本期片单出自2025年奥斯卡最佳影片入围名单。
在盘点之前先说一个挺有意思的事情，奥斯卡的最佳影片是颁给制片人的，《阿诺拉》的制片人是肖恩·贝克和萨曼莎·关，他们是夫妻档。
而去年的奥斯卡最佳影片也颁给了一对夫妻，就是《奥本海默》的诺兰和艾玛，而且这两部电影还都是以主角的名字命名的。
不过《奥本海默》的获奖制片人中间还有一个“电灯泡”，就是查尔斯·罗文。
去年的最佳原创剧本获奖者也是真CP，就是《坠落的审判》的两位编剧，特里耶和哈拉里。
好吧，只是一些毫无用处的关注点，以下进入盘点。
NO.10五分钱男孩
《五分钱男孩》在本届奥斯卡中2提0中。
除了提名最佳影片外，还有一个是最佳改编剧本，改编的是科尔森·怀特黑德的同名小说。
讲述上世纪60年代一所改造学校发生的故事。
这间学校在现实中是有原型的，就是位于美国佛罗里达州的多齐尔男校。
2013年在学校里挖出了55具尸体，其中多数都是黑人，揭开了这所学校长达百年的虐童黑历史。
对这样骇人听闻的事件，有追求的创作者总会想方设法，找到一个特别的视角去切入，而不是把它拍成一个猎奇片。
但我觉得本片的切入方式不算特别成功。
影片大多数时候采取主角埃尔伍德的第一人称视角，这种手法古已有之。
比如1947年的《湖上艳尸》，但这部片子并不成功，非但没有增加代入感，反而让人出戏。
我认为《五分钱男孩》的手法并没有比这部接近80年前的电影进步多少。
当然它玩了一个反转，我们以为这个视角一直都是埃尔伍德。
但后面发现，他的生死之交特纳已经冒用了他的身份，成为埃尔伍德，所以视角在不知不觉中已经切换了。
于是我们也可以推测出埃尔伍德的命运。
可即便有这个反转，依然解决不了出戏的问题。
因为镜头移动起来有非常明显的机械感，跟我们日常的视角差别很大，所以很难代入。
尤其是主角跟人拥抱的镜头，直接把摄影机埋在对方的衣服里，跟现实中拥抱的体验完全不同，更像是身上的手机忘记关摄像头了。
可这是个60年代的故事，就相当违和。
而且这样对其他演员来说也是一个挑战。
不只是面对摄像头来演戏，还是面对头戴摄像头的对手演戏，情感传达肯定会打一些折扣吧。
忽然想到，假如是像《可怜的东西》那种换了脑之后还无法完全控制身体的设定，可能用这个僵硬的第一人称视角还合适一些。
《五分钱男孩》的摄影整了个大活儿，但让我有好感的反而是剪辑。
印象最深的就是把各种黑人运动跟主角的命运还有登月画面剪到一起的那些画面。
我想起《大佛普拉斯》那句经常被引用的台词：“虽然现在是太空时代，人类早就可以坐太空船去月球，但永远无法探索别人内心的宇宙。”
不过最后这句放在《五分钱男孩》这里已经非常奢侈。
因为在这个改造学校的青少年并没有被当成人来对待，更不会有人去探索他们的内心。
外面的科技已经发展到可以离开地球了，而这所学校却似乎仍停留在上古时代，把黑人当成奴隶。
现实中的多齐尔男校要到2011年才关闭，从1900年算起，运营了超过100年。
这种反人类监狱，与代表人类文明进步的航空技术就这么并存着，想想就觉得非常魔幻。
包括《大佛普拉斯》里主角的生活，也跟老板天差地别。
别说探索别人内心的宇宙了，就连一个人人都活得有尊严的世界，我们都还没探索出来。
NO.9我仍在此
《我仍在此》在本届奥斯卡中3提1中，拿到最佳国际影片。
拿这个奖说明不是英语片，这是一部巴西的葡萄牙语电影。
根据马塞洛·鲁本斯·派瓦写的同名回忆录改编,讲述一个在里约的家庭遭到政治迫害的事件。
这个家庭有5个孩子，马塞洛就是这个家庭中的小儿子。
这个配置是不是很熟悉？我看的时候经常会联想到《牯岭街少年杀人事件》。
还有一个巧合，《我仍在此》中最小的小妹有掉牙的情节。
而《牯岭街》的小妹则是衣服慢慢变得不合身，都在拍她们成长的痕迹。
不过《牯岭街》以小四为主视角，是用青少年的眼睛看世界。
当他发现世界真相并且无法接受的时候，他选择玉石俱焚。
《我仍在此》的主视角是妈妈尤妮斯，她看清世界之后选择独自扛下痛苦。
本届入围的电影中我最喜欢的就是这一部。
说起来有点羞愧，我喜欢的那部分恰恰是前半段，也就是政治迫害开始之前。
这个家庭的氛围极其好，家长相对比较开明，虽然跟孩子有代沟，但很尊重孩子，这可能跟他们都是左派人士有关。
导演沃尔特·塞勒斯对几个儿童演员的调教也很出色，那种儿童心性以及彼此之间的互动都极其自然地展现在镜头前。
这种氛围会给人一种敞开大门的感觉，仿佛我们可以轻易地走进这个场景，跟他们融洽地相处。
正因如此，后半段当军方的人随意进入他们家时，就更令人毛骨悚然。
他们家的房子离海边非常近，开头马塞洛捡了一只狗后，还专门拍他从海边走到家里的过程，让我们体验这段距离。
大海总是象征着开放和自由，但爸爸遭到迫害后，他们只能搬走。
我特别欣赏的是记者给这个受迫害家庭拍照的时候，要求他们表情沉重一点，好表现他们的悲惨。
但妈妈还是让大家保持微笑，因为孩子们并不知道爸爸的事，所以他们当下是真的心情愉悦，妈妈守护了他们的纯真。
一家人搬走后，时间一下就来到25年后，第一个镜头依然是游泳，但场景从前面的大海变成了游泳池。
长大后的他们也已经知道当年的真相，清楚当年那段面朝大海的时光再也回不去了。
我个人习惯在第一遍看片之前先不去了解背景资料，所以看的时候并不知道这是个真实事件改编的片子。
直到后面放出原型人物的照片才意识到这件事，这时我的观感就变得很复杂。
总觉得需要换一个角度去看待前面我曾经喜欢的那部分，它是否存在美化现实的成分。
有意思的是看《牯岭街》的时候完全没有这种感觉，尽管杨德昌也是从真实事件中取材的。
但正片部分没有提这件事，也没有在结尾放出原型的照片什么的，完全可以把整部电影看作是杨德昌虚构出来的世界。
所以看的时候反而会去关注影片中有多少接近现实的成分，而不是去质疑有没有美化现实。
由此也可以引发一些思考，虚构并不是没有真实经历的权宜之计，它本身就有存在的意义。
《牯岭街》的虚构感是相当可贵的。
NO.8摇滚诗人：未知的传奇
《摇滚诗人：未知的传奇》一开始的译名叫《无名小辈》，在本届奥斯卡8提0中。
其实我觉得这片子不适合去奥斯卡，更适合去漫展之类的活动，因为全程基本上就是甜茶在玩cosplay，要么去个音乐节也行。
而你看完片子的收获，不会比看完鲍勃·迪伦的百科词条多多少。
假如是一边放他的歌一边看词条，那体验到的东西会比看这部电影还要丰富。
影片根据利亚·沃尔德的纪实文学《迪伦要插电》改编。
主要就是讲他在1965年的纽波特民谣音乐节上使用电吉他的争议事件。
从现在的角度看，这是改变音乐历史的一刻，但在当时鲍勃·迪伦遭到一大片骂声，因为他们觉得这不是民谣。
艺术创作有时候并不是自由的，尤其当有一群人盯着你创作的时候，艺术家就要在名声和艺术之间做选择。
鲍勃·迪伦显然是选择了艺术。
不过影片把这段拍得太平平无奇，人物的魅力没有表现出来，感觉鲍勃·迪伦就是赶场的普通歌手，就算背叛了民谣又能怎？下面的歌迷到底在愤怒什么？
影片前期我的注意力反而一直被莫妮卡·巴巴罗演的琼·贝兹所吸引。
感觉这个人物身上可挖掘的东西更多。
后面有一场戏是鲍勃·迪伦擅自跑去她家，当时他们已经分开了。
我就特别想知道分开之后她经历了什么，反而对鲍勃·迪伦的经历没那么感兴趣。
毕竟鲍勃·迪伦的片子已经有过不少了。
还有像《我不在那儿》这种整花活儿的，找了六个人同时扮演鲍勃·迪伦，其中还包括大魔王凯特·布兰切特。
娜塔莉·波特曼演过一部《第一夫人》，就是从肯尼迪总统的妻子杰奎琳的视角出发，去看待那次刺杀事件。
拍得怎样另说，至少视角是新鲜的。
当然拍琼·贝兹根本不需要从鲍勃·迪伦的恋人这个视角出发。
她本身就是非常重要的一位音乐人，同时也个社会活动家，参与各种平权运动和反战运动。
最后还想说，艺术在很多人眼中都被视为高于生活的东西，使得它离人越来越远。
我个人比较羡慕杜尚那种心态，艺术在他眼中似乎一点都不重要。
或者说艺术已经融入到他的生活中，不需要在意到底是高于生活还是低于生活。
一件作品符不符合哪个艺术流派，甚至算不算艺术都不重要，只有享受创作才是自由的。
当然鲍勃·迪伦结束民谣生涯，踏上摇滚之路的做法也很有魅力。
人家是真的拿出实际行动，把职业生涯都豁出去的。
而不是喝了几杯酒就在那装深沉：
“我写Blowin’ in the wind儿这种歌，说实话，分分钟写出来。不用三天，俩小时。
Blowin’ in the wind儿好写，太好写了，为什么我不写了？
爷们儿要脸，我这岁数，十年前的东西，拿现在出不了手。
咱是一明尼苏达孩子，首先得对得起自己，就这句话，其他的玩去。”
NO.7某种物质
《某种物质》在本届奥斯卡5提1中，拿到了最佳化妆与发型设计。这个奖真的是舍它其谁。
各种重口味造型充满想象力，做噩梦都梦不到这么奇葩的画面，而且多数还是实拍的，没有特效满天飞。
导演科拉莉·法尔雅还亲自远程操控那些假体的机关，尤其是最后那场喷血的镜头，能想象得到她玩得有多爽。
不过也正是因为导演玩心大发，所以对于这部电影的议题探讨既是浅层的，也是重复的。
对于男性的批判力道是足的，只是受力面积比较大，所以没有很尖锐。
它所触及到的一个本质问题，就是社会如何看待女性的身体。
通常讨论这个问题，会把观看的主体放在男性上面，去批判他们的凝视。
这一点在《某种物质》里面也非常直白地表现出来了，但影片更多的是以女主的视角来观看自己的身体。
只是女性视角并不等于女性主义视角，女主是一个被社会主流价值观严重规训的人，尤其身在娱乐圈这样的重灾区。
她在潜移默化中会用跟身边那些男性一样的目光来看待自己的身体，然后跟自己展开雌竞。当然过程中不乏一些狗血抓马的部分，比较影响观感。
关于“某种物质”的设定，影片其实做得不够严谨。
因为两个身体并不共享记忆，那么主角凭空造出一个年轻的分身，自己半点好处都没有捞着。
她继续做这件事的动机就不是很充分。
所以这片子在戛纳拿最佳编剧，我是持保留意见的。
当然因为没补完其他入围的片子，所以也无法全面对比。
除了女性议题的表达，影片或许还间接表现出一种人类共通的焦虑，那就是衰老的焦虑。
衰老的焦虑跟死亡相关，但又有所区别。
死亡是一个结果，衰老是过程，而且是一个温水煮青蛙的过程。
我们只能体验死亡前，却无法体验死亡后。
但衰老却是时刻都在体验着，只不过很多时候我们自己没有意识到。
这部电影在煮青蛙的锅底下又添了许多柴，加速了衰老的过程，恐惧自然也就加倍。
在加速的时候还伴随着极其真实的痛感，身体和精神双重折磨，还挺变态的。
不过法尔雅这种变态不会像麦浚龙那样令人反感。
因为你能感受到她是在享受制作的过程，各种假体和血浆，只不过是重口味一点的玩具。
她的变态主要实施在这些玩具上面。
但麦浚龙拍《风林火山》是让演员遭受真实的虐待，去呈现他要的真实，这实际上就是严重的剥削。
有一说一，《某种物质》在文本表达层面对我的吸引力不算太大。
但各种癫狂过火的影像轰炸，的确给我留下了深刻印象。
特效时代的观众已经见过太多超现实的东西，而影片能用一种实拍的质感来呈现超出观众想象的画面。
不管这种画面是惊喜还是惊吓，都能从中感受到创作者充沛的活力。
NO.6秘密会议
《秘密会议》在本届奥斯卡8提1中，拿到了最佳改编剧本，改编的是英国作家罗伯特·哈里斯的同名小说。
故事很简单，就是选新教皇。看完之后我想到了杜琪峰的《黑社会》，都是一个社团通过各种明争暗斗选新话事人。
当然《秘密会议》的斗争手段没那么暴力。
因为我个人不信教，所以教会在我印象中是一个古老的组织，看到这两个字的时候，脑中浮现的都是一些中世纪的背景。
因此看到片中的红衣主教坐在电脑前看屏幕，总有一种穿越的感觉。
而这部电影确实与当今社会有着密切关联，尽管参加秘密会议的人必须与外界隔离。
但片中打倒候选人的方式，就是挖他的黑历史，这与时下盛行的取消文化如出一辙。
这样一个受教众敬仰的组织，在争权夺利的时候，跟黑社会也没有本质区别。
上帝还真是公平，在权力面前，不管你是哪条道上的，每个人都很“平等”地变得贪婪。
好比金庸小说中的少林派，有些出家人也会觊觎屠龙刀。
《秘密会议》的主角是枢机团团长托马斯·劳伦斯，由拉尔夫·费因斯扮演，也就是伏地魔。
他负责召集世界各地的红衣主教前来参加秘密会议，同时他本人也参与教皇的选举。
正因如此，他的视点也变得不怎么可靠。
全片用了不少背跟镜头来拍他，我们总是跟在他后面，让他带着我们走进各种场景。
但他在画面中占据的面积比较大，使得他不像一个向导，因为我们看不清他身前的空间，同时也看不清他的脸。
于是整个氛围都变得神秘起来，我们不知道他的真实面目到底是怎样的。
尽管他全程都表现出自己不稀罕去继任的样子。
但已经可以想象得出他继任后说出那句：这个教皇是我愿意当的吗？
那还真就是宫斗剧。
当然影片的结局没有这样编排，甚至比常规的宫斗剧更加炸裂，这里就不剧透了。
影片的场面调度是比较偏德国表现主义的，通过各种角度，利用画面中的线条来描绘人物的精神世界。
搭配上各种教堂的场景，观感就像是在看绘画或者雕塑。
有一个镜头让我印象非常深刻，就是户外下着雨，镜头从上方俯拍地面，红衣主教们都撑着伞走向教堂。
一个个圆形的伞从画面的上方移动到下方，如同巨大的雨滴往下掉。
这些人以为自己在挡雨，但在这个视角下，他们就是最大的雨。
一群号称可以指引大家上天堂的人，正在向下坠落。
宗教是一个掌握世界解释权的组织，科学也是解释世界的其中一个视角。
马克斯·韦伯说科学鼓励后来者推翻权威，使得科学能够不断更新，这和宗教有着非常大的区别。
同时也说明，当我们过度迷信一种科学权威的时候，可能科学就在慢慢地宗教化了。
片中有句台词用在科学上也挺合适：确定性是宽容的致命敌人。
NO.4沙丘2
《沙丘2》在本届奥斯卡5提2中，拿到了最佳视觉效果和最佳音响。
第一部也拿过这两个奖，我认为是实至名归的。
这个系列的视觉和声音设计一直都非常出色，这也是维伦纽瓦的强项，甚至可能是他在好莱坞大厂诸多的限制中最能体现个人意志的东西。
他这套东西并非摄影师发力就行的，需要把各部门全都紧密地捏合在一起，非常考验导演的创造力和决策力。
最能体现这一点的就是菲德-罗萨那场在斗兽场中的打斗戏。
这个户外场景有一个“黑太阳”的科幻设定，于是就把画面拍成黑白色调，而且它的对比度比普通黑白摄影更高，黑的地方更黑，白的地方更白。
这是用了定制的传感器，以及试验了不同滤镜之后才确定下来的摄影方案。
但要拍出这种效果，人物的妆造就不能用平常那种方式来做，打光也要改变策略，这些都必须配合最终视觉效果的要求来调整。
整个过程需要不停地试错才能得到满意的成品。
没点魄力的导演还真管不了这一大帮子艺术家。
但是话又说回来，这场戏的视觉如此出彩，相当于把反派的高光全都给到菲德-罗萨，结果后面他还没大展拳脚就领盒饭了。
这是剧本和剪辑非常失衡的地方。
看来牛蛙也是一个优先保画面的导演。
菲德-罗萨是个典型的暴君，他是保罗的反面。
至少影片前半段是这样。
但是后面我们就会发现，明君和救世主只是保罗的表层，他的内里可能跟菲德·罗萨没有区别。
当然这种结果并非瞬间形成的，中间有转变的过程。
保罗对权力的欲望，随着他阅历的增多，以及战力的提升，越来越膨胀，最后到了一个非如此不可的地步。
菲德·罗萨走的是王权之路，保罗走的是神权之路，两人殊途同归。
正因为有这种对照关系存在，才更显得菲德·罗萨的刻画严重缺乏层次。
不管是王权还是神权，都是前现代的东西，现代社会讲究的是人权至上。
但《沙丘》是一个未来世界的设定，也就是说作者对于人权社会是比较悲观的，人类最终又走回了老路。
维伦纽瓦在这个时代拍这样一个故事，或许也在表达对当下的悲观。
如今全世界都有往右转的趋势。
美国那边川普就不用说了，日本那边有一定的概率选出第一位女性首相，看上去似乎是平权。
但事情往往不是这么简单，网友戏称高市早苗除了性别是女，其他都是男，总之她也是持极右立场的。
王权与神权同样专治，但还是有一点区别，菲德·罗萨会让人产生恐惧，所以对他是屈服。
保罗会让人产生崇拜，所以对他是拜服。
因为用辩证思维思考问题是痛苦的，不断更新自己的思想是疲倦的，所以干脆就把自己的脑子交出去，从此跟随指令来生活，再也不内耗，不自省。
最后就像那位石家庄人一生之敌所唱的那样：如此生活三十年，直到大厦崩塌。
NO.4魔法坏女巫
《魔法坏女巫》在本届奥斯卡10提2中，拿到了最佳艺术指导和最佳服装设计。
其中最佳艺术指导的获奖者之一是内森·克劳利，这位是老熟人了，跟诺兰合作了很多部电影，包括《星际穿越》。
《魔法坏女巫》在全球收到了约7.4亿美元的票房，是入围最佳影片的电影中票房最高的，小胜《沙丘2》，但成本比后者低了4000万呢。
关于影片的主题，其实没啥想聊的。不管是对肤色还是对动物的区别对待，都在讲消除歧视，就是一些我们多数人都已经知道的道理。
既然是歌舞片，造梦能力也是一个关键的衡量标准。
个人认为本片拍得比较中规中矩。先不拿黄金时段的好莱坞歌舞片来比较，只看近些年的作品，我会更喜欢《芭比》和《爱乐之城》里面的歌舞。
比如同样是夜幕降临时的solo，《魔法坏女巫》中艾芙芭那段就有点干唱，美术所起到的作用比较少。
《爱乐之城》高司令那段solo就比较出色。
场景还有配色都跟人物心境发生很好的化学反应，再通过歌曲“文火慢炖”，给人留下非常深刻的印象。
以至于现实中见到类似景色的时候，脑中都会自动播放City of Stars。
当然《魔法坏女巫》也不是一无是处，那个滚筒图书馆的场景拍得蛮有意思，可惜比较短。
据说灵感是来自歌舞片泰斗阿斯泰尔主演的《龙凤花烛》。
人设方面，一开始先拍大家庆祝坏女巫去世是一个挺不错的铺垫。
但等到真的开始讲艾芙芭的故事，却不够跌宕起伏。
可能因为影片分为上下两集，所以艾芙芭的故事并不完整。
格林达相对完整一点，而且性格也比较出彩。
一开始有点憨，莫名其妙跟艾芙芭做了室友，产生摩擦，后来又化敌为友。
可能不算十分跌宕，起码也是有起伏。
还有一头扎到床上，以及在地上仰泳的镜头，都有种莫名其妙的喜感。
甚至感觉她是不是走错片场了，应该去《芭比》那边跳一段。
说起来华纳的《芭比》和环球的《魔法坏女巫》都获得了商业上的成功。
反而以歌舞片闻名的迪士尼一直扑街。
《白雪公主》的票房才刚刚超过成本的一半，IMDb评分1.6，咱们国内的观众还算客气，豆瓣打了4.0的高分。
许多人认为原因是大搞政治正确，我认为确实如此，但又不完全是。
《魔法坏女巫》也是非常正确的电影，讲肤色，讲残障，讲动物，导演朱浩伟也是亚裔，可它的票房并不差。
可能观众只是厌倦了“迪式正确”而已，就是只对主创的肤色上心，但内容质量却摆烂。
不过好莱坞这种地方，政治不正确并非原罪，不赚钱才是原罪。
迪士尼再继续扑下去的话，势必会做出调整。
毕竟他们拍政治正确并不是因为自己有坚定的政治主张，而是他们觉得拍这个能赚钱。
哪天发现赚不了钱了，再换一种主义就是了。
NO.3艾米莉娅·佩雷斯
《艾米莉娅·佩雷斯》在本届奥斯卡13提2中，演员佐伊·索尔达娜拿到了最佳女配角，另一个奖是最佳原创歌曲。
影片还有一个非常直白的译名，叫《毒王女人梦》，这就是核心剧情了。
一个毒枭雇了一个律师帮他金盆洗手，这时还是男性。
之后就开始跨性别计划，成功进行结构性转型，这个结构也包括生理结构。
毒枭的扮演者卡拉·索菲亚·加斯科恩就是跨性别者。
片方为她报的是女主，而演律师的佐伊则报的是女配，最终获奖。
但其实影片大部分都是从律师的视角开展的，尤其是前半段。
戛纳那边的做法是把最佳女演员同时颁给片中的四位主要女性演员，其中就包括上述二位。
毒枭跨性别之后的第一次登场，也是通过律师的视角交代给观众。
说实话这场戏拍得相当猎奇，把跨性别者拿来当反转，有消费LGBT话题之嫌。
毒枭成为女性后，沉迷“母性”不可自拔。
传统的母性被女性主义者视为父权制构建出来的意识形态。
而影片基本上对母性采取的是歌颂的态度，希望观众因为毒枭无法发挥母性而产生同情。
正如一部以女性为主角的电影未必是女性主义电影，《艾米莉娅·佩雷斯》以跨性别者为主角，但未必就是进步主义电影。
当然不是进步主义电影也没问题，只不过在宣传和冲奖的时候不断拿来当招牌，就显得比较利欲熏心了。
主角的性别转换也带来了人设的转换，从犯罪头目变成一个非政府组织的创始人，致力于推动社会进步。
这里我不想用洗白这个词，我只是觉得这样拍就很像纯宣传片。
就好像在说：“你看，变性能成为大慈善家，所以变性人都是好人。”
这道德标准也太高了。
跨性别者本身就应该拥有人权，不需要等到对社会做出了大量贡献之后才能获得肯定，这才是平权吧。
整部电影基本上就是情节剧外加歌舞元素。
也不知道是不是受情节剧所累，片中的歌舞拍得实在是有些尬。
本来看《魔法坏女巫》的时候就觉得那些歌舞平平无奇，没想到还有高手。
这片子的歌舞主要是佐伊来完成的，结果给她报的却是女配。
不过她拿奖我觉得也有些过誉了，在提名的名单里，我个人更喜欢《粗野派》里的菲丽希缇·琼斯。
由于佐伊演的角色是律师，她的工作场景跟歌舞有点八竿子打不着。
不像《爱乐之城》两个主角，不是搞音乐的就是当演员的。
要么就像《被嫌弃的松子的一生》那样，在美术上做点文章，把场景变成一个带点二次元风格的超现实空间。
当然假如有高超的调度能力，直接0帧起手进入歌舞片段也不是不可能。
遗憾的是本片导演雅克·欧迪亚不具备这样的能力。
看着他们故作深沉地做出那些滑稽的肢体动作，我只想说一句：你们不要再打了啦。
NO.2粗野派
《粗野派》在本届奥斯卡10提3中，拿到了最佳摄影和最佳配乐，阿德里安·布罗迪第二次获得最佳男主角。
他上一次拿这个奖也是演一个二战时期的犹太幸存者，就是20多年前的《钢琴家》。
不过《钢琴家》主要拍他幸存的过程，而《粗野派》里二战只是背景，大部分篇幅都在讲他扮演的拉斯洛逃到美国后的故事。
拉斯洛是一个建筑师，在美国好不容易遇到了一个有钱人，愿意请他来设计一座社区建筑。
他以为可以借此施展拳脚，结果却是富人的拳脚施加在他身上。
布罗迪并没有出演这个角色的所有戏份，因为片中的大尺度床戏是替身演员来拍的。
而用AI调整他的匈牙利语这一做法更是引发了许多争议。
这些都可能会成为最佳男主角评选的扣分项。当然这个角色也为他提供了许多加分的空间。
从劫后余生，到施展才华，再到被富人推入谷底。
沧桑、激情、狂躁，不同的情绪出现在同一个人身上，布罗迪出色地完成了这些任务。
摄影方面，影片用35毫米胶片来拍摄。
但我看的是网络资源，没能体验到胶片播放的质感，这点就无法评价了。
不过在构图方面影片倒是令我印象深刻，比如开头那个倒置的自由神像。
你一看就有预感，这不是一个歌颂美国梦的故事。
而下一场戏是拉斯洛去妓院，摄影机直接去拍他的下体，也是一个头朝下的状态，跟自由神像形成对照。
他逃离了一个灭绝人性的监狱来到这里，然而这里也不是自由之地。
在后面的情节中我们可以看到富人尽管欣赏他的才华，但打心底瞧不起他。
到最后甚至拿他当泄欲工具。
拉斯洛与金主的关系也可以代表创作与资本之间的关系。
诺兰就认为建筑师与导演有许多相似之处，他们都在创造一个带有叙事成分的空间。
假如我们把其他艺术门类也拉进来对比，会发现建筑与导演还有一个相似的地方，就是都非常“劳民伤财”。
写作和绘画通常情况下，一个人就可以完成，成本也不高。
搞建筑和拍电影都是大工程，且大多数都无法脱离产业而存在。当然还是有少部分例外的，比如阿根廷的潘佩罗小组。
他们的片子不接受国家资助，也不走电影节，都是靠成员及其家人朋友自主筹集资金。
在好莱坞这种商业帝国，乃至于整个美国，“能不能赚钱”是所有东西运作起来的底层逻辑。
大厂拍政治正确的电影，本质上是因为有钱赚，未必所有人都赞同那些价值观。
所以如果越来越多的观众不爱看这种电影，那就不拍了。
川普二进白宫后，大厂也开始调整路线，骂过川普的扎克伯格都向他示好。
当然并不是川普直接给他们施压，而是川普能代表部分民意，这种民意越来越盛行，只有顺应它才能赚到钱。
因此艺术家的理念在这套系统中可以说是呼之即来，挥之即去，这取决于你的理念是否能让观众把兜里的钱掏出来。
NO.1阿诺拉
《阿诺拉》在本届奥斯卡6提5中，得奖率高得恐怖。
奖项包括最佳影片、最佳导演、最佳原创剧本、最佳剪辑，这些奖肖恩·贝克都有份，而演员麦琪·麦迪森则拿到了最佳女主角。
说实话这部电影在前半段给我的观感并不是太好。
尤其是男主伊万的父母出来反对两个人的婚姻的时候，我又回忆起小时候看的那些台湾偶像剧。
一想到这是奥斯卡最佳影片得主，我就觉得奥斯卡欠《流星花园》一座小金人，欠大S一个最佳女主角。
长大后曾经因为小时候看过那些剧而感到羞耻，现在看到《阿诺拉》拿奖，我瞬间就跟童年和解了。
一直到后面男主现原形，才知道这是反套路的片子。
《流星花园》那种是童话故事，男女主越到后面越脱离现实，而《阿诺拉》则是越往后面就越接近现实。
不过这个反套路反的只是偶像剧的套路，好像也不是什么特别厉害的事情。
而且这个反转并不足以弥补看前半段时受到的伤害。
影片开头的剪辑看上去其实还挺有意思的，把时间线打乱，不停地干扰色情元素。
本以为会是一部剖析性工作者生存状态的片子，结果没多久就开始讲男女主的成人童话了。
可能是肖恩·贝克以往拍性工作者题材拍多了，不想再重复，于是开始整活儿。
有些性工作者看完后表示并不喜欢这部电影，因为拍得相当失真，也没有感受到自己被尊重。
据说肖恩·贝克一开始并不打算付片酬给那些当背景的性工作者，理由是她们已经在工作，本来就可以从老板那里领到薪水。
假如是真的话，那还牵涉到拍摄伦理的问题。不过这个消息我没有进一步求证，所以还是聊创作好了。
中间父母的阻力一出现，男主就直接跑了。
这个设计还算有意思，紧接着就是一段满世界找男主的戏。
这一段就是明显的喜剧思路了，但好不好笑这东西见仁见智。
我看这一段的时候都可以用脚趾再抠一栋别墅给男主躲进去了。
最后男主在阿诺拉面前原形毕露，阿诺拉有几次反杀机会，导演都虚晃一枪，然后回归现实。
比如阿诺拉提出分财产，要是照着这个情节展开，让她分到了，那就真成童话了。
而片中这只是阿诺拉最后的挣扎，下一个镜头她就屈服了。
还有一个地方是阿诺拉还围巾那里，我一度以为她会贴脸开大。
以脱衣舞的方式，把身上的奢侈品一件一件还给富人，气到他们爆血管。
这样会更抓马，更有爽感，但导演也克制住了。
不过最后阿诺拉跟同为底层的光头保镖抱团取暖，我觉得就没有克制住，落入了俗套。
尽管影片中阿诺拉的命运拍得比较接近现实，但对富二代的塑造是比较匮乏的，大致相当于一个偶像剧里的渣男角色。
咱们在现实中见到的可比电影里的奇葩多了，应该给肖恩·贝克一点小小的汪小菲震撼。
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