【烩设计情境化大宅设计高级研修班】
2025年最后一期圆满结束啦
恭喜同学们圆满完成此次课程
顺利获得结业证书！
在设计的道路上
每一次学习都是对专业的深耕
也是对自我的超越
烩设计有幸在学习的道路上与大家一起同行～
祝同学们未来可期，前途似锦！
本期上海《烩设计情境化大宅深化设计高级研修班》由豪宅全案专家、中国建筑史/园林史专家、顶级艺术馆总裁联合授课，聚焦硬装系统化设计、软装落地、园林转译与艺术鉴藏，以汤臣一品等顶级豪宅真实项目贯穿BIM协同、庭院营造到高净值客户对话全流程。
01
开班致辞
本次课程开始前，烩设计联合创始人浦庆琳女士为学员们介绍烩设计的平台资源，讲述了烩设计自2017年精耕室内设计行业，已为行业培养设计师人才超万名、与3000多名设计师保持密切关系的行业积淀。她阐述了烩设计于2022年成立的人居空间研究院与未来设计研究中心，以及2024年新成立的医康养设计研究中心的战略布局，并展示了烩设计在AIGC与元宇宙等前沿领域的深度探索。
02
《大宅硬装系统化设计与深化实践》
导师-安庆文
- 30年豪宅全案设计专家
- 意大利Como企业时尚设计研究员
- 叁米叁设计创始人
- 上海国际设计周主席团主席
- 曾任剪刀石头布集团副总
- 中国软装设计研究中心专家
安老师总结她30多年丰厚的行业经验，她的设计关注到每一个微小的细节，全情投入和对细节的精准把控，使得每个项目都得到了完美呈现。
安庆文老师倾囊相授，从“房子”到“家”的系统化全案落地之道。30余年豪宅实战经验沉淀，她以极强的逻辑与专业穿透力，带我们拆解大宅设计的硬核底层逻辑。
安老师说：“一个人的工作习惯，远大于工作能力。”唯有对事业保持超高热能量，才能在细节中构建信任，在系统中锻造壁垒——练就“舍我其谁”的绝对专业力，让客户哪怕对比再多团队，最终也只会坚定选择你 。
两天课程，干货密集，节奏紧凑，学员们全程沉浸，笔记写满整本。学员说今年来上这个课真是今年最对的选择！学员说安老师的这次授课给了他们以后高端业主订单的底气，安老师的课件就是他们以后做设计的教科书，全面细致，哪里不会查哪里。
一、 理念基础
1.聚焦居住者个性化生活方式（习惯、社交、爱好）
2.建筑与环境的对话（引景入室、自然光、私密性）
3.科技与人文的融合（智能家居场景化）
4.历久弥新的经典感（美学与材质）
二、 深化设计全流程解析
1.概念深化：风格定稿、综合布局、材质选型
2.技术图纸：施工图、立面图、节点大样图、机电集成图
3.全案物料书与选样：材料品牌、规格、封样、资源整合
三、 关键空间硬装要点
1.客厅与餐厅：天花、墙面、地面
2.厨房的结构与功能优化设计：整体橱柜、电器集成
四、 定制家具与固装系统
1.固装设计： 针对豪宅中大量的定制柜体（如衣帽间、酒柜、书柜）、墙面木饰面、门窗套线等进行深化设计，出详尽的加工图。
2.活动家具配置： 挑选或定制与空间气质匹配的家具、灯具、地毯、窗帘、艺术品等，并出配置清单及摆场图。
五、庭院设计
1.核心理念：场景化、私密性、艺术性
2.风格解析：现代简约、新中式、东南亚、欧式古典
3.功能与元素：会客区、水景、绿化、灯光、户外家具
六、BIM系统化数字化赋能
协同设计零碰撞可视化沟通、成本控制、赋能运维、机电管线综合、复杂造型深化、日照分析。
03
《大宅软装从方案到落地的关键控制点》
- 安老师的“成功公式”
- 精准的业主洞察 + 严谨的标准化流程 + 极致的供应链品控 + 富有精神内核的设计表达 + 充满人情味的服务体验 = 高成功率的全案设计
一、核心理念：设计即“读人”
安老师反复强调，做设计的本质是“做人”、“读人性”。成功的方案不在于美学有多惊艳，而在于是否精准捕捉并回应了业主的内在需求、生活方式和精神世界。
关键洞察点：
行业属性影响空间性格：以金融行业业主为例，其职业特性（高效、严谨、有洁癖、重逻辑）直接决定了空间必须“干净、简洁、有条理”，避免跳脱和过度创意。
个人爱好是空间叙事的线索：如业主有喝茶、收藏、雪茄、书法等爱好，这些都应成为空间功能布局和软装陈设的核心要素。
精神层面的表达：每个物件不仅要“好看”，更要被赋予故事和精神内涵，使其成为业主可以向外讲述的“话术”，形成独特的个人IP。
二、方法论：从分析到落地的全流程体系
安老师提出了一套可复制、可教学的标准化工作流程，旨在解决新人设计师“拍脑袋”做方案的问题。
第一步：深度业主分析（建立“保险”）
制作“业主画像”清单：详细记录业主的职业、性格、爱好、家庭结构、社交需求、审美偏好、甚至洁癖程度等。
功能需求拆解：明确每个空间的核心功能（如社交、私密、实验、休闲等）及使用者。
目的：让设计师在汇报前就建立起对业主的深刻理解，极大提升方案的命中率和业主的信任度。
第二步：硬装与软装的无缝衔接
色彩与材料的延续性：软装方案必须基于硬装现场的主色调、材质和氛围来制定，两者需高度统一。
色彩关系处理：根据硬装背景色（冷/暖），决定软装中的点缀色、主体色如何搭配，确保整体和谐。
第三步：极致的供应链管理与品控（落地保障）
这是安老师分享中极为突出的重点，她认为供应链能力是项目成败的关键。
高定家具的“四趟”品控法：
第一趟：工厂交底，核对所有数据和设计图纸。
第二趟：白胚（未上漆）阶段，带物料样板现场比对，确认造型和比例。
第三趟：油漆完成后，逐一对比色卡，确保颜色无偏差。
第四趟（可选）：发货前最终验货，确保运输安全。
全程可视化：要求工厂在每件产品装车发货时拍照发群，做到全程可追溯。
核心观点：“信任是建立在安全感基础上的”，再好的设计，没有强大的落地执行能力都是空谈。
三、设计细节与精神表达
1. 材料与光照的考量
警惕阳光对材料的影响：深色面料易吸热褪色，白色面料在强光下易变黄。选材时必须考虑房屋朝向和光照强度。
窗帘选择：为有洁癖或追求极简的业主，选择干净、简洁、带细微肌理感的面料，避免花哨图案。
2. 艺术品与精神符号
赋予物品故事性：通过一个关于“破壳而出”的生命隐喻，将艺术品与业主的精神追求连接起来。
打造个人宇宙观：空间不仅是物理容器，更是业主内心世界的外化，应能体现其价值观和世界观。
3. 验收与交付的仪式感
“盲盒式”惊喜体验：通过对比改造前后的照片，让业主直观感受到变化，激发其分享欲，形成无形的口碑传播。
人性化沟通：面对磕碰等问题，主动坦诚沟通而非回避，反而能赢得业主的理解和尊重。
角色代入感：汇报时不说“你家的客厅”，而是说“现在我们来到我们的客厅”，拉近与业主的心理距离。
四、设计师的成长与行业趋势
1. 持续学习与素材积累
逛展是必修课：推荐设计师每年参加如许村家纺展等行业展会，沉浸式地收集新材料、新工艺、新灵感，并将其转化为自己的资料库。
2. 文化传承与创新
关注非遗与东方美学：安老师团队正积极探索将云锦等非遗技艺融入现代软装设计，并通过“出海”等方式进行文化输出。
打造自有品牌：从单纯的设计服务，向产品化、品牌化延伸（如与故宫IP合作），为设计师开辟更长远的职业路径。
3. 对年轻设计师的寄语
不要怕繁琐：清单化、流程化的工作方式看似笨拙，却是保证专业性和效率的基础。
用心是最高级的技巧：那些看似微小的用心（如送定制礼品、整理全过程照片），往往最能打动人心，建立长久的客户关系。
04
《传统江南园林营造》
导师-闫爱宾
- 哈佛大学中国艺术实验室合作研究员
- 华东理工大学景观规划设计系教授
- 中国建筑史园林史/建筑与城市设计/城乡遗产保护专家
- 上海市浦江人才计划
闫老师从事建筑史园林史、建筑与城市设计、城乡遗产保护等领域的教学、科研与设计工作。发表学术论文五十余篇，主持多项国家级科研课题，承担省部级以上及中外合作科研课题十余项，主持规划、建筑及遗产保护工程项目上百项，并多次获省部级以上奖项，任A&HCI收录国际期刊Religions客座编辑。
闫老师提出：中国古典园林的本质，是一场由设计师精心编排的、以时间为轴、以身体为媒介、调动多重感官的沉浸式戏剧。它邀请游人不仅是用眼睛看，更是用整个身心去“阅读”和“演绎”一个充满诗意与哲思的世界。
闫老师的授课，成功地将园林从一种静态的遗产，还原为一种充满生命力的、可被当代人理解和借鉴的动态空间智慧。
一、核心理念：中国园林是“时间的艺术”
闫老师开宗明义地指出，理解中国园林的关键不在于其静态的视觉构图，而在于它是一种动态的、与时间（尤其是光影变化）紧密交织的空间体验艺术。
“12小时浓缩为3小时”的光影叙事：
园林中的假山、建筑朝向经过精心设计。例如，一个朝东的假山，在清晨（如7-10点）能呈现出最丰富、最具戏剧性的光影效果。相比之下，一个朝南的景致虽然能经历完整的12小时日照，但其光影变化相对平缓。因此，园林设计师通过控制空间朝向和游线，将一天中最精华的光影时刻“浓缩”在游客最可能到访的几个小时内，创造出一种高效而强烈的审美体验。这体现了古人对时间资源的精妙调度。
二、设计手法：片段化叙事与感官延迟
闫老师深入剖析了中国园林如何通过一系列精巧的手法，引导游人的身体、视线与心理，创造出引人入胜的沉浸式体验。
1. 蒙太奇式的空间组织（片段化叙事）
园林并非一览无余的整体，而是由一个个独立又相互关联的“片段”（Scene）拼接而成。游人从一个片段进入另一个片段，如同观看一幕幕戏剧。这种非连续性的空间体验，激发了游人的想象力，去主动“完形”（Gestalt）整个园林的意境。这种“片段”之间的间隔，正是设计师留白之处，也是观察者进行想象和情感投射的空间。
2. 感官的分离与延迟（制造悬念）
听觉先行，视觉滞后：闫老师以耦园为例，游人先听到摇橹声，却看不见船；必须绕过建筑、走上二楼走廊后，才能看到声音的来源。这种时间差制造了悬念和惊喜，极大地丰富了体验层次。
视觉遮蔽与框景：通过漏窗、山石、植物等元素，设计师严格控制视线。你只能“贴着画框”窥见一角，无法看清全貌，从而激发探索欲。这与西方追求通透、一览无余的“透明性”（Transparency）形成鲜明对比。
3. 身体的参与感
园林设计迫使游人用身体去丈量空间：或穿山洞，或过小桥，或拾级而上。这种身体的运动与空间的变化同步，使体验变得极为深刻。
“动的时候紧急要动，所以人坐在自己心上面那样是” —— 这句看似模糊的话，恰恰点出了园林体验的核心：身体的动态与内心的静观是统一的。
三、文化内核：诗、画、戏的融合
闫老师强调，中国园林并非孤立的建筑或景观，而是集诗、书、画、戏曲等多种艺术门类于一体的综合性文化载体。
1. 与戏曲的同构性
园林中的游线设计，如同戏曲演员的“亮相”路径。演员从后台出场，沿着特定的对角线走到舞台中央，动作由快到慢，最终定格“亮相”。
同样，游人在园林中的行走路径，也是被精心编排的“表演”。每一个驻足点，都是一个“亮相”的瞬间，背后都有其特定的观赏视角和情感预设。
2. 诗意的栖居
园林中的亭台楼阁常以诗词典故命名（如“与谁同坐轩”），其空间布局也旨在复现诗词中的意境。
例如，一个临水的敞轩，两面开敞，水面平静如镜。当明月高悬，人坐其中，自然会联想到“明月装饰了你的窗子，你装饰了别人的梦”这类诗句。园林在此刻成为触发诗意联想的媒介。
四、对当代设计的启示
在问答环节，闫老师回应了当代设计师如何借鉴古典园林智慧的问题。
1.平衡“普世”与“高雅”
他承认，完全复刻古人的文化语境已不现实。当代设计不必强求所有人都能读懂深层的文化密码。
关键在于体验本身：“只要你在这个过程中体会得舒服，其实就是好的。” 舒适、有趣、能引发好奇的体验，是普世的。
2.提取核心方法论
当代设计师可以学习的，不是具体的亭台样式，而是其背后的空间组织逻辑：如片段化叙事、感官延迟、身体引导、光影调度等。
这些方法论可以被抽象出来，灵活运用到现代建筑、室内甚至景观设计中，创造出既有文化底蕴又符合当代审美的空间。
闫老师以其深厚的学术背景和独特的文人气质，带领学员穿越时空，领略了从宋式美学至现代科学视角下的江南园林之美。
老师以昆曲的叙事节奏类比园林的景象流转，认为"园林如戏，有起承转合；空间如曲，有抑扬顿挫"。从昆曲的叙事节奏到园林的景象流转，一招一式皆是灵感的交融，让留园的曲径通幽、拙政园的层次跌宕，皆如戏中唱段般鲜活生动。
沉浸式授课如身临其境，学员们屏息凝神，竟忘了时间，散场后仍意犹未尽，感谢闫教授以心传心。
05
《现代大宅空间的艺术品鉴赏与收藏》
导师张熹
- 上海艺仓美术馆总裁
- 上海翡翠画廊总裁
- 上海世博会上海馆艺术指导
- 上海正午文化艺术中心理事长
- 上海朱家角水乡音乐节创建人
- 国际顶级艺术品资深收藏家
“我们希望美术馆是一种城市文化的生活方式，除了收藏，除了展览，我们更希望可以传达一种美学。”
——张熹
这是张熹老师三十多年来在艺术与教育领域躬耕不辍的信念。从西安大学讲台到黄浦江畔，从朱家角水乡到艺仓滨江岸线，他始终以行动践行着一个朴素而宏大的理想——让艺术真正走进公众生活，让美术馆成为一种日常的生活方式。
张熹老师，1980年代初毕业于清华大学美术学院（原中央工艺美术学院）壁画系，早年参与“85新潮”等先锋艺术运动，后在高校艺术系任教十余年，深耕艺术创作与教育研究。他曾任多个机构艺术指导，为上海市政府策划品牌宣传项目，助力城市文化形象建设。此后创办正午文化艺术中心并任理事长，推动当代艺术与城市空间融合，主导了朱家角水乡音乐节、上海世博会上海馆、陆家嘴绿岸艺术节、静安国际咖啡艺术节等具有广泛影响力的公共文化项目。以艺仓美术馆为核心，他打造了翡翠滨江艺术中心，成功将其发展为上海市重点文创园区，并随后创立翡翠画廊，持续推动当代艺术策展与城市艺术生态建设。
- 美术馆不仅是展示空间，更是文化发生器；
- 看展览 = 阅读历史 + 理解语境 + 思考当下；
- 真正的艺术鉴赏，需超越表面审美，进入文化与思想的深层对话；
- 中国当代艺术亟需补上“现代主义”的课，不能跳过基础直接谈“当代”；
- 艺术应走入日常生活，但不能沦为消费符号。
一、艺仓美术馆的创建历程与理念
1.背景与初衷
美术馆选址于黄浦江畔原上港七区煤炭码头（世博会改造区域），占地沿江1.2公里，兼具工业遗址与公共绿地属性。
初衷并非建立传统“收藏型”美术馆，而是打造一个以展览为核心、活化社区、连接公众的新型文化空间。
2.设计过程与挑战
曾邀多位国际知名建筑师参与设计，包括：
扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）、意大利COD09设计公司、日本石上淳也设计事务所、中国马达思班建筑设计事务所以及美国SO-IL设计事务所，但其方案均未被采纳。
最终由柳亦春（大舍建筑）操刀，采用简洁“盒子”造型，符合法规且顺利落地。
3.建设与运营
2010年启动，2016年初步建成并开幕，2019年底完成内部恒温恒湿等专业改造。
政府出资建设主体结构，张熹老师个人投入超亿元进行内部装修与运营。
疫情（2020年起）对初期运营造成重大影响。
4.美术馆定位与业态
非营利性质（民非组织），无专题收藏，主打“特展”（特别展览）。
展览类型多元：经典艺术、当代艺术、新媒体、设计、二次元等，旨在吸引广谱观众。
配套业态丰富：轻餐饮、艺术商店、高端西餐厅、石库门艺术会所、画廊（代理国际艺术家如约翰尼·德普）。
目标：构建“艺术+生活+商业”的复合文化社区。
二、如何看展览——两个案例分析
案例一：《基里科与莫兰迪》展
1. 策展逻辑
原计划只做乔治·德·基里科（Giorgio de Chirico）个展，但因市场考量加入更受大众欢迎的莫兰迪（Morandi）。
旨在引导观众超越“莫兰迪色”的流行误读，理解两位艺术家的本质差异：
基里科：形而上画派创始人，超现实主义先驱，达利称其为“精神教父”；
莫兰迪：专注静物的内敛画家，被误读为“东方禅意”，实为地道意大利人。
2. 艺术史纵深
基里科1923年后“转向古典”，被艺术史视为“倒退”，但张熹认为这是其回归文化根源（古希腊/地中海文明）的自觉选择。
引出1980年代意大利“3C超前卫”（Clemente, Cucchi, Chia）：他们重新拥抱绘画与民族寓言，正是受基里科“返祖”启发。
3. 观展建议
看展前做功课：了解艺术家生平、时代背景、创作脉络；
超越审美偏好：不要仅以“好看/不好看”评判，要理解作品背后的文化逻辑；
关注策展线索：展览本身是叙事，隐含历史、社会、思想的对话。
案例二：基里科与法西斯时代的关联
基里科活跃于墨索里尼法西斯时期，曾参与国家主导的艺术活动（如罗马四年展）。当时许多知识分子（包括未来主义艺术家）支持法西斯，视其为“打破旧秩序、拥抱机器与速度”的革命力量。
反思：艺术无法脱离政治与社会语境。红光亮、宣传画等“不美”的作品，背后是特定历史条件下艺术家的真诚投入。
启示：理解艺术需置于具体历史情境中，避免简单道德评判。
三、鉴赏的本质：超越审美，进入思想对话
贯穿始终的核心主张是：真正的艺术鉴赏，需超越表面的形式审美，进入作品背后的文化与思想深层对话。无论是基里科画中的哲学隐喻，还是迪伦歌词与绘画的互文，都要求观众调动知识储备与批判性思考，完成一次智识上的挑战与共鸣。
四、艺术如何进入生活
1. “美术馆带回家”项目
推动艺术进入家庭、办公、公共空间；
通过艺术商店、限量版画、家居合作等方式降低艺术门槛。
2. 双重身份实践
公益侧：艺仓美术馆（非营利）；
商业侧：担任英国老牌画廊中国区负责人，从事艺术品交易。
两者互补：商业反哺公益，公益提升文化影响力。
3. 对听众的寄语
鼓励设计师、公众主动接触艺术，通过展览建立与艺术的深层关系；
批评“美陈”“软装”等术语的滥用，强调艺术不应被简化为装饰工具。
06
课后研讨
课后学员们围坐一堂，与导师分享学习心得，交流实践灵感。在思想碰撞中深化理解，让知识从“听懂”到“会用”，切实提升学习实效。
学员都有机会与导师进行一对一交流，针对个人疑问、设计思路或实践方向展开深入探讨。在轻松而专注的对话中，厘清困惑、激发灵感，真正实现“学有所得、用有所成”。
07
参观烩设计公司
紧张的课程之余也穿插了丰富的参观学习，烩设计教育部负责人张文宁老师带领大家参观烩设计展厅，和大家分享公司的研究成果，大家互相交换自己的思考，碰撞出新的设计灵感。
此次参观不仅是对课程内容的延伸与补充，更是一次沉浸式的学习体验，让学员们在真实的工作环境中感受设计的力量与温度。通过近距离接触一线研究成果，学员们不仅拓宽了视野，也进一步明确了未来设计教育与行业发展的融合方向。
08
班级欢乐花絮
课后时光同样精彩！烩设计为学员们精心准备了趣味盲盒和破冰小游戏等众多活动。在欢声笑语中，陌生的隔阂被打破，志趣相投的伙伴迅速“组队成功”。一些看似“小”的瞬间，却悄悄织就了学习之外最珍贵的联结——一个支持彼此成长的社群，一段因热爱而相遇的旅程。
09
结业汇报/颁发名校证书
学员们顺利完成学习后，获得「烩设计&大宅设计研究中心」颁发的权威证书。在职业发展提供了重要的学术背书，助在未来的设计事业中开创更多机遇，取得更大成就。
09
学员真实评价
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咨询/报名：张老师
咨询/报名：华老师
烩设计介绍
烩设计10年深耕室内设计教育，先后联合上海交通大学、意大利米兰理工大学、意大利罗马美院等国际名校开发创立《情境化大宅设计》《情境化软装设计》《AIGC人工智能室内设计控制性生成实战课》《适老化改造和居家养老专题研修班》《当代敦煌敦煌艺术游学》《欧洲艺术游学》等系列课程。
联合名校导师和严谨的设计研发团队，提炼总结全球100位设计导师案例，专注于室内设计师的培养，已培训10万+设计师学员。 被评为“国家级高新技术企业”；获“中国设计产业100强-十佳设计创新平台称号”。
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