学员日记（十）丨全国青年戏剧创作人才（音乐）研修班|世界戏剧日|创作人才|器乐|戏曲|研修班|艺术|音乐

全国青年戏剧创作人才

（音乐）研修班

学员日记

第十期

编者按

2026年8月21日，由中央宣传部文艺局、中国戏剧家协会联合主办的全国青年戏剧创作人才（音乐）研修班在河北廊坊开班。本次研修班是中宣部文艺局与中国剧协继2024年“全国青年戏曲编剧研修班”、2025年“全国青年戏剧创作人才（编剧、导演）研修班”成功举办之后，三度携手推出的青年戏剧人才培育项目，聚焦戏剧音乐创作领域，旨在破解行业痛点、夯实人才根基。本刊将持续关注研修班进展，并推出学员日记系列专题，以飨读者。

正根不变底色不改国风不移

一组

代表

董一樽

吉林省交响乐团作曲，2023年获评吉林省高层次D类人才。毕业于沈阳音乐学院，师从刘晖教授、王进教授、孙博教授、王虎教授、印真教授。后赴英国布里斯托大学深造，在John Pickard与Neal Farwell教授指导下攻读作曲专业硕士学位，以优异成绩毕业，获一等荣誉文学硕士学位（Master of Arts in Music with Distinction）。

创作方面：曾为中国共产党成立100周年创作交响乐《光辉》，于《不忘初心》音乐会成功首演；创作室内乐《狂人四癔》《悸动》《双阕》《断言》；原创歌曲《白求恩之歌》；为大提琴与交响乐队创作《三重梦》等。积极投入乐团多项演出项目，承担曲目创作与配器等工作，包括《音乐党课》《团拜会》《青年派》《民乐青年派》《精彩夜吉林》《蓬瀛春色》及阿联酋“欢乐春节”等，作品涵盖交响乐、室内乐、民族管弦乐等多种形式，获得了良好的演出反响。

学术方面：2022年被录取为国家艺术基金“东北地区珍稀濒危剧种音乐人才培养”项目学员，系统学习珍稀剧种音乐知识。曾在《艺术教育》《当代音乐》等期刊发表多篇作曲与作品分析相关论文，出版个人作品集《董一樽音乐作品集》。作为主要成员参与吉林省教育厅重点课题“双一流背景下综合艺术院校学科新发展研究”，该课题成果《视唱与节奏训练教程》入选吉林艺术学院规划教材。

DATE：2026.8.30

这个夏天，我坐进了由中央宣传部文艺局、中国戏剧家协会主办的全国青年戏剧创作人才（音乐）研修班的教室。第一天签到，看着名单上密密麻麻的剧种与院团，我有些局促——这里大多数人深耕戏曲多年，而我更像一个误入梨园深处的路人。

几天的课听下来，局促渐渐被好奇心盖过。课堂上，我常把许多基础性问题抛给身边的同学，总能得到些切实的解答。课下围坐讨论，视角各不相同：有人从音乐角度解构一出戏，有人关注人物发展，也有人在意舞台节奏的起承转合。而聊到我所熟悉的领域，他们又会转过头来向我求证一些我早已习以为常的问题。这种彼此“串门”式的交流，让我既紧张，又兴奋。

课上听到一句话：剧本是戏剧的根基，唱腔是戏剧的灵魂。初听时我十分认同其中道理，却总觉得离自己很远——我关心的音符与配器，似乎并不是这个命题的核心。后来又听到“戏一半、曲一半”“没有剧种唱腔，剧种就不存在”。直到“托腔保调”四个字落进耳朵，我才真正意识到：戏曲音乐不是“配乐”，而是人的呼吸。主奏乐器并非主角，却要像影子一样托住唱腔，让演员唱得舒服、唱出味道。乐队看似“退居”人声之后，实则每一弓、每个音都顺着演员的气息运行，在细微处点出神采。半台锣鼓半台戏——锣鼓要像脉搏一样牵着节奏，奠定整出戏的基础。这与我熟悉的音乐逻辑完全不同——在交响体系里，器乐是主体，是独立表达；而在戏曲里，器乐与唱腔是共生的血与肉。

仲呈祥主席在课上曾说道：“知识不直接转化为力量，因为缺乏高于知识的智慧。”我坐在台下，感到旧有的认知被撬动了一角。学了这么多年音乐，我攒下的是知识，离智慧恐怕还很远，至于如何抵达，我还没找到答案。

朱绍玉老师聊到“创意比创作难”，我暗自思忖：创作本身已属不易，创意岂非更是一种奢求？直到后来又听到一句“积累很重要，哪怕只有千分之一被用上”。我逐渐领悟到——创意难的背后是积累难，创作难的不只是灵感，更是积累。灵感是火花，但火花需要柴火，而柴火是在日复一日的捡拾中攒起来的。朱绍玉又讲“新眼睛，旧耳朵”——新眼睛是用新的视角看世界，旧耳朵是拿旧的耳朵听传统。又有老师提出“元素不等于原汁原味，做不好反而让人反感”，我越听越坐不住。回想自己以前的一些民族元素尝试，有时只是把民间旋律搬进配器里，以为有了五声音阶就算民族化。那不是融合，是贴标签。真正的转化，应当让民间音乐的呼吸融进作品的血脉里，而不是披一件民间的外衣。还有一句话，像在我脑门上拍了一下——“千万不要为求新而求新”。几日间我反复咀嚼，终于承认：求新本身没有错，错的是把“颠覆”当成了创新，把传统当成了可以随手丢弃的旧衣裳。

我逐渐意识到，戏曲界正在反思的困境，在我所在的创作领域同样存在：题材趋同化、叙事固式化、人物脸谱化、矛盾模板化，还有对“大主题、大制作”的迷恋——仿佛场面越恢弘，创作就越有价值。但戏曲界的思路很清醒：守正创新不是口号，而是守得住风骨，改得出新意；民间为源，让音乐在时间的打磨中成为经典。课堂上，王文训老师用“系统思想与局部思维”来点醒我们：一出戏就像一个生命体，局部技巧再炫目，若没有整体气韵的贯穿，终究会“散架”。还有老师打了个比方，说一出戏要“豹头凤尾猪肚”：开头要像豹头那样抓人，结尾要像凤尾那样漂亮，中段要像猪肚子那样充实饱满。如果只盯着某个部分去雕琢，而忽略整棵树的生长，再精细的局部，终究只是无根的枯枝。都说“戏乃大千世界，曲为半壁江山”——这句话让我猛然惊醒：音乐在戏剧中不是附庸，而是撑起作品的擎天巨柱。它要塑造人物、推动情节、渲染氛围。那么，我过去的创作里，有没有真正把音乐当成这江山来对待？还是仅仅当作烘托情绪的底色？思路打开之后，我慢慢看清了自己：是不是技术想得太多，根扎得太浅？是不是总在局部用力，忘了整体与局部之间的呼吸？学音乐的人习惯在音符里“精耕细作”，却忘了抬头看故事的轮廓、人物的命运，以及台上台下那条看不见的脉搏。

研修班已过大半，再过几天就要结业。收拾笔记的时候，我忽然想到：我也许永远也唱不出那些地道的韵味，但至少要让那些世代相传的旋律，先渗进我的骨子里。它们会在某一天，哪怕只是从笔尖流露出一点也好。我会记住那句话：正根不变，底色不改，国风不移。往后每次提笔，先问自己：根在哪里？底色是什么？想清楚了，再写。

去浮躁守根脉再出发

二组

代表

汤沐

河南豫剧三团青年指挥、作曲，毕业于上海音乐学院，河南大学音乐与舞蹈系在职研究生。

创作豫剧《黄河绝唱》《黄河滩上的女人》《柿树柿子》《情满和欢寨》，湖北越调《百里丹渠》，湖北陨剧《樱桃红时》，嗨子戏《长淮飞渡》，合唱组曲《真理的味道》，戏曲电影《三拂袖》《许穆夫人》等四十余部大型作品。参与创作《戈壁母亲》夺得第29届中国戏剧梅花奖，并和《重渡沟》（作曲助理）双双参加第十二届中国艺术节。参与创作的《大河安澜》获中宣部“五个一工程”奖，十四到十六届河南文华音乐创作奖，第九届到第十一届黄河戏剧音乐创作奖。《小推车》《杨水才》《情满和合欢寨》《金凤归来》等作品入选河南省精神文明建设“五个一工程”。《黄河绝唱》获得湖北省“五个一精神文明奖”，并与《王家女婿》双双获得湖北楚天文华奖金奖剧目。曾合作指挥配器参加2025、2026河南戏曲春晚。

DATE：2026.8.30

此次研修学习，对我而言不仅是一次专业充电，更是一次难得的自我审视与思想沉淀。

长期扎根基层戏曲作曲一线，我平日里大多是在创作与排练，日常工作重实操、重落地，很少有机会静下心跳出固有工作模式，系统审视自己的创作问题。这次集中听课、交流研讨，让我收获颇丰，也让我对戏曲音乐的传承与创新，有了更加贴合自身工作的真切体会。课堂上各位名家的授课，句句贴合行业现状，也点出了我平时创作当中容易忽略的问题。以往创作中，我总想着突破传统、丰富旋律，总想把舞台效果做得更饱满、更出彩。在追求新意的过程里，偶尔也会不经意间冲淡本剧种原本的唱腔韵味，作品看上去新颖，却缺少剧种独有的辨识度。陈涌泉书记强调的“守住剧种本色，才是戏曲立身之本”，引发了我很深的思考。当下戏曲创作普遍存在同质化问题，很多作品曲风趋同、特色模糊。我深刻反思，作为戏曲作曲，我们的创新不能是盲目翻新，真正的创作底气，永远源于传统板式、本土韵律和剧种独有的语言特质。守正不是固守陈旧，而是守住内核，在此基础上做适度活化。朱绍玉、尹晓东、王亚勋等老师的课程，很多观点令我深有共鸣。几位老师讲到，创作既不能一味求新求变，也不能固步自封。要牢牢守住老腔老调的韵味，再结合剧目实际情况开展创新。前辈艺术家深耕戏曲理论、细抠板式逻辑、潜心治学的态度，让我看清了自己的不足。

本次学习最珍贵的收获除了听课感悟，还有和全国各地戏曲同行的深入交流。大家虽然来自不同院团，岗位各异，却有着相同的初心。课余闲谈中，我们交流剧目创作经验、探讨唱腔改编难点，互相分享基层排演、音乐创作的心得，也倾诉各自工作中的困惑与压力。同龄人的真诚交流氛围轻松又纯粹，让我开阔了眼界，学到了很多不同的创作思路，也感受到青年戏曲从业者抱团成长、共同坚守的力量，受益匪浅。

短暂的研修之旅，为我校正了创作偏差，补足了认知短板。未来工作中，我会认真复盘过往作品，摒弃浮躁的创作心态，深耕传统理论、夯实专业功底。始终坚守剧种根脉，平衡好传承与创新，沉心打磨每一段旋律，立足本职深耕戏曲音乐创作，踏实走好戏曲传承与创新的每一步。

守本体之正开时代之新

三组

代表

闫岩

陕西省戏曲研究院二级作曲。参与主创的大型戏曲作品63部，曾获中国文华音乐创作奖、两次“文华大奖”及中宣部“五个一工程”奖。

DATE：2026.8.30

本次研修汇聚业内顶尖戏曲音乐名家，各位老师以几十年深耕行业的艺术积淀与创作阅历，传道解惑、剖本析理，为我们带来一场兼具思想深度、艺术高度与实践温度的专业盛宴，让我涤荡创作思维、夯实专业根基，对戏曲音乐的传承与创新有了更为通透、深刻的认知。

此次研修最深刻的收获，是重塑了我对戏曲音乐本体坚守的核心认知。多位名家的授课殊途同归，皆阐明剧种特色是地方戏曲的灵魂与根基，是戏曲音乐区别于其他艺术形式的核心标识。在当下文艺创作多元化的语境下，戏曲音乐创作极易陷入跟风趋同、程式固化的误区，逐渐丢失各剧种独有的声腔韵味、音韵逻辑与艺术特质。老师们深刻剖析了当下戏曲音乐同质化的行业痛点，深挖问题根源，给出了立足本体、回归传统、守正固本的破解之道，让我彻底明晰：戏曲音乐的创新，从来不是脱离根脉的肆意革新，所有声腔写作、音乐编排、配器革新、曲风融合，都必须扎根剧种原生声腔，守住戏曲艺术的文化立场与艺术底线。

本次研修兼具理论深度与实操价值，全方位精进了我的创作理念与创作格局。各位名家系统梳理了戏曲音乐创作的底层逻辑、技法精髓与实践要义，从经典创作理论的深度解读，到一线舞台创作的实战经验分享，从传统唱腔的技法打磨，到不同剧种音乐的特色解析，层层递进、深入浅出。通过系统学习，我学会以更专业、更宏观的视角把控戏曲音乐创作，明晰如何在坚守传统唱腔根脉的基础上打磨唱腔细节、优化音乐织体，如何平衡传统程式与现代审美，让戏曲音乐既留存古韵初心，又适配新时代舞台表达与观众审美。

此次研修是一次充电赋能，更是一场初心淬炼。作为新时代青年戏曲音乐创作从业者，我们肩负着传承戏曲文脉、活化传统艺术的时代使命。今后，我将以此次研修为契机，坚守戏曲音乐本体根脉，牢记艺术创作初心，深耕专业创作技法，摒弃同质化创作思维。同时博采众长、融会贯通，在传承中创新、在守正中突破，将所学所思转化为创作实践，用心打磨精品音乐作品，以青年创作力量赋能地方戏曲传承发展，让传统戏曲音乐在新时代焕发全新艺术活力。