在广州美术学院工艺美术学院的研究生毕业展上，一件以400余斤废旧砖瓦切片重构的大型壁画作品，吸引了许多人驻足。这是本届毕业展最高分获得者、高永坚奖学金一等奖得主何彦润的作品《席间田野》。
他在《席间田野》项目中的四川壁画《乡皴法》获选了第十四届全国美展进京作品。正是这次美展经历，让他得到应聘四川美术学院全国美展专任教师的机会。通过在面试中陈述作品以及对应的实践思路，最终成功获聘——彼时，他还是未毕业的硕士研究生，在读即获教职，在艺术院校并不多见。
这件作品并非诞生于工作室，而是一场持续三年、跨越川粤两地的乡村艺术实践。从研一到研三，何彦润的艺术实践始终与乡村建设同频共振。他先是以个人经费、自发返乡，用在地材料和传统营建方式，在家乡巴中完成第一件壁画《乡皴法》，作品入选第十四届全国美术作品展览壁画展区并进京展出；在肇庆市岩前村以政府资源完成第二件壁画《乡皴法：岩前洞观》；最后在毕业创作中，以“摆席”的方式对比两种乡建路径，深入探讨艺术介入乡村公共文化建设的不同模式。作品既有中国传统文人文化的深厚底蕴，又有乡村文化的质朴表达，开创了艺术乡建的新路径。
壁画《乡皴法》
废墟里的“皴法”
2024年，在四川通江县西郊村的新农居墙上，一幅以青灰砖瓦叠成山峦皱褶、陶瓦残片聚成水波纹理的壁画悄然出现。它的名字叫《乡皴法》——“皴法”本是中国山水画中表现山石纹理的技法，而在这里，笔墨被替换成了从拆除老屋中回收的废旧砖瓦。
对于创作初衷，何彦润说，最初的触动来自我的家乡四川。当时那里正在进行大量的乡村社区更新——那些有着上百年历史、生活过好几代人的老民居散布在山间，被逐一拆除，然后集中迁入用钢筋混凝土新建的“新农村”。路是新的，房是新的，但村民们依然延续着曾经的生活方式——在水泥地上晾农作物，在刷白的墙上堆柴火，在绿化带里种粮食。一切变了，一切又没变。这说明了什么？它说明，中国延续千年的乡村文明生活方式极具智慧，能够适应不同的文明阶段，也让乡村人持续找到生活的价值感。
作为美术学院的学生，他想为这种“看不见、摸不着”的精神找到一个物质载体，“我想到了那些被拆除后散落山间的废旧材料——它们的年纪比我还大。山水精神是中华文明根性层面的文化积淀与精神内核，为此选择了用山水画表达”。
两种乡建，两种路径
《乡皴法》的成功让何彦润获得了另一个机会。在广东省“百千万工程”的背景下，省教育厅、省美协以肇庆市岩前村为载体，举办了2024年度“乡村创新”艺术设计大赛。他通过类似研究方式创作了新的作品方案参选比赛，最终获得了政府资助作品《乡皴法：岩前洞观》落地的机会。
《乡皴法：岩前洞观》
两幅壁画形式相近，路径却截然不同。西郊村的创作依靠现场关系与共同制作——材料靠收集，工匠靠合作，村民靠路过帮忙；岩前村的创作则进入了一个完整的赛事系统：方案评审、工程施工、验收展示，一切按流程推进。
前者有过程的温度，却缺乏资源和后续；后者有系统的强度，村民与作品的连接却相对有限。何彦润没有判断哪一种更好，他好奇的是：过程的深度与系统的强度，能否重新发生联系？
何彦润说，“我最终想表达的是：中国的乡村，过去被理解为‘农村’——好像只是一个提供粮食和劳动力的资源生产地。但今天，我们发现乡村不单纯是物质生产力的来源，更是精神的原乡。我想通过山水图像告诉大家，过去千年里，我们有极其美妙动人的乡村文化。这些文化，即便在今天，对城市、对整个国家现代化的发展，依然有着极大的启迪和保障。我们所说的‘中国式现代化’，‘中国式’从何而来？其中很重要的一部分，一定生长在乡村里。这正是我想通过壁画传达的”。
为乡村补一场“席”
岩前村的壁画项目有一场隆重的开幕式——政府、媒体、艺术家共同到场，为作品划定了一个清晰的结束时刻。而西郊村的壁画完成之后，工匠离场，村民回归日常，项目悄悄终结。
为此，何彦润决定返回西郊村，为它补上一个与开幕式“结构对等”的公共环节。但他没有复制一场官方庆典，而是选择了乡村最熟悉的仪式——筵席。
何彦润介绍作品《席间田野》
2026年3月2日，“壁山筵席”在西郊村金家大院举行。近20位村民、乡贤、工匠、村干部、艺术家和政府部门代表围坐一堂。他们不只是在吃饭——入席之前，所有人要共同搭建竹棚、在礼签卡上写下对乡村的期许；入席之后，大家围坐交谈，讲问题、说困难、也找希望。
一位工匠不愿提笔，何彦润请他口述，代为书写，留下了一句朴素的愿望：“恭祝新春，修好乡路，过好生活。”
有人谈人口流失和耕地撂荒，有人提出乡村需要的不只是硬件，还有人翻出了村中的旧地名、庙宇和口述故事。原本分散在个人经验中的现实问题，第一次被摆上了共同的桌面。
筵席结束后，竹棚拆除，竹竿被村民各自取走，继续留作他用。“壁山筵席”没有留下一件需要长期维护的艺术装置，但那些在共同搭棚、围坐交谈中被激活的关系，却可能继续生长下去。
何彦润的毕业创作，正是用“摆席”的方式将两种乡建路径并置，探讨艺术介入乡村公共文化的不同模式。他的导师、广州美术学院工艺美术学院院长齐喆评价说：“他不满足于做一个精致的摆件装饰物，而是在思考用所学的专业知识与国家重大战略同频共振的艺术实践。现在很多研究生的状态是：一年级学基础，二年级方向不明，三年级匆匆做个毕业作品就结束了。而理想的研究生教育，应该是一年级就带着明确的问题意识进来，三年都围绕同一个核心课题持续深耕。我希望我的研究生能把所有课程都纳入自己的研究脉络里——每一门课都不是孤立的任务，而是为同一个问题服务的研究节点。”
对话谈艺术乡建：留给岭南乡村的应该是一种有根的生活方式
近年来，艺术乡建热潮涌动。从早期的零星实践，到如今各艺术院校、地方政府乃至全社会广泛参与，艺术介入乡村已经成为当下文化领域最引人注目的现象之一。这件作品在这个热潮下有何意义，什么才是好的艺术乡建作品？记者专访了齐喆。
记者：何彦润的研究生毕业作品《席间田野》得了高永坚奖学金一等奖，你怎么看这个作品？
齐喆：《席间田野》不止是一个研究生普通的毕业作品，更是一次诚恳的“田野实践”。这件作品的可贵之处，在于它的创作过程本身。它不同于在工作室里完成的架上作品，而是带着问题意识回到乡土用长达三年的研究生生涯，持续探讨同一个话题。何彦润同学他把自己的毕业创作变成了一场对比实验：从自费返乡用在地材料创作，到借助政府资源在肇庆岩前村的公共艺术实践，最后通过传统“摆席”的方式反思两种路径。废旧砖瓦构筑的景观，承载的不只是材料本身，更是一个年轻人对“艺术该如何介入乡村”这个命题的严肃思考。它被《人民日报》《光明日报》报道、入选全国美展进京展，恰恰说明这种“扎根大地”的创作方式，回应了时代的需要。特别值得一提的是，何彦润同学的本科毕业创作作品，同样获得了2023年刚设立的“高永坚艺术奖”唯一的一等奖。
记者：在你眼中，成功的艺术乡建作品，最重要的特质是什么？
齐喆：成功的艺术乡建：核心在于“共生”，而非“植入”。我认为最核心的特质，是看它能否让艺术与乡村日常“长”在一起，实现深度共生。成功的乡建不应是艺术家单方面的表达，而要让村民从旁观者变成参与者、受益者，让艺术内化为当地生活的一部分。只有当艺术成为村民自己的表达，当村民愿意主动维护和延续那些公共空间，乡村的内生动力才算被真正激活。
记者：目前，艺术乡建作品层出不穷，这些作品有什么样弊端？
齐喆：当前弊端——“艺术秀”热闹，却可能“耗尽”了乡村。当前艺术乡建的爆火，带来了一些弊端，最突出的就是“热热闹闹搞形式，冷冷清清收场”。问题在于把乡村当成“艺术实验田”——村民“失语”：艺术家“唱主角”，村民做“背景板”，作品对村民没有实际意义。审美“游离”：盲目照搬城市网红风，缺乏在地性，无法打动当地人。不可持续：艺术家一走项目就停摆，沦为“一次性热闹”，甚至耗尽了乡村的资源和期待。这提醒我们，乡建项目需要一套真正能“造血”的长效机制，让艺术在乡村扎下根来。
记者：工艺美院坚持田野乡建多年，你希望留给岭南乡村的，到底是作品，还是一种生活方式？
齐喆：留给岭南乡村的应该是一种有根的生活方式。这其实正是我们坚持田野乡建的终极意义。我们留下的不应是几件孤立的“作品”，而是一种“有根”的、美且可持续的生活方式。我们希望让村民们意识到，门前的老砖、祖辈的手艺，本身就是美的，是可以创造出价值的。就像我们的学生为从化北溪村阿姨们搭建的竹舞台，或在肇庆、新会等地的微改造，最终目标是激发村民的文化自信和自主营造能力。当美的意识融入日常，乡村就有了自我更新、自我生长的力量。
采写：南都N视频记者许晓蕾
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