攻略收藏！一次打卡三大重磅展：从卢浮宫到毕加索，再赴童心之约（附元旦获奖名单）|九城艺术|卢浮宫|毕加索|版画|素描|绘画

不得了！不得了！

新年伊始的上海，艺术氛围直接拉满！

浦东美术馆正以三场重磅级展览

搭建起跨越时空的艺术对话

更有一票通馆

连看三个艺术大展！

卢浮宫「图案的奇迹」

300件瑰宝穿越400年文明

作为卢浮宫的上海首展，也是其在中国举办的规模最大的一次展出，「图案的奇迹：卢浮宫印度、伊朗与奥斯曼的艺术杰作」直接把16-19世纪横跨亚非欧三大文明的艺术巅峰搬来了浦东！300件珍品中，既有从未公开的“沉睡文物”，也有承载着跨文明记忆的工艺杰作——它们不只是“好看的古董”，更是一部用图案写就的“亚洲艺术交流史”。

必看亮点

◇ 印度莫卧儿帝国：看贾利窗、玉石器物如何融合波斯与欧洲风格，感受“混搭美学”的精致

◇ 伊朗萨法维&卡扎尔王朝：“会说话的彩陶器”（铭诗盘、兽斗纹饰板）、融入中国青花瓷纹样的“拉斯特彩”陶瓷，还有珐琅工艺的特色水烟壶

◇ 奥斯曼帝国：绚烂的伊兹尼克陶瓷、独特的阿拉伯书法，还有不同材质的建筑装饰构件，映射出奥斯曼帝国将图案从器物延伸至建筑的美学成就

展览中无处不在的“图案”，它们不只是装饰，更是文明的语言。特别展出的两间复原陈列室，更以近乎原貌的方式，再现了奥斯曼帝国的宫廷及富裕民居一隅，为观众提供身临其境的观展体验。

毕加索「非常毕加索」

解锁世纪巨匠的艺术革命

如果说卢浮宫展是“回望过去”，这场毕加索国际巡展首站便是“对话现代”。80件来自巴黎毕加索博物馆的真迹，覆盖了毕加索从青年到晚年的所有创作阶段——它不只是“名作陈列”，而是通过当代设计师的视角，让你看懂“毕加索为何能够改写艺术史”。

作为展览主视觉之一的《阅读》（1932）展现了毕加索在玛丽–特蕾兹·瓦尔特时期的肖像语言：圆润的曲线与流动的色彩塑造出柔和却结构清晰的形象。保罗·史密斯从画中提取“条纹”元素，将其延伸至展厅墙面，使观众在空间中获得更直接的视觉体验。立体主义时期的《圣心大教堂》（1909–1910）则体现“立体主义”对现实形体的重新组织，使具体建筑在画面中介于写实与抽象之间，为观众带来这一里程碑式艺术变革的关键面貌。

儿童主题作品，如《装扮成喜剧丑角的保罗》（1924）与《与玩具卡车玩耍的孩子》（1953），则呈现了毕加索创作中柔和而富于象征的一面。毕加索一直将童年视为其创作中的核心，儿童在他的创作中既是描绘对象，也是引发形式革新的重要源泉。他借由儿童视角的天真与自由，从中提取新的线条与形体方式，寻求摆脱传统绘画规范的可能，“像孩子一样画画”成为贯穿他艺术生涯的内在愿望。

首次来华展出的标志性作品《牛头》（1942）为展览开启视觉与意义的双重入口。由自行车鞍座与车把组合而成的这件作品，是毕加索艺术变形过程的典范之作。此外，《斗牛：斗牛士之死》（1933）则体现毕加索对于斗牛的热情。画面以浓郁的色彩与定格般的动态表现关键情节，形成具有戏剧张力的画面结构。20世纪20—30年代，他围绕斗牛创作了大量绘画、素描与版画，显示出艺术家对该题材的持续兴趣。

蓝色时期代表作《男人肖像》（1902–1903）中人物被冷峻的蓝色调所包裹，画面从叙事转向对人物内心情绪的凝视。这一阶段的作品多以边缘群体为主题，往往被视为人类苦难的象征。粉色时期与早期立体主义在《女人或水手胸像》(《阿维尼翁的少女》研习稿)（1907）中获得过渡性的体现。作品粗砺的造型与原始能量源于毕加索对原住民文化、非洲与大洋洲艺术的兴趣，在大量素描、速写与构图实验中逐步确立新的体积与形体逻辑。

《草地上的午餐》系列的再创作呈现了毕加索如何在20世纪50年代重新回到艺术史经典。他围绕同一主题创作了大量绘画、素描与版画，通过姿态、构图与场景的调整解构视觉结构。陶瓷作品如《饰有大胡子农牧神头像的长盘》（1948）中，他以传统器形为基础，通过塑形、绘制与变形，使盘、壶、砖块转化为动物或神祇的面孔。不仅显示艺术家在陶艺领域的灵活和幽默，更反映其对材料和形式的不断拓展，也反哺了他同期的绘画与雕塑实践。

“非常毕加索：保罗·史密斯的新视角”以十余个主题展厅呈现了毕加索跨越半个世纪的创作轨迹，集结油画、雕塑、水彩、陶瓷、版画等多种媒介，呈现出毕加索在材料、形式与视觉语言上的持续革新。

「美普绘」少儿展

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