3月11日至13日，上海国家会展中心春潮涌动。以“找春天”为主题的2026中国国际服装服饰博览会（春季）在此拉开帷幕。10余个国家和地区的1291家展商、1335个品牌参展。展会现场12个展区覆盖时尚潮流、男装、女装、户外运动、国风、设计力量等全品类服装服饰。在这个被视作中国服装产业晴雨表的展会上，一个现象格外令人瞩目：国风服饰正成为中国服装产业的焦点。
展会现场
在现场可以看到，展会第一次特别设立的“国风服饰”专区与融合国风创意的“设计力量”专区，成为整个展会中人流量最大的区域。而与大众理解中的复刻传统不同，展会中的国风品类呈现出超乎想象的多元形态。
业内数据显示，当前国风服饰市场规模已达两三千亿，且潜力仍在持续释放。从服装批发档口到高端商场的品牌专柜，从岭南的传统工艺到苏州的织造技术，一场关于东方美学的变革正在中国服装产业的经纬之间展开。在今届服装服饰博览会上，我们专访了中国服装协会会长陈大鹏和几家中国颇具代表性的国风服饰品牌创始人以及国风首饰设计师，听他们谈谈国风服装近些年正在发生的变化以及这一品类的独特魅力。
文化属性正成为服装最重要的属性
究竟什么是国风服饰？它是指植根于汉服、旗袍、唐装、宋式服装等中国传统服饰体系，融合传统美学元素与现代设计理念的服饰风格。和强调复古感或复原的中式服装不同，国风服饰的追求是保留东方文化内核的同时，适应当代生活场景与审美需求。国风服饰涵盖的范围极为广泛，只要有中国元素的表现，都可以纳入国风服饰的范畴。
中国辉煌的“衣冠王国”历史留下了极为丰富的服饰文化遗产，专访中，中国纺织工业联合会副会长、中国服装协会会长陈大鹏认为，这成为国风服饰设计与制作中取之不竭的灵感源泉。此外，国风服饰兴起的背后也是整个社会人口结构与文化需求的深刻变化。“60后、70后等有品味、有文化追求、有消费能力的人群正在成为主流，他们对时尚的认知正在改变服装市场。”陈大鹏谈到。
融入国风元素的设计
在他看来，未来的十年，中国服装行业最重要的命题就是从工业制造型的产业转向文化创意的产业，“文化属性正成为服装最重要的属性。”陈大鹏谈道。
这种转型，已经体现在行业的细微处。陈大鹏分享了一个案例：在去年服装行业整体形势并不算太好的情况下，一个做刺绣的师傅专门按照客户需求制作纯手工定制的扣眼，仅仅这么小的一个点，他的团队一年赚了200万美元。“这说明服装行业已经不是过去追求规模追求扩张的时代，而是市场更细分，赛道更聚焦，需要在某一特定领域做得精深。”
陈大鹏也认为，国风要真正成为时尚潮流，关键不在于简单复刻，而在于“创造性转化”。“不能回到上衣下裳的复古过去。要把中国优秀的服饰文化融入到当代服装的设计之中，要有开放式的融合而不是简单符号嫁接，而是让人一眼看上去有东方的风格，同时真正符合当代的生活、当代的审美。”
尽管年轻人穿汉服、影视剧的古代服饰复原让大众对中式服装有了更多了解，但在陈大鹏会长看来，国风不能仅仅局限于特定场景，“更重要的是把东方文化的神韵融入当代服装设计。文化的复兴一定不是回到过去，而是再次创造。一定要有当代性、国际性。你穿出去，人家看着很美，是东方的美，但又不会觉得奇怪。这才是成功的创造性转化。”
展会现场
宋锦、香云纱、老缎：在传统中出新
在国风服饰的版图中，面料是最基础的叙事语言。在展会上，宋锦与香云纱无疑是出镜率最高的两种材质。
采访中，上久楷展位的吴振飞介绍，宋锦复杂工艺的技术成熟期可追溯至唐朝中后期，然而，“宋锦”这个名字的诞生，却是在数百年后的明朝。明朝初期，在恢复汉文化的浪潮中，织造工匠们依据一本流传下来的宋朝图册，仿制出了二十几种图案的织锦，当时被称为“仿宋织金的织锦”，“宋锦这个名字是从明朝开始往后延的。在功能上，古代的宋锦并非主要用于服饰。吴振飞谈到，博物馆中能看到的宋锦，更多是作为书画的装裱、家居的装饰，比如乾隆皇帝三希堂中的坐垫，这其实体现了宋锦的织物结构特性——质地坚硬，经久耐用。
宋锦服饰
宋锦多采用提花木机或纹针式提花机进行织造，织造时，经线分为面经与底经两层，纬线则通过多色交替投梭实现色彩渐变，这使宋锦正反面均显平整，且质地坚韧柔滑。“相比于真丝的脆弱，宋锦紧实不易勾丝，再加上精美的图案，即使稍有污渍也不甚明显，这是它能在近年走红的深层原因。”吴振飞介绍，“2017年，宋锦面料在APEC会议上出现在了领导人身上，这也为宋锦的‘走红之路’推波助澜。”
宋锦织机
虽然国风服饰“起得非常快”，但吴振飞也提到国风市场长期存在的同质化现象，“三年前看国风市场，基本上全是宋锦面料的马甲、新中式的褂子”，这种过于传统的服装形制虽然能吸引一部分忠实拥趸，却难以实现大众消费的突破。“近两年我们做了很多融合实验。例如在西式服装的廓形上，巧妙地加入盘扣；或者将宋锦繁复的纹样，处理成若隐若现的暗纹肌理，再用西式的剪裁呈现出来。
“其实大多数人追求的是日常穿着中的‘一点亮点’，这个亮点源自中式元素，但又不会让穿着者在工作、社交等现代场合中显得过于突兀或格格不入。“我觉得这个可能是接下来会发展的一个趋势。”
更为日常的国风服装
和宋锦相似，香云纱的面料成本也极高。这是岭南地区一种古老的手工织造与植物染整面料，以天然蚕丝为坯布，用广东特有植物薯莨的汁水浸染，再以含矿物质的河涌塘泥覆盖后经日晒加工而成。这种独特的工艺，使其色泽沉稳、质地坚韧。
在杭州做了十五年服装批发生意的供货商品牌白沙女的创始人王女士介绍，“软黄金”香云纱一直以来都备受市场青睐，而当前的发展重点是如何在这样成熟的工艺上再做加法。
“我们目前在做的尝试是把盘金绣、苗绣、法绣等用在香云纱上，苗绣是苗族妇女世代传承的刺绣技艺，色彩艳丽、图案夸张、造型独特，它与香云纱的沉静形成了鲜明对比；法绣，即法国刺绣，它立体感强、层次丰富，将法绣的立体感与中国传统面料的温润相结合也有很好的碰撞。”
法绣融合香云纱
色调沉稳的香云纱也被设计师们青睐
王女士也介绍了一种很稀缺但很有特色的产品——用老缎面制成的衣服。“这些老缎面，都是七八十年代，甚至五六十年代农村结婚时留下的老被面，桑蚕丝的质地，保存完好，很多甚至从未使用过，我们回收回来，然后做成衣服。”王女士介绍，这些老缎都是用以前的小机器织的，手感柔和。放了五六十年，颜色会变得更加温润，不像新织出来那种缎面很亮、很扎眼。”
老缎制作的服饰
对于国风市场的现状，作为供货商的王女士最大的困扰就是“仿版太多”。王女士称，目前的应对方式是“加大仿版难度”，比如香云纱本身就有大半年的生产周期，再叠加复杂的盘金绣、法绣工艺，仿制成本大大提高，“这样至少半年到一年后才能被市场仿制出来，以此构筑起独特的产品壁垒。”
悦己的小品类也具韧性
在国风服饰的产业链中，一些商家也在另辟蹊径。
采访中，一品华裳的创始人张博介绍，服装行业传统的代理体系和门店体系正面临冲击，“旧时代的坛坛罐罐已经打碎了，新时代长什么样，我们也不知道”。他们的探索是：让产品成为其他品牌的“插件”，与大多数专注于服装品类的展商不同，“我们做的是‘锦上添花’的生意，也就是刺绣。我们与成熟的女装店合作，在同一个空间里补充国风配饰；与面料品牌联动，也为头部品牌提供伴手礼和秀场周边。”张博介绍。
在工艺创新上，刺绣的应用场景在不断拓展。比如在真丝绡（也称生丝绢）上刺绣，因其材质通透，可用于制作团扇、空间屏风等软装；在羊毛类产品上刺绣，因为克服羊毛柔软与弹性带来的皱褶问题而获得独特青睐。
在价格策略上，如一品华裳等品牌也有意覆盖多个层级。从百元的刺绣小物，到几千元的围巾、上万元的屏风，形成完整的产品梯队。他们背后的逻辑是“让东方美学的门槛不要那么高”，几千元的宋锦让人望而却步，但是价格便宜的刺绣摆件、刺绣抱枕等则吸引更多消费者接触、接纳国风产品。这也契合了所谓“口红经济”的规律——在经济波动期，能够悦己的小品类消费往往更具韧性。
各种品类的国风饰物
国风服饰的浪潮中，设计师们也扮演着重要角色。
如何用设计激活传统，新锐配饰设计师曾文渊提出了“三层结构”理论。首先是材质解构。他以自己品牌实践为例，讲述了如何将陶瓷这一传统材质，通过技术革新烧制至1毫米的厚度，创造出极小的陶瓷首饰品类。“我们要从材质的表达上找到非遗的根基，”他说，“陶土、漆器、木质、手工艺，这些是承载传统的骨架。”
其次是审美解构。年轻设计师需要用当下的审美力和文化理解力，去拆解非遗中过于沉重的历史包袱，将其转化为符合现代视觉逻辑的新形态。最后是文化结构的重构。“非遗不能只停留在纸面上、博物馆里，成为不可触碰的展品，”曾文渊强调，“必须通过我们的表达，让它进入现实生活的使用场景。”
女书纹饰的胸针
“三生万”非遗数字艺术展策展人阎红玉对此表示认同，并以自己身上佩戴的女书胸针为例。女书，作为世界上唯一一种女性文字，是国家级非物质文化遗产。“设计可以把女书变成胸针，把植物染变成华服，把漆器变成日常的茶具。”她认为，设计本身就是一种轻松而有力的翻译器，能将几千年的厚重转化为当代人可以轻松接纳的美学符号。
从两三千亿的市场规模，到细分赛道的专业深耕；从宋锦、香云纱的传统工艺再造，到刺绣、配饰的“口红经济”，国风服饰的浪潮正在以柔软而坚定的方式，织入中国人的衣食住行。
展会现场
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