徐曲：站在巨人肩上看风景，紫砂才女的艺术突围 | 大国工匠|大国工匠|徐曲|紫砂壶|艺术|顾景舟

前有中国紫砂界泰斗的祖父徐汉棠，后有国家陶瓷艺术大师的父亲徐达明，中国紫砂才女徐曲没有止步于继承，而是用学院派的视野和当代的审美意识，走出了一条与祖父、父亲不同的路。她以其独特的艺术语言，把紫砂从“器”的世界带进了“设计”的世界，续写着“徐门”紫砂的新篇章。
作者：洪巧俊
图片：受访者提供

导读

在宜兴紫砂的版图上，徐门是一个绕不开的坐标。

紫砂才女徐曲，便出生在这个堪称当代紫砂“第一世家”的名门之中。她的祖父徐汉棠，是紫砂界第一个“中国工艺美术终身成就奖”获得者，泰斗级的人物；父亲徐达明是中国陶瓷艺术大师，以“陶木情”系列开紫砂与红木融合之先河，作品被英国剑桥大学博物馆、美国纽约大都会博物馆、中国美术馆、中南海紫光阁等顶级机构珍藏，成为外国顶流博物馆争先收藏的珍品。

置身于这样的家学渊薮，是幸运，亦是压力。前有泰斗祖父，后有大师父亲，两座高峰矗立，留给后人的空间似乎逼仄得令人窒息。要突破重围，闯出另一番天地，其难度可想而知。

但真正的艺术传承，从来不是亦步亦趋的模仿，而是站在巨人肩上看风景，然后走出一条属于自己的路。

徐曲深谙此理。她将压力化为动力，既沉潜于徐门技艺的深厚法度，得传统之精髓，又在器韵与匠意中寻找自己的语言。她的作品，既有门风的正脉，又不囿于前辈的范式，在传承与创新的平衡点上，渐渐打磨出属于自己的个性与风格。

“名门之后”的身份，是起点，不是终点。徐曲用作品说话，让人们看到，紫砂的薪火，正在第五代的指尖，燃出不一样的光亮。

【1】徐门壶里的第五代

在宜兴，紫砂的故事从来不只是泥与火的故事。它是家族的记忆，是手掌的温度，是几代人接力传递的一盏不灭的灯。

徐曲的童年，是在紫砂世界里泡大的。那时候她个子小，要看祖父徐汉棠做壶，得踮起脚尖，两只小手扒着工作台的边缘，露出一双乌亮的眼睛。祖父的手在泥片上拍打、搓揉、捏塑，那些动作像是某种古老的仪式，沉着、从容，带着时间的重量。她看得入了迷，仿佛那些平平无奇的紫砂泥，在祖父掌中不是被塑形，而是被唤醒，它们从沉睡中醒来，伸展筋骨，渐渐有了人的气息、诗的韵致。

▲徐曲阖家观摩祖父徐汉棠（左二）修制壶坯

后来我们读徐曲的壶，总觉得壶里有个人站在那里。那不是具体的谁，而是一种气度，一种雅正的、不张扬却有力量的品格。这便不难理解，她从小看的是徐汉棠的手，听的是徐门的理，浸染的是顾景舟一脉“光素器”的魂魄。素面素心，光润如玉，不事繁饰而自有风华。

那把汉棠石瓢，她重复做了多少次，她记不清了，她只记得小时候学徒时，在祖父的指点下，一次一次地做，一遍一遍地揣摩。汉棠石瓢与景舟石瓢不同，壶身的线条更丰富，有骨有肉，底部的三枚钉足稳稳托起壶身，像是古人席地而坐时那端庄的坐姿。壶腹圆融，古朴而丰满，既有大度雍容的气象，又不失清刚挺秀的风骨。后来鲍仲梅大师在这把壶上施以镌刻装饰，古朴中寓新意，典雅中含秀丽，那是一种只能由岁月和修为共同酿造的神韵。

▲汉棠石瓢

但徐曲不满足于只做祖父的壶。真正的传承，从来不是复制，而是理解之后的再创新。于是徐曲运用自己的设计专业所长，把文心、诗意、灵魂都揉捏在紫泥里。

说到她的祖父徐汉棠，徐曲给笔者讲起了她帮祖父整理草图的事。2004年，徐曲入行后就帮祖父整理手绘图和草图。那是四百多幅图纸，整整四大本。一页一页地翻过去，你会看见一个紫砂大师的思考轨迹——那些反复修改的线条，那些被否定的方案，那些灵光乍现的瞬间，都被铅笔定格在泛黄的纸上。

徐曲一张一张地看，一张一张地梳理，像是一个考古学家在解读前人留下的密码。她发现，原来一把壶的诞生，远不止于技艺的精熟，更重要的是“设计”二字。这“设计”是创作理念、思维方式、审美判断的综合呈现。

这四百幅图，是祖父留给她的另一门课。这门课的教科书不在课堂上，而在那些密密麻麻的线条和标注里。它教会徐曲一件事：一件好的紫砂作品，必须有“想法”，有了想法，才有“思想”，这“思想”就是壶艺创新的灵魂。所以才有了“技艺是骨头，想法是灵魂”的说法。没有灵魂的壶，再精工也不过是一件器物；有了灵魂的壶，才称得上艺术品。

从江南大学设计学院公共艺术系毕业后，徐曲的视野被进一步打开。学院派的训练给了她系统的设计思维，让她懂得点线面的构成、色彩与质感的搭配、功能与形式的统一。这些知识，与她从小在家族中习得的传统技艺相互碰撞、彼此滋养，渐渐催生出独属于她自己的艺术语言。有了这种独特的艺术语言，也就形成了她作品的独特艺术风格。

徐曲的父亲徐达明，是在现代紫砂界独树一帜的工艺大师。他独创的“陶木”工艺，将紫砂与红木两种异质材料结合在一起，用传统榫卯结构打破单一材质的局限。陶的质朴沉静，木的温润内敛，在他的手中达成了一种奇妙的和谐。正如他在手札中写下的那句话：“以陶为经，以木为纬”。经纬交织，方成锦绣。

徐曲深得父亲的真传，却又不囿于父亲的范式。她承袭了“陶木结合”的经典风格，却在这条道路上走出了自己的步调。她的陶木作品，比父亲的更多了几分女性的细腻和当代的审美意识。她考虑的不只是两种材质的结合，更是结合之后所产生的新的美学可能，如触觉上的冷暖对比、视觉上的刚柔并济、结构上的虚实相生。

▲金英陶香壶

她创作的《金英陶香壶》，灵感来自唐代刘兼的诗句“陶菊香浓亦含羞”。紫砂壶身温润敦厚，红木执把依人体工程学设计，握在手中，木的温润与陶的细腻同时传递到掌心。那种手感是奇妙的，会让你觉得这件器物活了，它在回应你的体温、你的呼吸。壶身的菊形设计与诗句呼应，茶香氤氲中，仿佛真的能闻到陶菊的香气。这把壶2019年获世界壶艺大赛优秀奖，2020年又获第四届中国（宜兴）紫砂原创专利作品评比金奖。两个奖项，一个着眼国际视野，一个立足本土深耕，从不同维度肯定了这件作品的价值。

▲唐逸陶木提壶

而《唐逸陶木提壶》，则是她在2024年创作的最新力作。这把壶被命名为“唐逸”，取意大唐雍容气度。壶体以深紫泥抟制，色泽沉静如古铜，其上以红泥精饰卷云纹。深沉的底质与跳跃的纹饰形成微妙对话，如同夜色中流云舒卷，静中有动，朴中见华。最见匠心之处，在于那把大红酸枝木制成的半提梁。木把肥硕饱满，梁首巧作钩状，如唐代仕女发髻上一枚精致的玉簪。它与壶身的结合，运用的是中国传统榫卯工艺，不着一钉，陶木线条衔接自然。

你用手去抚摸那把木柄，红木的细腻温润感沿着掌纹一点点渗透进来；再用指尖轻触壶身，紫砂的微粗颗粒感又是一种不同的语言。两种材质在同一件器物上各自发声，却又彼此应和，像是一首二重奏。这就是徐曲的高明之处，她不做简单的材质叠加，而是让陶与木在功能、结构、审美三个维度上都形成有机的整体。这把壶在第九届中国陶瓷名家名作展上获得金奖，评委们看到的不仅是一件工艺精湛的作品，更是一种文化融合的当代样本。

【2】壶里的中国故事

如果说陶木系列是徐曲对材质的探索，那么《结组壶》和《和组壶》则是她借助紫砂进行的人文叙事。

《结组壶》创作于2005年，是徐曲早期的代表作。这把壶以高圆竹枝为形，壶身的圆环再现竹节的韵律，壶嘴与壶把如风中竹枝摇曳生姿。有意思的是，她为主壶设计了两种样式：单嘴单把和双嘴双把。这不是为了炫技，而是有深意的。竹子在中国文化中象征着正直、坚韧、高洁，竹节的“节”与“结”同音，而“结”字则暗含联结、结合、团结之意。双嘴双把的设计，像是在说：两根竹子靠在一起，彼此扶持，共同生长。

▲结组壶

这件作品由徐曲和丈夫鲍骧共同设计制作。鲍骧也是名门之后，两人在B站纪录片《泥的名字》中被观众称为“紫砂界的金童玉女”。片中记录了他们一起制壶的日常：从练泥开始，“紫泥入瓮，缓缓搅动，搅动起一个家族的故事”。他们做壶时有一种令人动容的默契——你拍泥片，我修壶嘴，举手投足之间像是已经在一起做了几辈子。这种默契，被徐曲悄悄地放进了《结组壶》里。双嘴双把的竹节壶，不正是在诉说他们二人的齐头并进、相互扶持吗？

而《和组壶》则是徐曲在2022年完成的一套八件组壶，包括一壶、一公道杯、五杯。这套作品的核心意象，是中国儒家“和”文化。但徐曲对“和”的诠释不是概念的堆砌，而是材质与形式的精准转译。她将紫砂与瓷结合到一套茶具里。

陶与瓷，本是同根同源的两种材质，却在烧成温度、收缩率、质地上有着微妙的差异。将它们组合在同一套作品里，让它们在差异中达成和谐，这就是“和”的具象化。壶体是设计的重点，紫砂与瓷的衔接处处理得干净利落，不露痕迹。壶身装饰采用中国传统图案，传达“四季平和”“安顺祥和”的寓意。整套茶具摆在桌上，紫砂的沉稳与瓷的明净相互衬托，既有视觉的层次感，又有使用的舒适度。这套组壶获第二届世界壶艺大赛银奖，这说明徐曲的艺术语言具备了跨文化的沟通能力。

如果说上面那些作品还带有较为明显的传统意象，竹子、云纹、陶木结合，那么《圆舞曲组壶》则代表了徐曲更为纯粹的形式探索。

▲圆舞曲组壶

这套组壶由三个统一中又有变化的球形体组成。壶身和壶把整体形成一个球形，壶把抛开传统观念，采用半包围泥片设计在壶身上部，使之与壶身成为一个整体；壶盖与壶身呼应成半球状；壶钮和壶嘴的变化又与壶把相呼应。曲线在球体中如舞蹈般律动，三个壶之间形成节奏感，一个像慢板，一个像行板，一个像快板，合在一起就是一首完整的圆舞曲。

这是徐曲学院派背景的一次集中体现。她在这套作品中大胆地削弱了具象的装饰，让纯粹的造型语言自己说话。球体的饱满、曲线的流畅、比例的精准，构成了一种无需翻译的审美体验。更重要的是，她在追求形式美的同时，没有牺牲实用功能——壶的出水、握持、放置都经过精心考量，使用起来得心应手。作品在2012年获创新盛典中国创新设计评选最佳创意奖。这个奖项的名称中有“创新设计”四个字，恰恰点出了徐曲的一个核心能力：她能在传统工艺的框架内，引入现代设计的思维方法，让古老的紫砂艺术焕发出新的生机。

▲锦弦如意横把壶

徐曲作品中有一把壶叫《锦弦如意横把壶》，造型古朴大方，壶身饰锦弦图案。这里的“锦弦”不是画上去的，而是用银丝镶嵌工艺做的——银丝微微凸起于壶身表面，有立体感，有光泽度，像乐曲的旋律一样曲折婉转、流畅优美。纹饰之间还填了红泥图案，与银丝的冷光形成暖与冷、暗与明的对比。这把壶的横柄是木制的，用珍稀的崖柏木制作，柄头雕着如意浮雕，与壶身的纹饰相互映衬。壶底是三枚卷足，轻巧地托起壶身，稳重中透着灵动。

你细看这把壶，会发现一个有趣的事情：它在一件器物上同时运用了紫砂成型、银丝镶嵌、红泥填绘、木雕、榫卯等多种工艺。每一种工艺都有它自己的语言，但徐曲让它们彼此对话、相互成就，而不是各自为政、争奇斗艳。这就是成熟艺术家的控制力，她知道什么时候该让某种工艺成为主角，什么时候该让它退居配角。在这把壶上，紫砂壶身是舞台，银丝锦弦是主旋律，红泥纹饰是和声，木柄和如意浮雕是装饰性的变奏，所有的元素共同奏出一支完整的曲子。

这件作品的名字叫《锦弦如意》，“锦弦”是音，“如意”是形，形音相合，诉说的是对美好生活的向往。一把茶壶，因为有了这个层面的精神指向，就不只是茶壶了，它是一个心愿的物化，是一个祝福的实体。

▲庆云组壶

2022年创作的《庆云组壶》，则是徐曲对传统吉祥文化的另一次精彩演绎。这套作品一壶四杯，材质用的是蟹壳青紫砂绿泥，这是一种色调很特别的泥料，青中带绿，沉稳中透出清雅。壶身的设计暗合中国人“天圆地方”的宇宙观：下方上圆，下方是方正稳重的底座，上面是圆润饱满的壶身，周身上下舒卷着祥云纹装饰。四足壶底，四平八稳，像是在说“四方安定”。壶嘴做成凤冠的形状，昂然上扬，如凤凰遨游天际；壶钮、壶嘴、壶把三者之间用五彩绞泥纹饰连接，那些斑斓的纹路如五彩庆云，华丽而灵动。

【3】经纬之间见天地

说到收藏价值，我们不得不回到一个根本问题：什么样的紫砂作品值得收藏？

市场上的回答往往很简单——看作者职称，看获奖数量，看市场热度。但这些指标，其实都是外在的、阶段性的、容易被操纵的。真正的收藏价值，应该来自作品本身的内在品质。以我多年关注紫砂的经验，一件有收藏价值的作品，至少要具备三个条件：一是技艺的不可复制性，二是审美的独立性，三是文化的承载性。

技艺的不可复制性，说的是艺术家手上那点“绝活”。紫砂是手工艺，手工艺的核心价值就在于“手”与“心”的合一。同样的泥料，同样的器型，不同的人做出来高下立判。徐曲的技艺是徐门五代人的积累，她从祖父那里学到的拍打成型技法，从父亲那里学到的陶木结合工艺，从学院学到的设计思维，三者融合之后形成了一套她自己的技术体系。你看她的陶木结合，榫卯的严丝合缝，木柄与壶身的过渡处理，那不是靠图纸就能复制的，那是几十年的手感积累。

审美的独立性，说的是艺术家有自己的语言，而不是跟风市场、模仿他人。当下紫砂市场有一个现象：哪种器型好卖，大家就一窝蜂地做哪种器型；哪种装饰受欢迎，大家就一窝蜂地用哪种装饰。结果市面上的壶千篇一律，看不出作者是谁。而徐曲的作品，你一看就知道是她的。她的壶有一种“雅正”的气质，不张扬、不媚俗，线条干净利落，造型收放有度。即便是《圆舞曲》那样极富现代感的作品，也依然保持着紫砂“素面素心”的本质特征。她不会为了“创新”而抛弃传统，也不会为了“传统”而拒绝创新。这种审美的独立性，是收藏价值的核心。

▲和组壶

文化的承载性，说的是作品能不能让人在把玩之余，产生超越器物本身的联想和感悟。好的紫砂壶，是可以“读”的。读《结组壶》，你读到的是夫妻情深、彼此扶持；读《和组壶》，你读到的是中华文化对“和”的向往；读《唐逸陶木提壶》，你读到大唐的雍容气度在当代的复活；读《庆云组壶》，你读到远古的图腾如何在今天依然有温度。徐曲的每一件重要作品，都有一个清晰的文化内核，而且这个内核不是贴标签式的生硬植入，而是化在造型、材质、工艺之中的自然流露。这种文化的承载性，是收藏价值的灵魂。

具备了这三个条件的作品，它的价值就是超越时间的。市场可能会有波动，潮流可能会发生变化，但技艺的精度、审美的品格、文化的深度，这些是不会贬值的。

徐曲的艺术道路，让我想起一句古话：“取法乎上，仅得乎中。”她取法的“上”，是徐门五代人的积累，是顾景舟一脉的格调，是中国传统造物文化的精髓。在这个高起点上，她没有止步于继承，而是用学院派的视野和当代的审美意识，将这些传统资源重新激活，转化为属于这个时代的紫砂语言。

父亲徐达明的那句“以陶为经，以木为纬”，不仅是陶木结合的工艺理念，更是徐曲整个艺术生涯的方法论。经是纵贯的线索，是传统的根脉；纬是横展的开拓，是创新的触角。经纬交织，才能织出锦绣。徐曲的每一件作品，都是在这经纬之间寻找平衡、创造可能。

在宜兴紫砂这条漫长的河流中，徐门已经流淌了五代。徐汉棠先生是紫砂界的泰斗，他的艺术成就是这条河流的一座丰碑。徐达明先生以“陶木”开宗立派，为这条河流注入了新的支流。而徐曲，作为第五代传人，她接过的不仅是技艺和名望，更是一份沉甸甸的责任。她要在前辈开辟的河道上继续前行，还要让这条河流在今天这个时代依然有活水注入，依然奔流不息。

从她目前已完成的创作来看，她已经做到了。她的作品被国家级、省级的重要奖项反复肯定，被藏家关注和珍藏，被学界视为紫砂当代转型的重要样本。

她不是那种急于求成的艺人，她沉得住气，愿意花几个月，甚至几年时间打磨一套作品，愿意在与泥料的朝夕相处中慢慢领悟祖父当年那些手稿里的秘密。这种不疾不徐的节奏，这种对品质的执着，恰恰是一个艺术家能够走远的保证。

如果分析徐曲与祖父、父亲创作不同的特点，那就是徐曲的壶，是可以听出水声的，有一种祖父没有的轻盈，有一种父亲没有的空灵。

▲天蓬组壶

徐汉棠做壶，是宗师式的，每一根线条都严谨规正，方中寓圆，圆中寓方，那是集大成者的气度。徐达明做壶，是学者式的，讲究理念先行，紫砂与红木的对话，凝重而有深意。而徐曲在传承中另辟蹊径，转身走向山水自然，走向云水相接处。

祖父拍身筒，全凭七十年功力，一气呵成；父亲精雕细琢，如琢如磨。徐曲却把大学里学的美学理念融进传统器形，对壶嘴比例、壶身线条把握得精准，却又不拘泥于规矩。她做“明敦壶”，造型端庄大气又有新意；她做“天蓬组壶”，用最简单的线条夸张地表现憨厚可爱，风格突出。她要的，不是天衣无缝的完美，而是“简而不凡”的韵味。

徐曲的壶，每一把都有设计的巧思，有现代审美的注入。她的创作，是把传统的制壶手法通过现代艺术意识来表现。那件“金英陶香壶”，以秋日菊花绽放的姿态为灵感，延续了徐门“陶木”风格，却更显秀气灵动。她用紫砂的语言，让古老的技艺长出了年轻的翅膀。

如果说，徐汉棠的壶是山，沉稳厚重，气象万千；徐达明的壶是林，深邃丰饶，别开生面；那么徐曲的壶就是水，清澈灵动，自在流淌。山是根基，林是过渡，水是流向。长江后浪推前浪，世上新人赶旧人。这个“赶”字，在徐曲这里不是超越，而是拓展。

徐曲走出了一条与祖父、父亲不同的路。她把紫砂从“器”的世界，带进了新颖的“设计”世界。从实用的壶，到艺术的壶，再到有现代审美的壶。这是一条属于她自己的路。

她的父亲曾说：“做壶练手练到熟时，尤重练心，心熟、手熟其壶神也熟。”徐曲记住了这句话。她用心在做，用现代人的心，做古老的壶，壶里便有了新的魂。