“颗粒度：对齐中…”跨媒介艺术行动首展在雅昌（深圳）艺术中心盛大开幕 27位/组艺术家以艺术回应数字时代职场命题|九城艺术|当代|深圳市|策展人|美术馆|艺术中心|艺术家|雅昌|颗粒度

2026年7月26日下午，在台风“红霞”登陆带来的风雨中，「颗粒度：对齐中…」跨媒介艺术行动在雅昌（深圳）艺术中心如期拉开帷幕。艺术家、各界嘉宾、媒体代表、社媒达人以及艺术爱好者风雨无阻，共同见证这场根植于深圳城市基因的跨媒介艺术大展正式启幕。与此同时，展览通过线上直播同步呈现开幕盛况，让未能到场的观众也能实时参与这场艺术行动。

「颗粒度：对齐中…」跨媒介艺术行动在深圳展览现场

从深圳经验出发，回应数字时代命题

开幕式于下午二时正式开始，策展人王言首先阐释了展览理念。她回溯“颗粒度”的策展源头是源于对深圳的长期观察与经验，将所谓的互联网“黑话”，放大为值得审视的文化命题，邀请观众重新体验那些被解构的身体经验，用艺术欣赏的方式找回属于自己的节奏。

策展人王言开幕致辞

艺术家代表江衡随后发言，他从“景观社会”理论切入，指出深圳本身就是高速刷新的巨型景观，生活在其中的人既是观看者，也被景观所规训。他认为艺术最可贵之处，是在景观的缝隙中打捞被量化与覆盖的日常温度，让个体重新触碰真实的质感。

艺术家代表江衡开幕致辞

雅昌消费者BG总裁张凯以东道主身份致辞。他坦言，多年大厂经历让他对“颗粒度”“对齐”深有感触。雅昌扎根深圳三十余年，见证这座城市从速度到深度的跃迁，未来将持续探索艺术与科技的深度融合。他表示，在深圳讨论这一主题是内部经验的必然，期待艺术成为一面镜子，让每个人看见自己的日常，也回应这个时代。

雅昌消费者BG总裁张凯开幕致辞

「对齐行动」：五位各界文化代表共话深圳日常、创作与实践

开幕式后，主题论坛「对齐行动」在展厅内举行。论坛围绕“深圳的日常、创作与实践”展开，由策展人、上海交通大学博士张雨卓主持，雅昌艺术中心美术馆馆长肖伟文、腾讯集团高级品牌传播经理黄暄、国际像素艺术家TOYOYA（李帆）、艺术家及深圳大学艺术部美术系副主任刘天明共同参与对谈。

主题对谈“对齐行动”现场

黄暄率先从互联网行业经验出发，坦言对展览主题感同身受，并结合在腾讯多年从事公益类与品牌传播的实践，分享了在科技企业中推动艺术跨界融合的探索与思考。肖伟文随后表示，雅昌作为国内最早从事艺术场馆运营的文化企业之一，亲历了深圳文化艺术从萌芽到繁荣的变迁历程。她希望通过持续的更新与进步，参与城市文化艺术建设，在日益蓬勃的深圳文化市场中走出一条具有雅昌特色的发展路径。刘天明结合艺术教育、科研与创作实践的一线观察，指出城市环境深刻影响着创作者的思维方式与表达逻辑。TOYOYA（李帆）最后从个人创作经验出发，认为像素的每一格都像最小单位的“颗粒”，创作者在既定网格中不断寻找秩序与失控之间的微妙平衡。

（从左至右）国际像素艺术家TOYOYA（李帆），艺术家及深圳大学艺术部美术系副主任刘天明，雅昌艺术中心美术馆馆长肖伟文，腾讯集团高级品牌传播经理黄暄，策展人、上海交通大学博士张雨卓

行为艺术《集体输入》，一场个体与群体的现场实验

开幕式最受瞩目的环节之一，是艺术家吴析夏带来的开幕行为艺术表演《集体输入》。作品将一只巨型透明球体作为信息储存载体放置在展厅中央，邀请现场观众将自己的思绪、感受或任何想表达的话语写在小球上，投入球体内部。这一过程被视作“向AI投喂语料数据包”的具象化动作。

开幕现场艺术家吴析夏行为表演《集体输入》

随着表演进行中，无数承载着观众真情实感的小球持续涌入，逐步填满整个透明球体，而身处其中的艺术家吴析夏同样以书写的方式去解读这一个个小球上的文字，最终被集体的表达层层包裹。作品借“信息过载”的当代隐喻，具象化呈现了数字时代信息泛滥的生存状态，完成了一场个体与群体表达共生的现场实验。现场观众或驻足凝视，或主动参与投递，场面安静而富有仪式感。一位参与投递的观众表示：“把自己的想法写下来投进去的那一刻，突然意识到我们每天都在向无数系统‘投喂’数据，但很少这样直观地看到自己被包裹的状态。”

开幕现场艺术家吴析夏行为表演《集体输出》

四大章节、80余件作品，展厅内掀起观展热潮

开幕式结束后，嘉宾与观众在策展人导览下步入展厅，依次体验“逃逸的瞬间”、“对齐的练习”、“控制的波形”、“规训的颗粒”四大沉浸式章节。80余件涵盖绘画、装置、影像、雕塑、行为、纤维及新媒体等多种媒介的作品在800余平方米空间中渐次展开。

展厅内，多件互动装置与新媒体作品成为观众驻足焦点。到场艺术家01小组（陈荣彬、梁链喜）、Ash Zing、江衡、刘泠杉、刘天明、吴析夏、于倩、张弛、TOYOYA（李帆）向在场观众亲自导览了自己作品。

「颗粒度：对齐中…」跨媒介艺术行动在深圳展览现场

艺术家江衡现场导览

艺术家于倩现场导览

01艺术小组把身体外置为机器人装置，追问当身体可以被替代时，人还剩什么？Ash Zing以“元图像”方法论反复增殖与祛除图像，在重复、穿刺与消解中暴露图像生产的技术与内在机制；江衡用绚丽多彩的甜美像素解剖消费文化对人的塑造，那些构成式几何图谱的背后藏着对物质欲望的批判；刘泠杉在雕塑里制造怪异诡谲的空间谜语，让身体在空间中遭遇规训与异化；刘天明在传统山水画的基底之上叠加故障艺术的像素语言，以此追问视觉再现与现实感知之间的距离；吴析夏把自己封进透明塑料球里书写，窒息前破球而出，这是塑与破的完整仪式，像极了我们在系统里被挤压又弹出的过程；于倩用扎染和纤维缝补记忆的碎片，诉说着时间的故事；张弛的创作则像一场持续的自我校准，在传统与当代、在地与全球之间不断调试着自己的位置；TOYOYA（李帆）将现代动态设计融入循环时序，形成具有元像素特征的视觉装置，完成对数字视觉档案的当代唤醒及对图像本体的哲学思考。