澎湃新闻获悉，知名油画家徐芒耀6月2日凌晨6点46在北京因病辞世，享年81岁。
徐芒耀曾任上海师范大学美术学院院长，为中国艺术研究院中国美术创作院研究员、中国油画院画师、中国油画学会常务理事。上世纪80年代，徐芒耀创作的《我的梦》以极其逼真的写实手法，表现了现实中不可能发生的场景，震惊了中国油画界。他的代表作还有《缝合系列》《新四军》等。作品题材涵盖人物、叙事、当代观念表达等多个方向。
徐芒耀 视觉中国资料图
知名油画家李向阳、原上海油画雕塑院长对澎湃新闻表示，刚刚听说徐芒耀辞世的消息，“很久没见他了，非常可惜，他的作品影响很大，既古典又当代，作品背后其实都有观念与想法。”
上海市美术家协会常务理事、油画艺术委员会主任，上海戏剧学院教授李前说：“芒耀老师，一生都在追梦的路上。第一次见他，由他的研究生王永林带路，去徐汇艺术馆他的工作室，看他画油画巨作《新四军》。他的几个研究生上上下下站在画梯上，给他打下手，忙不过来。给我留下印象的是，他向我推荐了沙飞的摄影作品集，说这是真实的历史资料。后来近二十年，我与他多有来往。见面后鲜作闲聊，每每他论及十九世纪法国学院派、梅索尼埃……他的梦想，就是要找回他认为人类绘画的顶峰时代——十九世纪的风采，直到昨日。今年二月初，和他一起吃晚餐，见他穿棉衣，依旧戴着好看的围巾，自己说脖子不舒服，要保暖，但精神却是一直矍铄。那是和一个英国画家的聚会，我期望徐老师多讲讲话，他还是讲十九世纪，讲中国油画要补的课程，这就是他的理想、他的梦……人死本为常事，但芒耀老师今晨的突然辞世，着实令人震惊心痛！他的梦想，成为十九世纪法国学院派在二十一世纪中国的实践与绝响。”
徐芒耀生于1945年，上海人，祖籍浙江侗市崇福镇。其父亲早年教授中文，后来从事电影音乐创作，家里没人画画，但他对绘画的喜爱仿佛与生俱来。1961年初中毕业前夕，上海体操业余学校选中了他。是当运动员还是当画家？他思来想去，觉得自己还是更喜欢画画，于是放弃了体操训练，几个月后考上了浙江美术学院附中。然而毕业后他被分配到武汉卫生防疫站画宣传画，一画就是好几年。业余时间给出版社画连环画，一画就是上百幅。在没有条件画油画的年月里，他始终没有丢下画笔。
1978年考入中国美术学院（原浙江美术学院）油画系研究生班（文革后第一届艺术类研究生），师从王德威、吴国亭与全山石教授。1991年11月至1993年1月，以访问学者的身份赴法国。
1987年，从法国归来后，徐芒耀创作了《我的梦》。画面中，一堵土红色的墙铺满画布，主人公破墙而出，头部、双肩与四肢大部分已冒出墙面，但躯干还埋在墙里。这幅画后来获得首届中国油画展金奖，在中国画坛引起轰动。人们惊讶地发现，油画竟然还可以这样画——极其逼真的写实手法，表现的却是现实中不可能发生的场景。《我的梦》一出，立刻震惊了油画界。
《我的梦》 180×180cm 布面油画 1987年
此后，他延续了这一思路，陆续创作了“缝合系列”和“雕塑工作室系列”作品。在“雕塑工作室系列”之《开模》中，雕塑家与被雕塑的雕像发生了错位，雕塑家长着一个模具的脑袋，模具上却长着雕塑家细腻的面容；《上色》中，雕塑家搬下自己的头部上彩，彩到之处，化假为真。他将具象与抽象结合，以细腻的写实技法和超现实的思维，重新组合成一幅幅具有现代意味的作品，形成了他独特的个人风格。
然而，画了几年系列创作后，徐芒耀慢慢感到不安。他觉得自己有时像一台“制造机器”，题材定下之后剩下的只是让画面越来越细腻。1991年，他再度作为访问学者前往法国巴黎国家高等装饰艺术学院访学，带回了自己的困惑。在法国待了两年，他逐渐想明白了一个道理：绘画是视觉艺术，是某一场景的再现，在画布上讲故事是弱项，还是不讲为好，在一瞬间告诉人们那些为常人所不注意的东西，反而更好。这份自省让他的创作走出了叙事的窠臼，更多地着眼于视觉本身。后来，他的作品中开始出现双影——一种照相机做不到的视觉现象，充分体现了画家所发现的视觉感受。2006年，他受邀参与国家重大历史题材美术创作工程，历时四年完成了巨幅油画《新四军——车桥战役》。这幅长逾五米、高二米九的作品，定格了硝烟弥漫的一瞬间，画中的每一位战士，从穿戴、佩枪到神态、动作，都经过反复推敲和细致刻画。
回顾数十年的创作生涯，徐芒耀始终秉持着一个朴素的信念。他坚持认为，油画家所拥有的技能，是他们得以表达思想的语言媒介。正如钢琴家不能没有演奏技巧，艺术家也必定具备常人所不具备的技艺，这技术语言正是艺术的载体。他始终相信，十九世纪以法国为首的西方具象绘画值得怀着敬意，以严谨的学术态度去深入研究和缜密地实践。在这个观念层出不穷、流派纷争的时代，他如同一株深深扎根于传统土壤的老树，不急不躁，安静地生长。
他喜欢把绘画比作一门手艺活，坐下来画好一笔是一笔。2005年，徐芒耀加入中国写实画派，在流派纷呈、门户林立的当代艺术界，他始终坚守着写实绘画的阵地。他坦言当下的前卫艺术出于观念的需要在向新媒体转换，但如果人人为了追新扔掉画笔去握摄像机，那画家还剩下什么？观念不是绘画的全部，观念不可取代绘画。
在学生们眼中，徐芒耀不光是老师，更像是邻家老先生。在课堂上，他反复强调造型是人物画永恒不变的核心，来写实绘画的学员必须是它的忠实拥趸。他给孩子们的常常是提醒和鼓励，带他们看展览、布置画展，把一件件细小的事做踏实。他常说，溯源不是走回头路，而是弄明白来龙去脉，才好走自己的路。
2019年，有记者问他最大的心愿是什么，他想了想说：“我想通过我的创作，追求一些恒久的理念。”语速不快，声音也不大，像一个手艺人在道出手艺的本分。这个从少年时代就趴在桌边安静看姨父画画的孩子，在画布前坐了六十年，坐着坐着，自己也成了画里的人物——简简单单，像一块铺平的白布，上面落满了真诚的颜色。
直至 2026 年上半年，徐芒耀仍活跃于艺术教育、学术交流与讲座一线，辗转各地美院开展教学实践、学术分享。从教数十年，他构建了体系化的写实油画教学思路。注重基础训练与艺术审美并重，强调 “技艺与温度共生”。
《我的梦系列之二》 110×71cm 布面油画 1988年
《我的梦》（1987）为1987 年首届中国油画展金奖作品，是徐芒耀赴法深造归来的里程碑式创作。画面以极致写实技法构建超现实梦境，人物与场景的荒诞并置，打破常规叙事逻辑，奠定其 “写实为体、观念为魂” 的创作基调。
缝合系列之一
《缝合系列》（1989 年后）为观念性的系列作品，以人体、布料、空间的 “缝合” 为视觉母题。画面在解剖级写实的基础上，加入对身体边界、身份认知、精神疏离的隐喻，技法上对肌理、光影、质感的控制达到极致，展现了古典写实语言承载当代哲学思考的可能性。
视焦距变位系列之一145×110cm 布面油画 1995年
1990年代创作的《视焦距变位系列》聚焦视觉科学与绘画表达的跨界探索。徐芒耀依据双眼视觉的 “视差” 原理，创作了人物形象在同一画面中呈现双重焦点的作品，挑战观众的视觉习惯，探讨写实绘画中 “真实” 的相对性。
雕塑工作室系列之二 140×110cm 布面油画 1991年
《雕塑工作室系列》则以艺术家工作室为场景，将真人模特与雕塑作品并置，营造出真假难辨、时空交错的氛围。既展现学院派写实功底，又暗含对艺术创作本质的反思。
新四军-车桥战役 290×502cm 布面油画 2010年
《新四军车桥战役》属于宏大叙事性历史题材作品，描绘抗日战争中车桥战役的激烈场面。塑造了众多生动的新四军战士形象，画面构图宏大，是其写实油画在历史主题领域的重要实践。
《英子》 布面油画 80cm×40cm 2013年
2013年创作的《英子》是成熟时期的肖像代表作。画面中的年轻女性姿态沉静，背景简洁，色调温润雅致。徐芒耀弱化了强烈的明暗对比，转而注重人物神态的细腻捕捉与色彩的和谐统一，体现了他后期 “有温度的写实” 理念，作品兼具古典肖像的庄重与当代人物的鲜活感。
延伸阅读｜徐芒耀自述：我是一个比较追求完美的人
我在作画过程中，会不断地遇到一些问题或发现问题，从而往往能产生一些新的想法，这常常是在作画之前所没有想到的。这些不可预测性，不确定性，促使我不断地尝试、探究、并将其完善。想要有更多的发现，不断地追求这种探寻过程中的不确定性，偶然性，总想做的尽善尽美，我是一个比较追求完美的人，内心深处总想将画面表现的更好，总觉得有很多的事情没做到位，有无穷的东西等待我去破解，去探寻，去研究，去提高。
艺术就和穿衣服一样，有人穿花格子裤子，但不会觉得适合于我，要找自己适合的路，写实是属于我的路。一个人到世界上来，一辈子只能做一件事，也不是人人都能做好，少数人才能做的很精，我想如果我这辈子能努力把写实绘画做得有水平，就觉得这辈子活得很有竟义，这辈子过得挺实在。陈景润数学家，他苹果都不会削，似乎生活不能自理，只会计算，这很正常，他已经是天才了，你想全才?没有的!
我们的画很可能会像照片，但是当人们走近画看，要有绘画感，不要走近画的时候还是照片，那照张照片就行了嘛。有的人还怀疑是打印的，没必要这么画。
你不要糊涂，自以为画的好，我始终寻找画面上的问题，有了问题调整它，我一直持这种心态。一直找不足之处，才有进步，自我感觉很好你就退步了。因为人不是机器，不是一直重复机械地画同样的东西，你总会有问题出现。
如果你没有创新，技术再好也没用。画画很难，创新谈何容易，我还是画具象，但和传统具象画不一样的是我在画中寻求现代的思量。
《我的梦》创作构思形成时，我思忖梦中发生的事件不管是否合乎逻辑，在梦中都觉得真实可信，醒过来才觉得荒谬可笑，但梦已经结束了。我在画面上制造荒诞比较节制，我要强调的是现实场景中瞬间突然产生的荒诞感。
绘画应该点到为止，比如《雕塑工作室》系列之二的《開模》中，如果雕塑与人物的头部不进行互相交换的话，画面是个很真实的场景，但这样一交换，画面的视觉中心点马上集中在雕塑与人物置换的头部。整个很真实的荒诞就变得更加刺激、强烈，给人留下的印象也就更深刻。我要强调的就是这种真实场景中瞬间突然产生的荒诞感，仿佛灰暗天空划过的闪电，直透人心，直指人类那根超现实的神经，在刺激之后挥之不去。其实你刚才提到达利和纳兰霍，他们的作品很不错，绘画语言效果和技术都很讲究，但是画面中超越现实的点太多，还缺少一种主次的安排，给人一种烦躁，啰嗦的感觉，这是我不太喜欢的。
用一种新的视觉方式去看对象，会更有意义与趣味，所以我就开始对此研究，从视焦距变位角度方面开始研究，在研究中我有了三方面的发现：第一，我将一个手指伸向眼前，将视焦点聚在手指后面的物体，然后可以发现自己的双影；同样，将焦点聚在手指上时，手指前面和后面的物体就都变成了双影；这主要是因为人双眼的视觉现象，照相机是做不到的。第二：人在看一个东西时，他的视觉范围是很有限的，当我们看一个人头部的时候，同时用余光去看他的手，我们发现他的手以及手周围的形色俱在，但他们却是模糊不清的。因为手及其周围的物象处在视野边缘，由此出现了我们所看到的这一现象。第三，在作画时移动视觉焦点的位置，或高或低，或左或右，将眼睛的位置时常变换，画面就会呈现出另一番景象。
我每张画都需要画很长时间，如果我要完成一幅一平方米左右尺寸的画一般都需要画几个月，甚至几年，构图、用色、人物处理等……甚至一些细节的把握都需要经过反复推敲，仔细琢磨，几年前的作品可能觉得不满意，都会进行一些修改、调整，直至满意为止。比如：有幅作品叫《窗前的查尔斯先生》，是我1985年开始画的，但总觉得不满意，经过多次反复调整，最终在2007年才完成。我觉得只有这样不断地要求自己，才会做出更好的作品来。
场面的绘画我不怕
我小时候临摹过连环画，后来就很喜欢附中时的创作课。我上研究生之前研究过连环画，广东的陈衍宁连环画画得很好啊，汤小铭跟陈衍宁画的一个讲巴黎公社故事的连环画，画的很精彩。那个时候我就想向他们学习，拿起素描本，拿起毛笔就直接画。这个过程一直到我考上研究生一直在坚持。因为我有连续环画经验，毕业创作就很顺利，场面的绘画我不怕，我很有把握。
热门跟贴