中央民族乐团《灰姑娘》以“破圈”之姿点亮岁末舞台|中央民族乐团|仙履奇缘|演员|灰姑娘|童话|音乐剧

2025年岁末将至，童话的“专属魔法”再度降临民族音乐厅。12月27日至28日，中央民族乐团倾情呈现童话音乐剧《灰姑娘》，以焕然一新的面貌重返舞台。本轮仅设4场限定演出，由原班主创与演员阵容再度集结，为观众献一份融合梦想与勇气的年末舞台礼赞。

但《灰姑娘》在这里并不只是“好看”的童话，它更像一次国家级民族乐团主动发起的艺术实验：当从未演过音乐剧的合唱队员走到舞台中央，在唱、演、动、换景的多重挑战里完成自我突破；当民族唱法去讲述世界经典故事，一场关于“传承与创新、坚守与突破”的对话，正在舞台上真实发生。

为什么是《灰姑娘》

左一：中央民族乐团党委书记张亚峰左二：导演、视觉总监赵晓宇

有人疑惑“民族乐团为什么要演西方童话？”，面对这类质疑，中央民族乐团党委书记张亚峰的回答直截了当——这不是“转型”，而是“与时俱进”。

在他看来，选择《灰姑娘》既有现实的内因，也有时代的外因。

内因，是演员成长的必然需求。国家重大活动需要合唱，但重大任务并非天天都有；院团如果只在任务来时“等待召唤”，演员的业务水平与综合能力就难以持续提升。音乐剧恰恰是一把“硬尺子”：它要求演员把歌唱技术、形体表演与舞台协作融为一体，逼迫每位演员从“站着唱”走向“能独立呈现的舞台主体”。张亚峰说得很清楚：“一部剧的呈现，就是一台大合唱。没有独立完美的独唱，何来合唱？”

外因，则来自市场与当代审美的呼唤。《灰姑娘》讲善良、坚韧与乐观，这些价值与我们的传统美德相通；它也是跨代际的共同记忆——“哪家孩子的父母小时候没有读过这个故事？”更重要的是，世界经典并非只能用西方方式讲述。张亚峰强调，“如果说，越是民族的就越是世界的；那么，越是拥抱世界的，就越能让民族根脉更加坚韧！民族器乐不等于只演绎中国故事，“中国声音”同样可以传递世界情感，这恰恰是文化自信的体现。

在他对院团使命的理解里，党建与业务并不是两条平行线，而应互相赋能：社会需要什么、人民需要什么、党和国家需要文艺工作者做什么，就做什么。《灰姑娘》因此不是“即兴之作”，更不是为了证明“划时代”的刻意之举，而是在大时代引领下的一次主动回应。

用“视觉魔法”把音乐厅变成童话现场

从国家大剧院到中央民族乐团，导演兼视觉总监赵晓宇接手的，是一项看似“不可能完成的任务”：民族音乐厅的舞台本质上是音乐厅空间，不是戏剧舞台——侧台有限、机关有限、转换困难，却要在同一空间里呈现阁楼、继母家、皇宫舞会等多个场景，还必须保证演出节奏与音乐的流动性。

赵晓宇给出的答案，是四块“三折镜”——他称之为整部戏的“魔法镜子”。镜面一侧可反射形成“空间无限延伸”的错觉，另一侧是灰色花纹质感，随折叠与移动不断转换语境：组合成“家”，就是灰姑娘的阁楼；折叠成镜面并与投影、灯光联动，舞台即可瞬间变成皇宫舞会。镜子不只是布景，它还是“会说话的舞台”，以最精简的装置承担最复杂的叙事任务。

更难的是：党委书记张亚峰要求演员参与布景变换，不用黑衣人上台操作。于是合唱队员与“动物角色”必须在唱、演、走位的同时，踩着音乐节奏推动镜片、完成场景切换，还要精准对齐地标定位。这段“边唱边换景”的高难度协作，最终成为全剧技术挑战与现场快感最强的段落之一——观众看到的不仅是童话，更是“舞台机器”由人来驱动的生命力。

赵晓宇还把“限制”变成审美策略：不用笨重实景大机关，而用轻巧的视觉组合制造流动奇观。比如南瓜马车：它推到舞台中央后几乎不再移动，但投影在流动、演员在歌舞、视频与灯光在变换——“车不动，但世界在动”，既节省了转换成本，又把舞台空间真正留给表演与情绪。再比如水晶鞋试鞋：放弃“真实试穿”的时间消耗，用透明质感托盘与定点光束呈现——两位姐姐的试鞋以红光与电声音效凸显失败；灰姑娘登场时，光影变得浪漫柔和，音乐也随之转入“被命运确认”的温柔段落。戏剧效率与审美象征在这里合为一体。

赵晓宇说，作为舞美设计师出身的导演，他最大的优势是“想到什么，就知道怎么做到”。当无法依赖大机关大装置时，创作反而被迫回到艺术本质：用光影、调度与表演去打动人。这次的视觉设计或许是他职业生涯里最“克制”的一次，却也是最“纯粹”的一次。

从“站着唱”到“会演戏”：演员的艺术生命被重新打开

扮演灰姑娘的女高音魏伽妮

如果说视觉是外壳，音乐与表演就是这部戏真正的心跳。饰演灰姑娘的青年女高音魏伽妮把挑战概括为两件事：第一，音乐必须好听——每首歌都要“近乎完美”，才能让故事感与氛围感成立；第二，必须边唱边跳，在转身、移动甚至快速走位中保持气息稳定与音准精准。对习惯了“站位合唱”的演员而言，这几乎是一次从技术到体能、从心理到舞台习惯的全面重构。

但更重要的变化，是身份的改变：从“演唱者”到“表演者”。魏伽妮说，她需要用歌声与肢体去呈现灰姑娘从压抑到觉醒的内在轨迹——开场的蜷缩与小心翼翼，舞会时的释放与打开，都不是“表演技巧”，而是对角色潜台词的理解。这种“从内到外”的转换，也把童话从简单叙事推向更具共鸣的成长寓言：灰姑娘不是等待拯救的人，而是即使在最艰难的时刻仍选择善良、选择希望的人。

她希望孩子们从这部戏里带走三件事：善良是一种选择，不是软弱；坚持热爱，即使无人看好；真正的魔法是相信自己。童话在这里不再是“公主梦”，而是一份面向当代孩子与成人的情绪支持：当你觉得无助时，也仍能点亮自己。

左一：扮演仙女教母的女中音唐文娟左二：扮演灰姑娘的女高音魏伽妮

饰演仙女教母的青年女中音唐文娟则用“慈爱与幽默”来定义自己的角色：慈爱让仙女教母成为灰姑娘的支撑，幽默让舞台保持轻盈的治愈感。她认为，魔法本身看不见，但可以通过演员的仪式化动作、灯光投影的瞬间变化、以及灰姑娘真实的惊喜反应，让观众“看见”魔法发生——而真正的魔法，最终仍回到人心：你愿意相信自己，你就拥有自己的仙女教母。

前排左三：作曲蔡东真，与剧中扮演老鼠一家的小演员以及继母一家合影

音乐的温度：不是“描述魔法”，而是“音乐本身就是魔法”

作曲蔡东真为《灰姑娘》写下的，是一种带着哲思的童话气质。他说，创作过程中他更像是在“找回失去的童心”。由于乐队编制属于小型室内乐，在音色对比手段有限的情况下，他转而通过声部层次与和声结构的变化增强音乐的灵动性，让角色性格与场景色彩更鲜明；并以反复出现的《水晶鞋》主题，帮助全剧建立起清晰的结构线索与情绪回响。

在他看来，“魔法瞬间”并不依赖于对童话情节的描绘，而来自音乐本身的力量——音乐不必被文字限定，它自身就是一种能够穿越时空、唤醒人内在纯真与真诚的震动。相比“善良”，蔡东真更强调“寻找”：寻找失去的自己。因此，《灰姑娘》并不只是一部写给孩子的童话，也是一部献给那些需要在音乐中重新找回“最美的自己”的成人作品。

一次“破圈”与“赋能”的双向实验

中央民族乐团《灰姑娘》的意义，远超一部童话音乐剧的热闹与梦幻。

对院团而言，它是国家级民族乐团在新需求面前的主动破局：从“等待任务”到“主动赋能”，用作品推动体制内人才训练与舞台语言更新。