存。短短18分钟，影片集中讨论“成人礼/教条/自由意志”“母女关系的保护—对抗相变”“个体如何在循环中寻找破局”等命题。

《Em & Selma Go Griffin Hunting》电影截图

本片由《遗传厄运》主演Milly Shapiro与《行尸走肉》主演Pollyanna McIntosh领衔，在2025 年圣丹斯电影节全球首映，目前已获得奥斯卡奖参评资格。

一、创作缘起与影像形态

为何是这部短片？为何是这样的面貌？

从十年剧本孕育，到短片形态的现实选择，再到黑白基调与“尘暴现实＋神话寓言”的混合气质，随绿光一起走进导演Alex Thompson的漫漫创作路。

创意起点与现实历程

能带我们回到最初吗? 这个想法最早是什么时候萌生的，触发点是什么？

这部作品断断续续走了近十年。我在 2015 年读大学时写下第一稿，当时并不知道如何真正拍出来——因为它对视效规模的要求很高。它像一个胶囊，装着这些年反复在我脑海里发酵的影像母题与主题线索。毕业后我搬到洛杉矶，接编剧与音乐录像的工作，同时持续为这部片做准备：找美术做狮鹫(Griffin)的概念图，画分镜，做机位清单，等于在纸面上把电影先“排练”了一遍。可更难办的问题在于体量——一部 10 页的短片，光是纸面上能做出来的预算就已经像是两百万美元的大工程了。

直到 2020 年封城，我的生活也遭遇重压，我决定不再等待外部许可，而是自己启动项目。于是我联系了制片人好友Roger Mayer确定项目落地的可能，最终在 2021 年二月完成拍摄，随后用了约四年做后期，刚好赶在 2025年初圣丹斯电影节首映。我和我的团队在过程中碰到的坎坷、困难相信不用展开说大家也能想象得到。从十年前这个故事在我的记事本上落地，到如今真正在大荧幕上“生根”，我们能交换的只有时间与耐心。

为什么是短片：形态与资金现实

作为一部选择了以黑白色调呈现、拥有完整世界观与神话原型以及各种复杂气质的作品，我作为观众在大银幕上看真的感觉非常成熟和完整——但它毕竟是短片。面对如此大的体量（视效制作、世界观建立、神话生物建模、作者电影气质的定锚），为什么一定要坚持短片形态？

最根本的原因是我热爱短篇叙事与短片媒介——我最早的文学启蒙来Ray Bradbury与Isaac Asimo。但现实是：短片并不是可持续的商业形态，特别在美国，缺乏英国 BFI、Film4 那样的政府资助生态。于是要么依赖极其成功的众筹，要么自筹完成。这部片最终是我个人投入完成的，代价不小。当然，为了后续有机会将它扩展为完整的长片叙事，我也正在完善整个项目与剧本。

基调与时代背景：伯格曼式的作者电影 × 侏罗纪公园式的沙盘奇观 × 神话生物的原型基底

您在故事梗概里把片子的整体风格描述为“英格玛·伯格曼式的心理戏剧，穿越了斯坦贝克《侏罗纪公园》的尘土现实，再利用丰富的神话生物原型做支撑”。从最初的灵感出发，您是如何在创作过程中搭起这种多重气质的框架？

我始终相信“类型混搭”能够带来新的原创性——不是凭空造出前所未见的单一元素，而是把看似不相干的元素以一种新方式组合在一起。这部片我从一开始就是以黑白色调做的设想，希望任何一帧都能有安德鲁·怀斯画作般的冷峻与触感。历史维度上，我把故事安放在二十世纪三十年代美国“尘暴时代”的影像语境里，那是土壤因过度耕种而贫瘠、大量农户被迫向西迁徙的历史时期，景观与人物都带着干裂、贫困、被风沙雕刻过的质感。这个现实框架与类似童话般气质的命题叠加在一起，能让一个高概念的神话设定落地。作为创作者，我需要首先让这个故事具有说服力，同时又保留寓言的空间。

同时，拍摄层面也得容纳现实考量：我必须在南加州拍摄，而非我理想中具备严肃气质的欧洲古林。于是我反向推导，把故事的自然环境、服装与生活痕迹都调校为可在南加州找到的地形与光线条件（如开阔的山地、稀疏树线、干燥空气），同时在美术与摄影上强调“纪录式的触觉”。这样，伯格曼式的心理拉扯、斯坦贝克式的现实土腥味，与神话生物带来的神秘维度，才能在同一幅画面里彼此不打架。

Em捧书了解Griffin的习性

黑白之选：美学动机与技术统一

黑白呈现从一开始就是您的既定选择吗？您最终确定它的原因是更偏为了主题服务还是为了隐藏技术短板？

两者兼具。前期我们确实按彩色去做过生物设计，效果很惊艳——例如“女王狮鹫”有明亮的黄色眼睛，面部带有源自“食火鸡（cassowary）”羽毛的亮蓝色。那一度让我犹豫要不要保留色彩。但当团队进入后期制作时，有一个关键镜头——母女二人翻越山坡，前景里模糊的“女王狮鹫”缓缓起身。这个镜头相当关键，它是这个经由我们精心设计的神话生物形象的全貌进入观众视野的时刻。而当我把它转成黑白，整部片立刻进入我想要的“时空感”：仿佛来自大萧条时期的黑白寓言。从这个时候我就决定一定要做黑白色调的选择。

狮鹫族群一景

当然我的团队里也有人提醒，“重特效片不宜黑白”。如果这是大体量的商业片，这个选择或许不会被允许，因为黑白影片在市场层面通常被视为“高风险”。但作为自筹的作者片，我更在意作品本身的要求。从技术效果看，黑白确实带来意外的画面统一。因为本片的镜头在全 CG、纯实拍与混合镜头之间频繁切换，这个现实情况使得我们在做后期时意识到，即便是高水准的 CGI，在彩色条件下也很容易被人眼识别出“非真实”的差异；而在黑白语境中，光比、灰阶与质地更容易把不同来源的影像“缝合”为一张画布。因而这既服务于美学，也是务实的选择。

黑白狮鹫一景

二、人物与主题

这不是一场英雄主义式的屠龙大冒险，更像是一场Em与“母系教条”之间的凝视。

为了让未观片的读者更好理解，以下回答会适度介绍两位主角的处境与选择。

（含轻微情节讨论）

核心命题：成人礼、教条与代际摩擦

你提到Em与Selma所处的世界以及她们需要完成的一种“仪式”。你希望通过她们探讨什么？对于没看过影片的读者，能否大致勾勒两人的性格与片中关键行为？

在影片设定中，年轻女孩被要求参与一种“成人礼式”的狩猎，它被传统与教条包装为女性成长的必经之路。女儿Em的性格有清晰的“逆向好奇”：她不轻易接受既定答案，会不断追问“为什么”。她对“被规定的人生路径”本能地保持距离。母亲Selma则来自上一代，她严格继承了这套传统“成人礼”并把这套仪式视为严肃而不可更改的成年门槛——她相信遵循它才能在社会中“被认可”。

注：故事把两人置于森林的狩猎旅程中：母亲带女儿去完成仪式，沿途她们与“狮鹫”和“树精”等物种发生关联；这些遭遇既是世界观的“实体”，也是主题的“隐喻”。随着旅程推进，Em逐步意识到“被承诺的面貌”与“现实中的残酷”之间的落差，并试图做出与母亲不同的选择。影片在18分钟的紧凑篇幅里，集中讨论了“代际摩擦”“被制度化的信念如何塑形乃至伤害个体”“当女性被动地继承一套强制性成人礼，主体性如何可能”等命题。

Em旁观母亲与狮鹫的搏斗

Selma开枪射击狮鹫

为何选择“母女关系”

为何选择母女关系叙事核心展开整个故事与世界观架构？这是您的个人选择还是存在其他因素的考量？

这首先是我更熟悉、也更能写真写透的关系。我从小在母亲与姐姐的环绕中长大，身边的女性多半坚韧、外向、社交能量强。所以在我更主观的写作体验里，父子关系常常显得勉强，不够具备叙事说服力；而母女关系的天然连接使得女孩在进入青春期后，会自然地出现“保护—对抗”的相变：母亲的善意与规训可能同时存在，亲密与拉扯也会同时发生。这种复杂性非常适合承载像“成人礼/教条/自由意志”这类主题的讨论。回望成片，我确实希望还能多增添一两处两人之间更温热的相处片段，但短片的篇幅决定了我们必须聚焦于核心冲突本身。

母女Selma与Em

剪辑如何外化心理（高潮的快切与跳跃）

在高潮段落，你把“罐中的树精意象”与“母女二人与狮鹫的对峙高潮”两个场景两段叙事进行跳切剪辑，这是否在影像层面用意象和隐喻的方式借由树精（wood nymph）的困境呈现了女儿挣扎的内心抉择？

我本意是不愿在结尾设计“听见枪响”的。我认为童话与寓言是道德的镜子，你如何解读它们，便映照出你拥有怎样的世界观。若没有枪响，或许母女之间仍有和解的余地——我们不得而知观众会把自己怎样的世界观投射进去。但“罐中之物”树精的结局绝对提示了更灰暗消极的故事走向。现实主义者可能会认定Em的命运已然终结，而乐观主义者或许仍会保留希望。我有自己的判断和为后续长片做叙事动机预设的打算，但我不想给观众限定一个明确答案。

罐中树精一景

开放结尾：无枪声与“罐中意象”的双向引导

影片结尾没有出现枪声直接暗示角色的生死定居，画面最终停留在了“罐中树精”。您最初希望这种刻意的叙事留白完成怎样的功能？

我本意是不愿在结尾设计“听见枪响”的。我认为童话与寓言是道德的镜子，你如何解读它们，便映照出你拥有怎样的世界观。若没有枪响，或许母女之间仍有和解的余地——我们不得而知观众会把自己怎样的世界观投射进去。但“罐中之物”树精的结局绝对提示了更灰暗消极的故事走向。现实主义者可能会认定Em的命运已然终结，而乐观主义者或许仍会保留希望。我有自己的判断和为后续长片做叙事动机预设的打算，但我不想给观众限定一个明确答案。

母女狩猎一景

无声枪响一景

长片拓展：关系峰谷与世界观深描

这部短片包含了非常多的信息与意象——您目前有对它进行拓展再创作的长片计划吗？

我已经完成了长片版的剧本。基本元素不变——Em与Selma入林、仪式/狩猎失控——但长片能留出足够篇幅去让角色关系实现“生长”，母女二人关系会出现更多日常的高低起伏，观众也会更加理解她们为何彼此需要、又为何彼此伤害。这部分也是为了弥补我在短片版本中对于母女关系情感支持的呈现做的不够的地方。同时，关于“这套成人礼为何存在、它在社会结构中扮演何种角色”的设定与世界观，也会更加系统地在长片叙事中为观众解释清楚。

根据我目前的设想：结构上，短片的结尾在长片里大致相当于中间值，Em明确拒绝延续暴力或教条的循环；而下半程叙事会发生“位移”，让母女关系在极端压力下发生更剧烈的变化（其中涉及树精更关键的作用机制，这里暂不剧透）。换言之，这部作品的长片版本将不只是单纯把短片拉长，而是把原有的关系与世界观拓宽到一个更复杂的维度。

三、生物设定与隐喻

两类生物构成了“看见的世界”和“看不见的寓意”。狮鹫对应“经典神话的反转与去神圣化”，树精承载“隐喻与伦理张力”。

Q10

为什么是狮鹫：经典原型的反转与本土设计

为何选择狮鹫作为成人礼狩猎对象？你们如何把一个“高贵”的神话原型改造为如今银幕上的形象？

在古典神话与纹章学里，狮鹫（狮＋鹰）常与美德、守护联系在一起。我希望把这种文化记忆进行反向利用——因为影片讲的是Em对传统教条的幻灭，所以我们把狮鹫设计为“入侵且退化的物种”，它们被从他处带来，近亲繁殖、营养不良，外观更近于秃鹫，显得粗粝、失序，与图鉴里被精美描绘的贵族形象形成强反差。

同时，在建模制作上我们放弃了整个羽毛生态——制作羽毛的物理模拟模型在每个镜头都会带来极高成本与制作压力。于是我们转而采用短毛的皮肤与马科特征（马属内的草食性哺乳动物），例如让“女王狮鹫”的下唇具备近似拇指的功能，很像是骆驼的嘴，以便能温柔地叼起幼崽的颈背而不显残酷。在整体风格上，我们刻意回避任何容易让观众联想到《纳尼亚》《哈利·波特》这类经典IP的风格范式，而是要建立起一个“独立存在的新物种生态”。

狮鹫（Griffin）的初步设计图

Q11

树精的隐喻重量与“最难拍的一场戏”

相比狮鹫（Griffin），我更好奇树精（Wood Nymph）的设计——因为它们似乎在叙事上承担了更多隐喻，甚至我作为观众视角倾向于猜测它是女儿Em的象征分身。它们的灵感来源是什么？那场最具争议的戏（雄性树精对雌性树精的强暴场面）是如何拿捏分寸的？

从叙事职能上说，你的判断是对的，树精比狮鹫承载了更直接的隐喻。影片中有一场关键段落，观众原本可能以为自己在观看“童话向”的奇幻情节，但镜头却将整个故事的发展脉络带往更黑暗也更现实的一面。这个段落的目的是在“无对白解释”的前提下，让观众看见母亲Selma的过往与她的世界观。她在知晓Em正在观看的情境下，对眼前事件的反应，折射出她与性、与男性的关系史，也折射出她认为Em在人生中“应该预期什么”。“撕裂的翅膀”与“困在罐中的肢体”这两个意象，随后会在Em的命运线上实现互文。（这两者均指Em见证过的，雄性树精对雌性树精实施强暴并扯断其翅膀的情节；随后，雌性树精被Selma装进罐中封存）

这一段的拍摄与动画设计都非常谨慎，我们在分镜、走位与节奏上反复推敲，既要保证观众直面暴力时能被触发的心理效应，又要避免任何猎奇或被剥削感。Pierre Levy负责的动画承担了大量情绪与伦理分寸的表达，而主演Milly Shapiro与Pollyanna McIntosh的表演，为这一切提供了可信的人物基底。我们也反复讨论了“生物拟人化的比例”，尤其是在高潮段落（母女二人与狮鹫母子的冲突戏份）幼崽狮鹫和女王狮鹫身上，我们允许少量拟人表情，以便观众与其情绪建立桥梁，但整体上仍保持其动物性的行动逻辑。

树精（Wood Nymph）

树精的面部细节

四、拍摄与制作

从分镜设计到三天完成高密度机位排演，再到小团队的互助合作与难点镜头的困难客服——本段围绕“到底如何落实这个极具挑战性的高负荷剧本”展开讨论，回应了前文的美学选择与现实约束。

Q12

选角、三天拍摄与“化学反应”的反思

Milly Shapiro与Pollyanna McIntosh的选角如何确定？在重VFX的短片里，你们做了怎样的前期准备？也想请您回应一下有观众反馈“母女在片中化学反应略弱”的观感。

在我的印象中，Milly身上始终带着“局外人”的气质。尤其在看到她在《遗传厄运》中的出色表演之后，她一直在我选角的候选清单里。我们第一次视频沟通时，她对Em的理解与我完全一致。但我们遇到的现实难点在排期与预算，她那时生活在纽约，只能在开拍前一晚飞来。我们晚上8点进行了一次剧本围读，第二天 4:45就要到场。而母亲角色的扮演者Pollyanna是制片人Roger推荐的，我个人很喜欢她能够将脆弱与冷峻两种反差气质同时呈现的非常精准的能力。那个时候她刚结束《行尸走肉：衍生剧》的拍摄，又要立即投身于《Vikings: Valhalla》的拍摄任务当中，所以两位演员的档期都非常紧。

演员Milley在片中的面部特写

为了应对复杂的现场，我们和分镜师Eliza Roberts通过远程沟通定下了分镜计划，就连最简单的纯对话场面也画了分镜。我再把分镜做成带节奏与临时音效的动画预演（animatic），让全组在开拍前对节奏、镜头衔接与表演重心形成统一预期。拍摄地点在圣贝纳迪诺山脉，季节在冬季，且拍摄地位于山体东侧，这意味着拍摄时可用自然光的时段非常短。于是我们改用了斯坦尼康，放弃大量吊装设备与轨道设置。最终只用了三天完成拍摄，平均每天需要完成约三十个机位，过程很艰难。

关于母女角色的“化学反应”，我认同观众的这个反馈并把责任揽在导演端。如果能重来，我会把拍摄拉到5-6天，并至少预留2-3天排练与建立角色之间的情感关系，让两位演员在文本之外有更充裕的时间进行磨合，从而在镜头前自然地生成母女间的亲密与张力。

影片拍摄幕后花絮

Q13

VFX 团队协作与“最难的一镜”

把观众从未见过的神奇生物带入黑白的实拍世界，技术上最具挑战的是什么？哪一个镜头最难？

我很幸运能与一支技术顶尖但小而精的团队合作，我们核心的生物与动画主创曾服务于《潘神的迷宫》、星战系列、哈利波特系列等顶尖项目。困难在于我们缺少常规的大型管线岗位的专业人士（指technical pipeline support，如数据管理、制作流程监督等），这导致在项目早期，我们甚至因为错误的像素纵横比交付了不可用的素材，导致三维跟踪需要重做，流程被迫返工。

最难的一镜其实看上去并不复杂，就是Em 在女王狮鹫面前小心抱起幼崽那一幕。复杂之处在于手与狮鹫幼崽接触所应体现的真实触感与重量分配。针对这个技术难点我们既拍了“空抱”的干净底片，也拍了用毛绒道具模拟重量的版本。

动画阶段不断迭代，让幼崽在被抱起时的重心、下垂与回弹符合人眼对真实重量的感官直觉，同时进行了极其细致的抠像，使指间阴影能自然落在狮鹫的肋骨与皮肤上。最终这个镜头迭代了七十余次。事实证明，黑白色调的决定对我们整部片子的“视觉可信度”上帮助很大——若保留了彩色，很多技术细节上的瑕疵会分散观众注意力，削弱真实感。

除去这个镜头以外，最复杂的技术难点出现在结尾部分。那里有成组的狮鹫、全CG的地表与天空、以及狮鹫族群起飞扬尘的物理仿真。我们与蒙特利尔的Folks VFX合作，为其定下的宗旨并非“越酷越好”，而是“如何与实拍自然并置”。因此我们在美术设计上反复调整，宁可使整体画面表达看起来略显克制，也不想让CG喧宾夺主了整段剧情。

生物学上的参考同样关键，因为我们在设计狮鹫这个生物时综合了熊、马、狐蝠与鲸头鹳（shoebill）多种生物物种的性格与姿态。而针对树精的形象设计则参考了猕猴、树栖等两栖动物（如蝾螈）与蜻蜓的翅。首席动画师Andy Fraser住在伦敦，我在洛杉矶——为了协同，我把作息完全倒置，与他夜间对齐，持续为此工作了约16个月。

我们整个团队的总人数约五人，其中两人完成了约80%的镜头。在协同设计的流程中，如果想达到真正的“照片级拟真”则需要肌肉/骨骼的物理模拟层，这超出了我们的预算范围，于是我们通过动画师的手工细化，在关键部位做出细微的形变与张力变化。最终，黑白色调的铺盖在统一画面层面再次起到了兜底作用。

狮鹫的特写

狮鹫的皮肤细节

幼年狮鹫的毛发细节

五、作者路径与影片旅程

把镜头收远：探索这部短片在导演过往创作与未来计划中的位置、当下的观众回声、何时推出长片项目。

Q14

前作与VFX的不同用途

这算您的第一部特效作品吗？了解到您的上一部作品是完全不同风格的、越战题材的短片。

这不是我第一次使用特效，但确实是第一次做到这个体量。此前我拍过的短片《Black Dragon》（原片名《Orang Đen》），灵感来自美莱村惨案；片中讲一个上校为掩盖暴行而下令空袭，而一位名叫Châu的少女拥有“让事物重返生命”的能力，故事从此失控。在那部作品里，特效更偏凸显“心理象征”的用途，而《Em & Selma》从第一帧就要求观众把银幕上的生物当作“有血有肉的动物”。

Q15

观众反响、争议与奥斯卡参评资格

这部片目前的反响如何？有哪些赞赏与质疑？

整体反馈还是偏积极向的。但最具争议的是“树精强暴”那场戏——有观众因此与影片保持距离，但这都在我的预期之内。我也收到过来自陌生观众的强烈反对意见，这当然是曝光度提高后的副作用。令人激动的是，近期这部影片获得了奥斯卡评选资格，这开启了一套偏“制度化、文书与资源投入密集”的流程，我也在学习与应对。平日我尽量把关注点放在可信的专业反馈与下一部作品上，而不是沉溺于无效评论。

Q16

影展期间的发行策略