评论｜面面相照：在艺术中人与科技再次相遇|戏剧|缪斯|艺术家|面面相照|音乐会

今天我们已难以否认，人工智能正在深刻重塑着艺术的深层逻辑。回顾历史，似乎从未停止向人类展示这样一个循环：技术的跃迁带来的从来都不是艺术的终结，而是催生出新的产出与感知方式。因此艺术与科技也从来不曾是两条平行线孤独延伸，而是像交缠共生的双螺旋体。

在2026凯迪拉克·上海音乐厅“数字缪斯音乐科技融创节”中，以四场展演首演显示了在人工智能时代，来自全球的艺术家们以不同手段与形式的艺术探索，从《后冬之旅：循环声境》的冰川声景，ai解构数字哲学·音乐戏剧《供养》的深刻哲思，到《兰亭·曲水流声——音乐与肢体交互通感剧场》的古韵新声，《空之形·栖居于声——手势交互电子人声与笙音乐会》的机械声场，四部风格各异且路径不同的作品，共同构成了当代艺术如何与技术共处的表达新图景。

消融边界：

多艺术形式的无界交融

当代艺术的发展，早已突破了传统门类的桎梏，而本届上海音乐厅融创节的四场展演，正是艺术形式边界消融的最佳实践。音乐、戏剧、肢体、装置、交互、影像等多种艺术形式在四场展演中并非简单的艺术门类叠加，而是通过多媒介、多感官的有机交融，使得艺术表达从单一走向多元丰满。因此，在融创节中走进上海音乐厅b2音乐立方，都打破了原本“听”音乐会的固有概念，而是进入艺术家重构的沉浸式的艺术世界。

作为本届融创节的首场展演，《后冬之旅：循环声境》率先开启了艺术边界消融的探索。虽然经典艺术歌曲套曲舒伯特的《冬之旅》作为贯穿的听觉符号，但演出设计却打破了传统古典音乐会演奏为王的形态，在装置、采样、影像与艺术歌曲的深度融合中，构建起一个服务于表达而非乐谱呈现的综合式剧场。

舞台中央悬挂的巨大冰块、脚手架、破旧木门、泥土、树枝，不再是单纯的视觉装饰，而是被赋予了“发声”的功能，成为艺术表达的重要组成部分。拾音器捕捉到的冰块消融声、水滴坠落声、树枝摩擦声、金属振动声，与男低音安德鲁·姆恩的演唱、提前录制的田野录音，以及ai生成的冰川影像相互交织，形成了一个实时互动的声场系统。在这里，音乐不再是唯一的表达载体，自然声息、物理装置、视觉影像共同参与叙事。这种融合也并非简单的元素叠加，而是将自然意象与艺术表达深度绑定，让每一种艺术形式都成为生态关怀主题的延伸，使作品中的多艺术门类在统一的表达中形成一个有机的整体。

而走进《兰亭·曲水流声》的演出空间，观众映入眼帘的则是一种空间的错位感。没有舞台与观众席的明确区隔，一条由镜面反光编织的“溪流”蜿蜒铺展，竹笛、古筝、大提琴、萨克斯、打击乐的演奏家散落于不同角落。这样的演出布置也意味着声音不再如传统音乐会般来自正前方，而是从四面八方“生长”出来，构建起一种包裹式的声场。观众临溪而坐，成为这场2026年“曲水流觞”的参与者而非旁观者。

显然剧场的形式正在融创节的展演中不断演化与打破，艺术家们希望探索一种让观众更为感知投入的观演方式，声、景乃至身没有绝对分隔。而科技融创节选择以上海音乐厅b2音乐立方作为展演主阵地，小剧场天然的实验基因与融创节所鼓励的创新探索高度契合。正因如此，本届融创节的跨界探索与综合剧场表达在小剧场的尺度里充分释放，让艺术的无界交融成为可触可感的现场。

转译经典：

在历史中投射的当代视角

即便是人工智能的艺术生成与创作，也无法脱离海量历史经典艺术作品的数据滋养，这些镌刻着人类智慧的经典作品，不仅是被投喂给ai的数据，更是人类艺术创作的重要源泉。但在复制或复刻中从来无法诞生新的回响，这也正是人类在艺术创作中明显区别于人工智能的路径，即在向内解剖的能力之中诞生艺术作品的能力。因此在本届融创节之中，我们可以听到许多建立在经典作品或是艺术形式中的创造，但转译并非简单的复刻或改编，而是在解构与重构中投射当代的思考与视角，让经典在当下时空中焕发新的语义。

在数字哲学音乐戏剧《供养》中，经典的转译承担了隐喻功能。作品巧妙地利用了“古典音乐经典作品改编”与“原创作品”的双线交叉结构，来隐喻ai主导与人类主导的不同层面。舒伯特的《死神与少女》、柴可夫斯基的《胡桃夹子组曲》片段、巴赫的《恰空舞曲》与莫扎特的《安魂曲》，这些承载着人类极致情感与理性光辉的西方古典巨作，在作品中伴随着ai与人类的交缠融合，成为映照数字时代人类心灵困境的底色。

而《后冬之旅：循环声境》则是将舒伯特的《冬之旅》，由十九世纪的浪漫主义个体忧郁转换为具有普世性的生态关怀中。男低音安德鲁·姆恩演唱的《冬之旅》，呈现了这部经典声乐套曲的另一种色彩。我们所熟悉的男高音版《冬之旅》是音色明亮而情感炽烈的，原作原本由24首曲目构成的套曲，也在《后冬之旅》中摘选为14首。不同于《冬之旅》更倾向于线性的叙事结构，《后冬之旅》强调围绕水、冰雪、消融变迁等的核心意象，并与新创音响的交织，构成更表达生态关怀的全新叙事结构。而男高音到男低音的改变，不仅仅只是音域的调整，更从音色层面改变了主人公的形象，成为情感更加内省、更加深沉的哲人形象。

虽然真正的曲水流觞早已消散于不复存在的文人士大夫阶级与历史叙说之中，而《兰亭·曲水流声》重新以新维度诠释的“曲水流声”，是对文人与自然之声相同共生的东方审美哲思的内核再现。《兰亭·曲水流声》最为难得的，正是跳脱于纯粹的意象复刻，而是以动人的创造力延续与承接了这份东方精神与意蕴，用当代音乐表达回溯曲水流觞的本意，将古人共赴雅境、聆听山水声场的状态，在剧场空间中的复现。

科技共生：

作为创作工具的数字智能

相比2025年“数字缪斯科技融创节”的展演中更为强调ai技术以及各类交互技术的运用，本届融创节在技术运用层面上则更为“隐身”。毕竟艺术作品中的技术运用，绝不是让观众惊叹于技术的复杂与高超，而是让观众几乎忘记技术的存在，沉浸于作品营造的艺术感知世界中。

《空之形·栖居于声》作为四场展演中科技含量最高的作品，其高精度机械臂的应用，成为科技与艺术共生的最佳范例。不同于传统演出中技术的部分应用，这部作品将机械臂作为“主要乐器”，与艺术家的表演形成实时联动、双向共生的关系。

演出中瑞士声乐艺术家弗兰齐斯卡·鲍曼右手戴上机械手臂，左手握着一个声音装置，鲍曼只需要通过自然松弛的肢体动作联动智能传感设备，让每一段人声的起伏都转化为层次丰富的声响，并且声音在音响中的声相方位也随着鲍曼手势的控制产生着联动。她的人声经过实时电子处理，在肢体交互的触发下，从纯净的气息声、人声和鲍曼自创的发声方式，逐渐层层延展为电子载体下的复杂音响。笙演奏家张梦在音乐会的第二篇章中加入，笙的演奏同样也通过现场收音与效果器的共同作用形成更为复合的音响，原声乐器笙与鲍曼的即兴人声与机械手臂形成一场震撼的跨越文化与时空的相遇。机械臂的应用并非是“炫技”，而是在弱化传统演奏范式，以声音生态为核心的独特观念中，诠释了数字智能作为创作工具的价值，实现了人、机器、声音的三者共生。

《供养》则更为直白地将ai作为探讨核心议题，呈现数字时代人类的生存困境与哲学思考。在这部音乐戏剧之中，哲学反思与探讨成为构建舞台艺术的方式，在舞台装置、戏剧结构、肢体表演、音乐内容等多维度的层面，将抽象的观念转化为直观的视听呈现，与现场观众形成共鸣。《后冬之旅：循环声境》与《兰亭·曲水流声》也同样提供了技术工具与创作深度融合的例证，《后冬之旅》结合ai影像生成、实时声音处理、拾音技术等交互工具，《兰亭·曲水流声》则运用传感器实时交互工具，让技术成为表达的重要载体。

可见艺术家并非简单地将 ai 当作炫技的工具，而是把技术内化为创作的一部分，让机器成为艺术家与观众延伸的感官，并借由技术更深刻地回到人自身，回到我们与世界、与自然最本真的连接之中。

在“数字缪斯”一场一场的追问之中，我们似乎可以感受到，艺术可以成为一面人类与人工智能相互打量的镜子，而人类在镜像之中能够更清晰地看见那些独属于人类表达的东西。三届“数字缪斯科技融创节”以来，以极具前瞻性的视野与开放包容的精神，让新人新作的创作落地、让新锐表达发声。在这里，人类与科技始终在彼此的镜像中，共同走向更深的自我理解。

（作者系上海音乐学院音乐学系博士研究生）

编辑：年年

审核：片片、虎虎