七个国家九组设计师，勾勒亚洲时尚的当代面貌|亚洲|当代|时尚|时装|设计师|韩国

本期，我们聚焦来自七个国家的九组新生代设计师，以他们的作品勾勒亚洲时尚的当代面貌。他们拥有截然不同的成长背景、文化传统与创作风格，却表达着共同的宣言：亚洲不再只是一个等待被发现的新兴市场，也无法再能够被一种统一的美学所概括。每一个地区，都在发出属于自己的声音；每一位设计师，也都在用自己的方式回应这个时代。

宁巾仪：流苏吊坠云肩、瀑布流苏半裙、果壳贝雷帽均为Ya Yi

王涵：丝绒经幡流苏长袍、纯手工流苏栀子花头饰均为Ya Yi

刘熙：流苏果壳上衣、铜氨丝鱼尾半裙均为Ya Yi；耳饰器契qiqi

中国 - Ya Yi

去年十月，陈雅忆站上VOGUE China Fashion Fund的领奖台，成为评委眼中那个能够代表当代中国设计美学的新声。出生于西班牙、在纽约创立品牌Ya Yi，如今长期工作生活在上海，她的经历几乎浓缩了这一代中国设计师的鲜明特质——他们拥有国际化的成长与教育背景，却越来越笃定地回到自己的文化经验之中。过去几年，中国设计在国际时尚版图中的角色正在悄然改变。从上海时装周不断完善的本土生态，到越来越多中国品牌亮相国际红毯，进入全球视野，中国设计师不再只是被期待讲述“东方故事”，而是开始以更加成熟的创作语言参与全球对话。比起证明自己来自哪里，他们更关心的是如何建立属于自己的表达。

陈雅忆正是这么做的。2022年创立同名品牌后，她很快凭借鲜明的女性叙事和跨媒介创作进入国际视野。推出仅三个系列，便入围LVMH Prize青年设计师大奖半决赛。“那是我第一次感受到，Ya Yi的声音或许真的能被国际行业听到。当时我还在青涩地摸索品牌的定位，入围像是一种遥远的确认——原来我们关心的移民议题、传统工艺与跨界叙事的结合，在国际语境下也能成立。”如果翻看她的作品，比起服装本身，更值得关注的是那些不断延伸的创作形式。品牌首个系列“一朵花，不是春”邀请五十余位亚裔创作者共同参与完成，随后又发展成现代舞影像、纪录片展映以及跨媒介艺术项目；此后，她也不断以各种艺术形式将身体、空间与服装进行连接。对于Ya Yi而言，服装从来不是创作的终点，而是一种讲述故事的媒介。

这种开放的创作方式，与她的成长经历密不可分。就像她在采访中所分享的：“这种多元文化的底色，不是我要刻意去‘平衡’的结果，而是我创作最自然的起点。它自然而然地流淌在每一个细节里——比如我会用来自东方的植物染、柿染、泥染、墨染去结合西方的剪裁结构；用宣纸连接中国造纸术与欧洲的纸浆工艺。这些选择不是策略性的‘融合’，而是作为一个在不同文化间行走的人本能的表达方式。”文化的滋养是与生俱来的优势，但在陈雅忆看来，作为设计师也要不断思考——这是否是自己真实想表达的东西，还是在迎合国际市场对“东方画像”的期待?

这也是当代亚洲设计师所共同面临的机遇与挑战。陈雅忆认为，亚洲时尚的下一章，不再只是被看见，而是被听见——真正平等地参与全球时尚的对话，不仅仅是作为文化的补充。“‘亚洲时尚’从一个地区标签，正在变成一张由自己独立的声音编织成的多元地图。我们不再需要代表‘亚洲’，我们只需要表达自己。”

黑色丝绒刺绣连衣裙 Phan Dang Hoang

耳环 Gas Bijoux

高跟鞋 Jimmy Choo

刘熙：橙色手工染亚麻连衣裙 Phan Dang Hoang；

耳环器契qiqi

王涵：杏色亮片丝绒连衣裙 Phan Dang Hoang；

耳环 Midnight Opera House

越南 - Phan Dang Hoang

很长一段时间里，无论是在国际时尚版图，还是亚洲时尚语境中，越南都很少被视为一个设计中心。作为全球重要的服装生产基地，这里长期支撑着国际品牌的供应链，却鲜少有人真正关注越南正在成长的创意生态。然而，近几年这种印象开始悄然改变。从越来越多本土品牌登上国际时装周，全球艺人身穿越南设计师品牌亮相，越南设计开始以前所未有的速度进入流行文化视野。世界开始意识到，这里不仅能够制造时装，也能够创造时尚。

Phan Dang Hoang是这场变化中最具代表性的名字之一。他曾在欧洲学习，因此能够将当地学到的设计方法与亚洲深厚的工艺传统结合起来。“这种跨文化的学习经历，让我们能够在每一个系列中投入更多思考——无论是概念的建立，还是材料的选择，都经过反复推敲。“毕业于米兰新美术学院后，2022年他创立同名品牌，成为首位进入米兰时装周官方日程的越南设计师品牌，开始接受来自世界的目光。但如果翻看Phan Dang Hoang的作品，其实很难将它们简单归类为“越南风格”。他没有刻意放大传统服饰，而是更倾向于从越南艺术与文化中寻找一种更细腻的连接。比如“Ceramics”系列便以越南丝绸画家阮潘正（Nguyễn Phan Chánh）的作品和传统陶瓷为灵感，将画作的肌理与陶瓷的线条转化为当代时装语言；而其他系列中对于手工刺绣、传统工艺和天然材质的运用，也始终服务于服装本身，而非停留在文化符号的展示上。对他而言，文化不是装点，而是一种创作方法。这种克制，也来自他对自身文化背景的理解。“每当开始一个新的系列，我都会回到品牌最初建立时的DNA与核心价值。当我将越南文化融入设计时，我会不断思考如何以一种真实而自然的方式去呈现，既能够与越南本土消费者产生共鸣，也能为国际观众带来新的视角。”在他看来，真正需要被保留的并不是某一种越南元素，而是那些塑造自己审美和思考方式的文化经验。

随着越来越多亚洲设计师进入全球视野，Phan Dang Hoang也感受到国际时尚对于亚洲的理解正在发生变化，“如今，人们越来越愿意去理解每位设计师背后独特的故事，而不再将‘亚洲时尚’简单地视作一个同质化的整体。”在他看来，这不仅意味着更多机会，也意味着设计师必须更加清楚自己真正想表达什么，而不是迎合外界对于“亚洲美学”的期待。从制造业重镇，到不断涌现的独立设计品牌，越南时尚正在经历一次缓慢却深刻的身份转变。而Phan Dang Hoang所代表的，也不仅仅是一位进入米兰时装周的年轻设计师，更是一代越南创作者对于本土文化的重新理解——它不需要刻意被强调，却始终自然地流淌在作品之中。

珍珠贝母连衣裙、红色针织连衣裙均为Leje

韩国 - Leje

韩国时尚从来不缺少被世界看见的机会。K-pop、韩剧与美妆共同推动了韩流的全球传播，也让首尔成为国际品牌不断加码的新兴市场。过去几年，越来越多韩国品牌不再只依赖明星效应，而是开始通过鲜明的空间、零售与设计语言建立自己的国际辨识度；这里正在从流行文化输出地，逐渐成长为一个真正具有自主审美的时尚之都。对于年轻的韩国设计师来说，问题也已从如何获得关注，变成当世界开始注视韩国之后，究竟应该讲述什么。

由Je Yangmo和Kang Juhyeong共同成立的韩国品牌Leje给出的答案是：“传统是我们的出发点，而不是终点。”这句话几乎概括了品牌的创作方式，Leje珍视韩国传统工艺，却并不试图复刻过去。传统材料不断出现在作品之中，但它们的意义并不在于制造一种可以被迅速辨识的“韩国风格”。正如采访中所说：“我们之所以使用珍珠贝母和韩国传统白铜，并不只是为了创造看起来‘很韩国’的作品。我们真正希望重新诠释的，是这些材料所承载的时间、工艺与人的温度，并用当代时装的语言将其表达出来。”

因此，在Leje的设计里，传统很少以完整的历史样貌出现。它更像一种隐藏在服装内部的结构：材料的反光、金属的触感、手工留下的细微痕迹，共同将古旧工艺转换为属于当下的视觉经验。这种转译能力，也让Leje与韩国流行文化之间建立起了自然联系。品牌每次在红毯、舞台或其他场合的露出，经常获得广泛的国际关注。对Leje而言，合作最重要的并不是明星所带来的曝光，“每一个项目都让我们有机会通过Leje的设计语言，表达艺人自身独特的身份与故事；在这个过程中，我们一直坚持的韩国工艺与当代美学，也以一种真诚的方式被更广泛的观众理解。”

这也解释了为什么韩国设计近年来能够迅速进入全球视野。明星、音乐、影像与服装并不是彼此割裂的产业，而是在同一个文化系统中相互放大。韩流首先为设计师打开了入口，但真正决定品牌能否留下来的，依然是其是否拥有足够清晰的创作语言。Leje也清楚这种关注所带来的另一重压力，亚洲设计师有时仍被期待以非常直白的方式表达传统；而当作品看起来过于当代，又可能被质疑是否失去了文化身份。对此，Leje的回应是：文化并不意味着原样复制传统形式，而是延续其中所承载的思想、哲学与价值。“越来越多设计师以自身的文化与理念为根基，发出独特而真实的声音，亚洲时尚也将因此变得更加丰富、更加多元。”过去，韩流让世界迅速认识韩国；如今，像Leje这样的设计师品牌正在尝试让世界进一步理解韩国。当贝母不再只是传统器物上的装饰，当白铜与手工技艺成为当代服装的一部分，传统便不再属于被封存的过去，而开始拥有塑造未来的能力。

斗篷上衣、斜拉布贝克帽均为Putri Adif

刘熙：针织上衣、垂坠长裤、耳环、护甲套均为Putri Adif

宁巾仪：可巴雅连衣裙、耳环、护甲套均为Putri Adif

王涵：针织上衣、紧身裤、耳环、护甲套均为Putri Adif

新加坡 - Putri Adif

相比那些拥有鲜明文化传统的亚洲国家，新加坡很难被单一的美学语言定义。作为长期连接东西方贸易的枢纽，华人、马来人、印度人，以及来自世界各地的移民文化不断在这里交汇，让“混合”成为新加坡最自然的文化底色。对于新一代的设计师而言，重要的并非只是回到某一种传统，而是如何理解这些共同塑造自己的文化经验。

去年刚从新加坡拉萨尔艺术学院时装设计与材料专业毕业的Putri Adif，正是在这样的环境中成长起来的。她将自己的创作起点归结为“爪哇离散(Javanese diaspora)文化”，在她看来，文化从来不是单一的来源，而是一层层不断累积、彼此交叠的生活记忆。这种思考集中体现在她的系列“Eka”中。系列以传统服饰kebaya为研究对象，却没有复制它原本的轮廓，而是在结构、比例与穿着方式上进行重新设计，让这件拥有悠久历史的服装获得新的身体语言。她所选择的kebaya，本身就像新加坡文化的缩影。这种服饰广泛存在于东南亚地区，伴随着贸易、迁徙与不同族群之间的交流不断演变，并在土生华人、马来人与印尼社群中形成各自不同的版本。它并非只存在于单一国家，而是在流动中不断被重新定义。Putri Adif所关注的，也正是这种不断迁徙、不断融合的文化状态。系列中的许多细节，都来自她自己的家族记忆。在此基础上，通过用3D技术打印配饰，也让同一件服装能够通过不同点缀改变风格。与此同时，部分金属配件与珠宝由工匠手工完成，数字制造与传统工艺因此共同存在于一件作品之中。科技没有取代工艺，传统也没有停留在过去，而是在新的制作方式中继续生长。如她所说：“这些选择，并不是为了让传统变得现代，而是希望说明，文化本身始终处于不断变化之中。它不是静止不变的，而是一种会随着我们一起成长、不断延续的生命。”

这种对于文化的理解，也折射出今天新加坡设计最鲜明的特点。相比寻找一种可以被辨识的“国家风格”，越来越多年轻设计师开始接受身份本身就是流动的事实。不同文化之间并不存在清晰边界，它们不断进入彼此、影响彼此，也共同塑造着新的设计语言。或许，这也正是新加坡设计最特别的地方。它没有一种需要被反复强调的文化符号，也很少追求单一的美学标签。真正让它与众不同的，恰恰是在不同文化长期共存与不断交汇的过程中，持续孕育出新的创作方式。文化不必非此即彼，它可以同时拥有许多来源，也因此拥有更多可能。

歌剧大衣 Jude Macasinag

连衣裙 Lorico

菲律宾 - Jude Macasinag、Lorico

“作为一个来自发展中国家的设计师，我所面对的始终是一种资源上的矛盾：有些触手可及，有些却始终稀缺。”Lorico品牌创始人Jerome Allen Lorico的坦诚，提供了对于菲律宾时尚最真实的描述。在他看来，菲律宾从来不缺少创造力。真正稀缺的，是支撑这些创意持续成长的产业基础。从供应链、生产资源，到品牌运营和国际推广，许多年轻设计师都需要依靠比别人更多的耐心，才能让自己的作品被世界看见。正因如此，当我们关注菲律宾设计时，看到的不只是新品牌的出现，更是一代设计师在有限条件下不断创造可能的过程。

这种成长环境，也塑造了菲律宾设计师共同拥有的一种特质。Jerome Allen Lorico认为，相比成熟的时尚体系，这里最大的优势恰恰来自设计师本身。“如果说有什么真正让我们与众不同，那就是我们天生拥有韧性和坚持下去的能力。”在资源有限的环境里成长，菲律宾设计师更习惯于依靠个人视角、文化经验和持续创作建立自己的品牌，而不是依赖一套已经成熟的产业路径。对他而言，投身于设计前的文学与语言学背景，塑造了理解服装的方式。“写任何东西之前，你首先必须知道自己究竟在写什么。”而设计也是一样，在寻找风格之前，更重要的是找到属于自己的语言。否则，所有文化都会沦为一种可以被复制的装饰。这也是为什么，在他的系列里，很少看到刻意放大的菲律宾符号，无论是带有雕塑感的廓形、戏剧化的层叠结构，还是不断出现的手工装饰，他不断定义着属于自己的专属语言。

这种关于个人表达的坚持，同样出现在设计师Jude Macasinag身上。生于1999年的他，人生中创作的第一件服装，是亲手为母亲缝制的一件婚纱。在把那件手缝婚纱发布到社交网络后，意外被菲律宾创意圈的一位重要人物注意，就此开启了他的设计生涯。此后，他继续通过社交媒体分享自己在法国时装学院的本科及硕士毕业系列，将关注的目光从菲律宾本土一步步拓展到国际。这样的经历让他对国际时尚与亚洲设计之间的关系有着更直接的观察。“遗憾的是，即使到了今天，针对亚洲设计师的刻板印象依然存在。有时候，你仍需要花更多时间去证明自己不仅拥有技术能力，也拥有属于自己的创意表达。”在他看来，这种偏见并没有因为亚洲设计师的活跃而彻底消失，却也促使越来越多年轻创作者开始思考，如何以更加真实的方式建立自己的设计语言。

对于Jude Macasinag而言，文化不是一种需要不断强调的身份标签，而是人与人之间建立联系的方式。“我是一个出生、成长，也部分接受专业训练于菲律宾的设计师。很多国际同行并不了解菲律宾真正的文化与创意身份，因此我更愿意在不同文化之间寻找共同点。人总能找到彼此连接的理由。”与其刻意强调地域符号，他更希望通过服装寻找不同文化之间相互理解的可能，就像当初那件婚纱一样，让作品建立在真实的情感连接之上。相比已经建立成熟时尚产业的亚洲城市，菲律宾仍然是一个正在发展的地方。这里真正丰富的，或许不仅是资源，更是人才；支撑菲律宾设计不断向前的，也不是完善的体系，而是一代设计师始终没有停止表达的勇气。当越来越多菲律宾创作者开始走向世界，相比制造新的设计风格，这种在有限条件下依然坚持创造的力量更加可贵。

宁巾仪：大衣、西装外套、长裤、衬衫均为Soshiotsuki；

高跟鞋 Manolo Blahnik；眼镜 Jimmy Choo

王涵：马甲、衬衫、长裤均为Soshiotsuki；高跟鞋 Doys；

眼镜 Jimmy Choo

刘熙：西装外套、长裤、马甲、衬衫均为Soshiotsuki

西装外套、长裤、针织上衣、衬衫均为Soshiotsuki

日本 - Soshiotsuki

在亚洲时尚的发展历程中，日本始终占据着无可替代的位置。上世纪七八十年代，三宅一生、山本耀司与川久保玲相继在巴黎崭露头角，他们以对廓形、身体与服装关系的全新理解，打破了彼时欧洲高级时装长期主导的审美秩序。四十年间，数不胜数的日本设计在国际时装周拥有一席之地，抑或是在欧洲奢侈品牌中担任创意总监要职。在这样的历史积淀之下，相对开辟道路，成长中的日本设计师更需考量的或许是如何走出属于自己的那一条路。

Soshiotsuki创始人Soshi Otsuki（大月壮士）正是这一代设计师中最具代表性的名字。他毕业于山本耀司等众多日本时装大师的母校Bunka Fashion College（日本文化服装学院），并曾在以反传统著称的东京Coconogacco时装设计学校学习。2015年，Soshi Otsuki创立同名品牌；2016年，仅发布两个系列，他便以最年轻日本候选者身份入围LVMH Prize青年设计师大奖，在2025年最终摘得这一奖项。西装是Soshi Otsuki的作品中反复出现的主角，在他眼中，西装从来不只是西方男装体系中的经典单品，更是一段关于日本现代化的文化记忆。明治时期以后，西式服装逐渐进入日本男性的公共生活，并成为现代身份的重要象征，也代表着东方与西方、传统与现代不断交织的历史。Soshi Otsuki并没有试图回避这种复杂性，而是把它作为品牌最重要的创作起点。他不断拆解西装本身的秩序：松弛下垂的肩线、近似和服包裹方式的结构，以及宽大的裤装比例，共同让一件原本象征纪律与权威的西装拥有了新的身体语言。欧洲剪裁、日本服饰结构与当代男性气质不断在他的作品中交汇，最终形成一种既熟悉又陌生的视觉体验。

对于Soshi Otsuki而言，日本文化从来不是一种需要被展示的符号，而是一种早已融入生活经验的观看方式。这种创作方法，也让Soshiotsuki逐渐成为国际时尚关注的焦点。今年初，品牌受邀担任Pitti Uomo客座设计师，在佛罗伦萨完成首次海外时装秀，在VOGUE Runway秀评的开头，一句“A star is born”（一位明星诞生了）足以概括Soshi Otsuki在这场秀后完成的身份转变：从东京最受关注的新锐设计师之一，到真正进入全球时尚视野的新名字。如果说四十年前，日本设计师改变了世界理解服装与身体关系的方式，那么今天的新一代，则把目光重新落回日常。比起重演前辈的先锋姿态，他们更愿意从一件西装、一条领带和日常身体经验出发，在细微的拆解与重组中，书写日本设计的崭新篇章。

王涵：连衣裙 Pyvet；耳环 Isabel Marant

刘熙：连衣裙 Pyvet；耳环器契qiqi

宁巾仪：连衣裙 Pyvet；耳环器契qiqi

宁巾仪：黄色连衣裙、高跟鞋均为Shone Puipia；

耳环器契qiqi

刘熙：上衣、半裙、高跟鞋均为Shone Puipia；

耳环器契qiqi

泰国 - Shone Puipia、Pyvet

如果说东京定义了亚洲时装秩序，首尔代表了流行文化趋势，那么今天的曼谷，正以另一种方式进入国际时尚视野。这里没有悠久的高级时装传统，也没有成熟奢侈品集团建立的话语体系，却拥有丰富的纺织资源、深厚的手工艺传统，以及不断成长的独立设计社群。近年来，随着曼谷设计周、曼谷国际时装周等平台持续发展，越来越多国际买手、媒体与艺术机构开始将目光投向这里。相比追逐潮流，今天的曼谷更像一座关于工艺、材料与生活方式的实验场。

对于设计师Shone Puipia来说，这种变化首先来自亚洲内部。“越来越多消费者和时尚爱好者开始主动支持本土设计师，以及那些拥有新鲜观点的品牌。亚洲拥有丰富而多元的人才，新一代设计师也更加注重手工艺，把在地工艺和传统知识融入作品。”在他看来，亚洲流行文化的崛起同样改变了设计师被世界看见的方式。“亚洲媒体、音乐和明星都成为推动时尚发展的重要力量。明星、媒体、艺术家和设计师其实属于同一个生态系统，我们彼此支持，也共同成长。”

这种成熟的创意生态，也塑造了今天泰国设计独特的面貌。比起刻意强调民族身份，这一代设计师更愿意让工艺成为作品真正的语言。Pyvet便是最鲜明的代表。品牌始终以丝绸（泰丝）作为最重要的材料之一，却从未将它理解为一种需要被展示的文化符号。创始人、创意总监Platt Pladhi表示：“丝绸一直是我们最重要的材料，不是因为它代表了我们的来处，而是因为它本身就是一种非凡的工艺语言。我们更愿意把它视为一种当代媒介，而不是一个关于传统的象征。”在Platt Pladhi看来，真正值得被传承的，并不是某一种民族图腾，而是材料本身所承载的知识、技艺与创造力。因此，Pyvet很少直接将文化转化为可辨识的视觉元素，而是让文化渗透在服装制作的过程之中。“我们不会把文化翻译成符号，而是把它转化为一种创作过程。它存在于材料的选择、服装结构，以及我们对工艺的尊重之中。这些决定或许没有装饰那样醒目，却拥有更长久的生命力。”

Shone Puipia对此有着相似的理解。2018年创立品牌以来，他的设计灵感围绕着生活在曼谷的日常——旅行、朋友、艺术、建筑，以及这座城市不断变化的文景观，而不是对于“泰国风格”的刻意塑造。“我的设计语言非常个人，它来自我当下真实的生活和感受。美、工艺和纺织本身就是一种全球性的语言，无论它来自哪里，都能够被真正欣赏它的人理解。”2025年，品牌来到巴黎，第一次在泰国以外向国际观众展示作品。现场以“由双手塑造出的美”为主题，汇集了Shone Puipia历年来不同系列的重要作品，也囊括了与泰国艺术家Chatchai Puipia、Pinaree Sanpitak以及Dham Srifuengfung的合作。“来到现场的国际观众对于材料、工艺，以及作品中色彩和织物所传递出的情感都给予了非常积极的回应。”正如Shone Puipia的表达，今天的泰国设计逐渐摆脱了外界对于“东南亚风格”的固有想象，工艺的意义不止于保存，更在于重新进入今天的生产、穿着与生活。

Platt Pladhi希望，人们未来谈论亚洲时尚时，不只是关注它产生了多少文化影响力，更关注它能否持续支持那些仍在织布、染色和制作面料的人。“在泰国，每一个织造社区都拥有属于自己的织法、结构和对于布料的理解。真正重要的不是保存这些传统，而是让它们在今天依然拥有被需要的价值。”今天的泰国时尚，或许并没有一种统一的设计标签，但正是在材料、工艺与社区之间建立起的深层联系，让这里逐渐形成了一种属于自己的创作气质——它所输出的，不是一种可以被概括的单一美学，而是一种关于工艺、人与当代生活的全新思考。