本文转自：人民网-北京频道
人民网记者 尹星云
实验歌剧《原野》剧照。受访者供图
近日，实验歌剧《原野》在北京正乙祠戏楼上演。此次推出的实验版由中国音乐学院支持，由歌剧表演艺术家、中国戏剧梅花奖获得者、中国音乐学院博士生导师韩延文担任导演、主演，这不仅是一次复排，更是一场“一人双角”极具探索意义的艺术对话。
本版《原野》在尊重原作精神的基础上，积极融汇多元艺术表现手段，体现出鲜明的创新意识与跨界的艺术整合力。作品汲取中国传统戏曲美学的精髓，灵活运用曲艺中“一人多角，跳进跳出”等写意表演手法，通过一位演员分饰两个角色的创新设定，不仅充分展现表演者跨越行当的艺术可塑性，也强化了角色间的象征关联与戏剧张力。
同时，创作团队突破歌剧固有范式，有机融入话剧对白的现实感与音乐剧的节奏性叙事方式，在演唱、台词与肢体表达之间形成流畅转换，增强了剧情的层次与现代审美质感。这种多门类艺术的交融互渗，既彰显出民族歌剧的本土化探索，也赋予经典文本以当代化的表达活力。
实验歌剧《原野》剧照。受访者供图
演出中，对于韩延文来说，挑战并实现了一项极为大胆的艺术构想——一人分饰“金子”与“焦母”这两个核心并且对立的角色。这就要求她在女高音与女中音两个声部间必须自如切换。这种跨声部、跨性格的双重塑造，不仅在国内歌剧舞台上实属罕见，更突破了艺术表现的边界——“金子”被塑造为追求自由与真爱的灵魂，而非浮于表面的“妖娆”标签，焦母则尽显阴险深沉，两个角色性格反差强烈、形象丰满立体，让观众完全沉浸于剧情，忘却这是一个人在演绎。
“这种创新并非对经典的颠覆，而是在尊重原作基础上的升华，是超越自我的艺术追求，努力用真情实感赋予角色永恒的生命力。”韩延文坦言，她力求以极具张力的声部切换与角色反差，实现对原作精神的深层挖掘与现代诠释。
实验歌剧《原野》剧照。受访者供图
演出的另一大亮点，是以演代教、传帮带的育人实践，韩延文与她在中国音乐学院悉心培养的优秀学生同台。她带领自己的学生，从零开始包揽了演唱、服装、道具、场务等全部工作，以三名演员撑起整台大戏，却让人物群像饱满鲜活，展现了团队凝聚力与专业素养。她坚持将课堂搬到社会舞台，让学生在真实的文化市场检验中成长，“这种‘真枪真刀’的实践教学，远比闭门造车更具价值。市场的检验是无情的，但正是这种直面观众的勇气，让学生们快速提升专业能力，也让陈震堃、解新宇等年轻演员被更多观众熟知与认可。”韩延文表示，小剧场歌剧像轻骑兵一样，更便于教学与舞台实践的相结合。小剧场也可以承载大情怀。
“表演不是技巧的堆砌，更不是刻意的设计，而是真实、真诚与真情的全然投入。当演员带着一颗真心站在舞台上，哪怕服装有瑕疵、声音偶有不完美，这些外部的缺憾都会被观众忽略，因为他们会被那份毫无保留的真情实感牢牢吸引。”在歌剧表演的舞台上，韩延文反对一味地“表面的演”，她坚信表演的核心在于“表里如一”。
这份以“真”为核心的理念，也贯穿在她的教学中，“我常告诉学生，别想着怎么‘演’出一个角色，要先去触摸角色的真实内心。演员的责任不是做表面功夫，而是在舞台上把角色的爱、恨、喜、悲真实地传递出来。因为只有真情实感，才能真正打动观众。我希望这份对‘真’的追求，能传递给每一个学歌剧的学生，让他们在舞台上走得更长远。”韩延文告诉记者，她常告诉学生，执着、纯粹、真实就是最好的表演，不用那么满、那么刻意、那么情绪化地表演，自己充满坚定感、信念感，让观众感动，这才是真正的表演价值。
三十多年来，《原野》之所以历久弥新，成为中国歌剧无可争议的经典，源于其多维度的卓越成就。该剧由作曲家金湘根据曹禺同名话剧改编，于1987年在北京首演。该剧创造性地将西方歌剧的戏剧性、交响性与中国戏曲的板式、韵白以及民间音乐素材融为一体，创造了“既东方又世界”的音乐语言。剧中“啊，我的虎子哥”等经典唱段感情炽烈、技巧艰深，已成为对中国歌剧演员全方位能力考验的“试金石”。韩延文与《原野》的结缘，可追溯至近三十年前。1997年，她主演的《原野》在欧洲巡演，让西方观众通过一部完整的中国歌剧，领略到东方戏剧美学的力量与深刻人性。
此次《原野》的演出，既是一次艺术创新的重要实践，也是一堂生动的美育公开课。韩延文将中国传统美学与歌剧艺术进行融合，为歌剧行业培养新生力量，不仅让《原野》这部经典焕发新的光彩，更助力中国歌剧的传承与发展，彰显了艺术家与教育者的双重担当。
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