Vivienne Westwood与Rei Kawakubo，殊途同归的反叛|westwood|上海时装周|世纪|时尚|殊途同归|男装|秋冬

《Westwood | Kawakubo》展览现场

在墨尔本的维多利亚国家美术馆（National Gallery of Victoria，以下简称“NGV”），Vivienne Westwood与Rei Kawakubo的作品，因《Westwood | Kawakubo》展览第一次被放在同一条叙事线上。

她们出生在相邻的年代，却成长于两种社会结构中。Westwood亲历了英国战后社会的动荡，经济萧条、高失业率、罢工频繁，她设计的服装始终带有明确的立场 —— 反对平庸和麻木，就像她曾经在一次采访中所说：“我的设计有一种 ‘破坏’的冲动。”Kawakubo则在日本高速现代化的背景下进军巴黎，渴望打破西方的审美霸权，对形式与功能保持长期的怀疑态度。

“虽然两位设计师的审美截然不同，但彼此之间却存在协同效应。”该展览策展人Danielle Whitfield解释道，

这种殊途同归的叛逆构成了展览的前提，“我们不想做一个按照时间顺序呈现的流水账式展览。”Whitfield说。她和策展团队将展览划分成了五个章节：“朋克与挑衅”（Punk and Provocation）、“断裂”（Rupture）、“再创造”（Reinvention）、“身体：自由和束缚”（The Body: Freedom and Restraint）和“服装的力量”（The Power of Clothes）。“我们用不一样的叙事方式刺激观众，通过主题来突出所谓的协同效应，同时对比两位设计师在手法上的根本差异。”这种差异在展陈设计上体现得尤为明显 —— 她们的作品有时会并排展示，有时分列房间两侧，有时则是独立的个人展示区。Westwood的作品皆由全身模特展示，姿势颇具戏剧张力。对于那些没有原版头饰的造型，策展团队邀请了制帽大师Stephen Jones进行还原。Kawakubo的作品则用没有头和腿的半身人台呈现，更像是“可穿戴的物体”，而不是单纯修饰身体的衣物。

从上至下，从左至右：

Vivienne Westwood 1994秋冬系列

Comme des Garçons 1997春夏系列

Vivienne Westwood 1993秋冬系列

Comme des Garçons 2016秋冬系列

在这样的展陈语境中，展览开启了第一个章节 —— “朋克与挑衅”。这是故事开始的地方，二战后，青年群体对既有的社会秩序普遍失去信任，他们破坏、反讽、拒绝修饰，用音乐和服装表达愤怒和不满，站在主流对立面的朋克文化应运而生。对Westwood而言，朋克几乎与她的生活经验重合。20世纪70年代，她与Malcolm McLaren在伦敦国王路开设了“性”（SEX）和 “煽动者”（Seditionaries）两家店铺，售卖的衣服彰显了早期朋克美学的特征：被撕裂的面料、裸露的结构、带有讽刺意味的图像，让服装本身成为对世俗规范的挑战。

相较之下，Kawakubo与朋克之间的关系更为间接。她并未直接参与英国的反主流文化运动，却在同样的时代大背景下，对西方主导的时装体系提出质疑。她早期的黑色系列、刻意呈现的破损感与不对称结构，在巴黎引发强烈争议。她揭示了朋克精神的另一种可能性 —— 衣服为何需要看起来精致、合身或完整？Kawakubo一直与朋克精神惺惺相惜，这种摒弃谄媚、拒绝逢迎的态度，几乎贯穿了她的每一个系列。

随着展览进入第二章节“断裂”，继而过渡到第三章节“再创造”，两位设计师在共同的激进立场上逐渐显现出不同的设计路径，“Westwood喜欢从历史中汲取灵感，而Kawakubo总是追求前所未见的新事物。”Whitfield用一句话概括了这种差异。

1981年成为这一分化的重要节点。这一年，Kawakubo在巴黎举办了她的首场国际时装秀，展出的系列为“海盗”（Pirate）。几乎在同一时间，Westwood也在伦敦奥林匹亚展览中心完成了自己的首秀，推出的系列同样命名为“海盗”（Pirate）。这一名称上的巧合是偶然，却也标志着两位设计师各自完成了一次重要的创作宣言。“海盗”系列开启了Westwood毕生的探索方向，她像是一个疯狂的历史学家，沉浸于传统的剪裁工艺、面料处理方式和服装结构。在1981年至1985年间的系列作品里，她将古典服饰、艺术史、全球民族服装和街头文化融合，构建出一套高度混杂却逻辑自洽的美学体系。

这种方法在1990年代进一步深化。在1990年推出的“肖像”（Portrait）系列中，Westwood在紧身胸衣表面印上了18世纪艺术家布歇（François Boucher）的油画。那些原本束缚女性的服装结构，以及洛可可时代的浪漫和华丽，都在她手中转化成为了具有攻击性的设计语言。到了1993年的“英伦狂热”（Anglomania）系列，Westwood溯源了英国的传统文化，大量运用了羊毛、粗花呢和苏格兰格纹，结合法国高级定制与萨维尔街西装的剪裁手法，设计出了苏格兰格纹丝绸婚纱。这件婚纱在秀场上由超模Kate Moss演绎，造就了时装史上的经典一幕 —— “如果不展出这件作品，观众们会失望的。”Whitfield打趣地说。

Kawakubo的“海盗”则指向另一条路。“服装究竟是什么”是她自始至终的创作议题，她创立的Comme des Garçons是现代主义登峰造极的产物，拒绝被传统束缚，对新颖和原创的追求近乎偏执。Kawakubo热衷于尝试实验性的制版工艺、研发专属面料，尽管在2016秋冬“18世纪朋克”（18th-Century Punk）系列中借鉴了历史上的服装廓形和材质，却对其进行了高度抽象的处理。

虽然路径不同，但Westwood与Kawakubo的作品仍然展现出了共同的专业根基。她们都深谙高级时装的核心要素——剪裁、工艺和面料之道。二人对西方的剪裁传统和男装体系都有着浓烈的兴趣，并且在各自的实践中给予了不同的解读。Westwood所强调的精准收腰与贴身结构，并非为了塑造温顺的“女性化”身形，而是赋予了身体力量感。Kawakubo则长期研究她所称的“服装基础款”（the basics of clothing），大多源自男装。男士的长裤、衬衫和休闲西装在她的设计中被反复解构、重组，从而持续打破时尚行业的性别二元论。

两位自学成才的设计师，从未受过学院的正统训练，却成为了引领整个行业的先锋。也正因如此，她们对于服装的讨论，远不止于服装本身，而是牵动了关于身体如何被观看、规范和想象的讨论上。在这一层意义上，展览进入了“身体：自由和束缚”这一章节。

“这是她们差异最大的部分。”Whitfield说。20世纪90年代中期，主流时尚界推崇极瘦或健美的标准化身材，而Westwood与Kawakubo不约而同地选择了背道而驰，但方向却截然相反。Westwood选择了“讽刺性的过度女性化”，运用巨大的臀垫、紧身胸衣和笼状裙撑，把女性特征夸张到荒谬的地步，以此反抗被物化的性感。1995春夏系列“情色地带”（Erotic Zones）是最具代表性的系列之一，也是展览集中产出的一个系列。而秀场上的经典瞬间，莫过于Moss化着法国“断头王后”Marie Antoinette的妆容，只穿着一条迷你裙，手里拿着一根梦龙雪糕走秀的画面。这一幕戏虐又挑衅，打破了高级时装的严肃感，Westwood通过这种方式嘲弄了所谓的“淑女”规范。

Kawakubo则选择让身体退居幕后。在1997年推出的“身体遇见服装-服装遇见身体”（Body Meets Dress - Dress Meets Body）系列中，Kawakubo做了一个在当时看来近乎疯狂的决定：她选用了轻盈的羽绒垫，将其塞入紧身弹力尼龙面料之下。但这些填充物并没有出现在胸部或臀部来增强性感，而是出现在了后背、肩膀、侧腰甚至腹部，制造出类似肿瘤、驼背或是畸形怀孕的视觉效果。当时的媒体惊恐地称之为“卡西莫多”，认为这是对女性美的亵渎。在Kawakubo的设计中，服装不再服务于塑造理性的身体，她向整个时尚行业发问：当身体被遮蔽、被打断，甚至被扭曲后，是否就可以逃离凝视？

或许对Westwood和Kawakubo来说，服装始终都是发声的工具。在展览的最后一个章节“服装的力量”中，对于服装和身体的讨论进一步被推向了社会层面。在Westwood职业生涯的后期，她将环保、社会不公现象和政治立场直接写入了设计中，让文字和图像成为时装的一部分，比如展览展出的“混沌点”（Chaos Point）系列。Kawakubo的回应更为内省，虽然同样关注全球危机带来的焦虑，但她却拒绝直接的口号，那些看似抽象、难以穿着的服饰，是她对于规则和传统的持续抵抗。

当我们再次回望这两位设计师长达半个世纪的创作生涯时，或许会发现关于“前卫已死”的论调是多么苍白。在这个被社交媒体算法与商业报表裹挟的时代，无论是Westwood大张旗鼓的朋克精神，还是Kawakubo对于时尚展开的哲学式追问，都在时刻提醒着我们：时尚不仅意味着你穿了什么，更关乎你是谁，以及你想对这个世界说什么。

关于展览的种种幕后，Whitfield也与我们分享了更多。

为什么会选择将Vivienne Westwood和Rei Kawakubo的作品并置，这次展览的缘起是什么？

NGV一直有一种展览模式，就是将两位顶尖艺术家的作品并置对话。以前我们做过Keith Haring与Jean-Michel Basquiat，但我们从未在女性艺术家或时尚设计领域做过这种尝试。所以在这个双人并置的框架下，考虑到我们馆藏中有超过100件Westwood的作品和超过300件Comme des Garçons的作品，我们觉得这是讲述这两位女性的故事的绝佳机会。

面对数百件馆藏，选择展品的标准是什么？在这个过程中有什么意外的收获吗？

我们的挑选逻辑是：先根据主题看我们有什么，再看缺什么。对于缺口部分，我们会向不同地区的国际博物馆借展，也会联系Westwood Heritage档案库和Comme des Garçons品牌方。

在这个过程中发生了一件很令人惊喜的事，Comme des Garçons向NGV捐赠了45件作品。这极大地填补了我们馆藏的空白，让我们能够展示过去十年Comme des Garçons的秀场作品。还有一个幕后趣事，我们有一件1992年被收入馆藏的Vivienne Westwood裙子，一直缺配套的夹克。我在写展签文字时随手在网上搜了一下，发现意大利竟然有买手在卖那件夹克！我立刻决定买下它。这件夹克在展览开幕前三天才终于抵达墨尔本。

有没有哪件作品是你觉得“必须”包含在展览中的？

有的。除了Westwood那些受18世纪艺术和服装启发的作品外，还有一件绝对的经典：那是从澳大利亚国家美术馆（堪培拉）借来的、由Kate Moss在秀场演绎的苏格兰格纹丝绸婚纱，这是超模时代的标志性作品。

对于Kawakubo，因为她依然活跃，我们要确保有最新的作品。我们非常幸运地购入了她2024/2025秋冬系列的三件作品，探讨了西装剪裁与男装规范。这让展览能够紧跟当下。

在今天，许多人可能依然觉得这两位设计师的作品“丑”或者“怪”。你们如何引导观众去理解她们的作品？

人们对陌生事物的本能反应往往是“我不懂”或者觉得怪。我们希望观众看到服装背后的深意。比如Westwood将朋克的破坏感与高级定制结合，打破了高雅与低俗的界限。而对于Kawakubo，当你看到破洞、磨损或者四个袖子的衣服时，不要觉得这是问题，这是一种对美的全新理解：为什么衣服必须是实用的？这也是她在20世纪80年代提出的“乞丐装”美学，即破损也可以是美的。