作者|James
如果要问全中国最具有影视创作人社群基因的公司，非新片场莫属。
这一家从2011年诞生的互联网影视公司，从微电影、网大蓬勃爆发，到短视频、MCN经济火热，直至如今AIGC浪潮涌动，新片场经历了中国影视内容创作的三次大转型。
不过，在AI超创社区这一轮竞争中，新片场并不是最早出发的那一个。Tapnow、Liblib等工具先后获得创作人关注，liblib母公司最新的估值高达20亿美元+，万兴、360等上市公司也在做画布、工作流产品。
直到今年4月，新片场才推出节点式AI画布平台Shotlab，刚一上线就依靠其生态优势吸引了大量专业导演与TVC团队，孵化出《丧尸清道夫》等爆款作品。
这让人们产生了一个疑问：它为什么不能早一点做出来？
为了探明这家14年老牌社区在AIGC方面，是不是“起个大早，赶个晚集”，娱乐资本论来到了北京东城区禄米仓胡同71号的新片场办公室。
新片场创始人兼CEO尹兴良不急于向小娱回答这个问题，而是先从回忆公司走过的一段“弯路”说起。
＃本文已采访一位相关人士，他们也是「娱乐资本论」2026年采访的第254位采访对象
先把网大和MCN清掉，才轮到做AI
如果只看外部节奏，新片场做Shotlab似乎有点儿晚了。
它一直拥有专业导演、TVC团队、素材平台和行业关系。据悉，其注册创作人突破1500万，贡献3000万条视频素材。
按常理，AI视频工具和创作人社区的结合，应该是它最早该做的事之一。
但尹兴良告诉娱乐资本论，过去一段时间，新片场很大一部分精力花在清理原有业务上：砍掉非AI的重度内容出品，合并整合短剧和MCN业务，把组织、人力和资源转向AIGC。
这解释了Shotlab为什么到今年4月才上线，也暴露出新片场过去几年最需要回答的问题：一家创作人社区，为什么曾经把自己做成了内容出品公司和MCN公司？
2015-2020年，新片场曾在网络电影和短视频红利中跑得很快。新片场影业单月分账超过2000万元，《四平青年》《鬼吹灯》系列让它成为网大头部厂牌；旗下魔力TV、造物集等品牌，也在短视频爆发期获得流量和商业回报。
谈及这段历史，尹兴良感觉，这不算是公司的“成功经验”。
“当年赚钱实在太容易了。我们拍个《鬼吹灯》，随随便便就是几千万票房分账，一年拍几部就几亿元了。钱赚得太容易，导致我们对社区商业化觉得没必要着急。但回过来看，重资产、强平台依赖的内容出品模式，对公司而言不是一个好的商业模式。”
随着时间推移，这种重度内容出品的商业模式劣势逐渐显现。他的判断是，除了院线电影可以直接To C，大量平台内容本质上仍是To B，制作公司高度依赖平台的结算效率和政策变化。一旦平台调整预算、拉长账期，制作方的成本很难同步下降。
“当年行业里于冬总说所有人都会给三平台打工，确实是这个道理。平台降本增效的时候，你的收入直接打折，但制作成本却很难变动。”尹兴良苦笑着说。
更深一层的问题，是社区的身份边界。一个创作人社区如果自己下场做内容，就可能和社区里的导演、制作团队争项目、争客户。
尹兴良对河豚君承认，最初做出品，是想带一批没拍过长片的导演完成作品，也顺便赚到钱。“但后面跑偏了，把公司做成了另外一个样子，本来要做A的事情做成了B。这不是新片场最应该赚的钱。一家创作人平台，最重要的不是自己成为最大的制作公司，而是帮助更多创作人获得作品、机会和收入。我们过去最大的战略反思，是从“自己生产内容”重新回到“服务生产内容的人”。”
这句话也是新片场重新做AI工具的前提：社区不能抢创作人的饭碗，工具和服务必须回到创作人一侧。
创作人优先：让他们获得作品、机会和收入
砍掉重度出品和MCN之后，新片场重新回到更轻的互联网业务上：社区会员和正版素材。
社区是新片场最早的业务形态，甚至早于“新片场”这个名字的诞生。2011年其前身“场库”上线时，视频行业的主战场还在消费端，优酷、土豆、新浪视频、腾讯视频、六间房等都在争取做“中国的YouTube”。而新片场选择的方向更接近Vimeo：给创作人存作品、建主页、形成职业身份。
对于自由导演与视频从业者而言，简历往往难以体现其真实创作实力，多年来积累的作品集才是其核心资产。尹兴良对娱乐资本论说：
“自由导演与影视从业者在行业里打拼十年，脑子里积累的是经验，但纸面上能呈现的所有资产就是作品集。在腾讯、字节、阿里上班的人，离职时可以写出光鲜的简历；但一个自由导演干了十年，纸面上能看到的东西全部就是他的作品集。这个东西不能丢，这是他的Everything。”
新片场最先解决的问题是，帮创作人把作品妥善存储，并呈现在行业面前。在十余年过后，这种坚守越发体现出其价值。
十几年前曾经是头部的视频网站，如今多数已经灰飞烟灭，当初用户存在上面的视频内容很多已经辗转丢失。而在新片场上，创作人的作品集一旦生成链接，始终都不会改变，导演们也不必学习一个新出现的平台怎么使用。
回顾过去十几年里同期的创作人，命运各有沉浮。叫兽易小星走向院线电影，张大鹏凭借商业广告拍出现象级短片《啥是佩奇》，肖央坚守大银幕成为实力派与百亿票房演员，而杜煜峰（东北花泽类）等早期红人与MCN签约作者，也各自经历了时代的洗礼。
他们的作品集和人脉关系都还在新片场上，可能成为了这些创作人们仅有的共同点之一。
正是从创作人，而不是从消费端出发的心态，凝炼成了公司后面的一条准则：“创作人优先”。尹兴良的说法更直接，“屁股始终坐在创作人这一侧。”
2022年起，新片场全面启动社区会员商业化。出乎外界意料的是，社区在第一年就实现了正向现金流。这还是建立在这个商业化政策十分保守克制的基础上，会员体系并没有提供竞价排名，也没有让付费者直接改变首页分发结果。会员能获得的核心权益，主要是让编辑优先审阅作品。
尹兴良说，这个设计是有意克制的。如果付费可以直接影响作品排序，社区的审核和推荐就会失去可信度。对一个以作品集为核心资产的平台来说，可信度比短期收入更重要。
即便如此，这个业务也取得了社区内部超高的付费率。数万名商业导演与TVC从业者纷纷选择购买几百至上千元不等的年度会员。原因并不复杂：如果创作人能通过新片场展示作品、获得商单、建立行业口碑，会员费就只是很小一部分成本。
尹兴良举过一个社区里的例子。一位被戏称为“法拉利男孩”的商业导演，最初通过在新片场发布作品被行业看到，之后接到大量商业广告订单。据尹兴良说，这位导演的公司业务增长很快，甚至“每年都能提一台新车”。
为了满足创作人做出更好作品的需求，新片场随后也推出了正版视频素材平台，引入海外高品质素材并建立本土创作人供稿生态，一举成长为国内顶尖的正版视频素材图库，逐步建构起面向专业创作人的商业闭环。
根据新片场2025年财报数据，包含会员费用在内的“平台订阅与增值业务”收入为 4929.37万元，占其总营收比例为 33.09%，成为性价比极高的稳健业务。
此时，他们已经准备好进入AIGC时代，创作人社区的下一个阶段。
谈Shotlab：创作平台不能只顾“便宜”
要是真的论起来，中国第一个产生重大行业影响的影视创作人网上社区，恐怕是Flash动画年代的“闪客帝国”。此后流媒体传输的清晰度逐渐提高，才让新片场成为这一时期创作人社区的代表。
进入AI时代，Tapnow、Liblib等工具之上衍生的“AI原生社区”涌现。新时代的钱，是不是只有新时代的公司才能赚到呢？尹兴良不太担心这个问题，但也不是毫无动作。
在新片场，创作人和需求方之间通过站内私信接触等方式互相匹配。基于“创作人优先”的原则，也因为早期工作重心在网大、MCN等地，新片场很长时间都没有想到要垄断这种沟通渠道，而是让他们自由配对。
与此同时，公司的历任运营员工，对其中一些头部的优秀创作人，则一直保持着良好的私人关系，构筑了一个紧密的创作人小圈子。在AI时代也是如此——爆款短片《丧尸清道夫》的作者就在新片场“安营扎寨”，还在Shotlab上公开了影片的原始画布，供同行学习。
尹兴良认为，即使别家可能“高薪挖人”，但专业商业导演不会只因为一次奖金、一个算力包或者短期曝光的短期利益迁移出去。
不过，这并不意味着新片场可以安枕无忧。恰恰相反，AI工具的出现让社区必须回答新问题：AI创作人的工作流程，主要面对画布和协作工具。如果不掌控这个环节，创作人社区还能不能继续成为让他们拿到作品和收入的地方？
Shotlab就是在这个问题下出现的。
今年4月，新片场上线Shotlab，定位是节点式AI画布创作平台，帮助创作人在同一工作空间里调用图片、视频模型，并和片场盘等在线协作工具结合，完成从创意、分镜、生成到审阅接单的过程。
但这条路并不轻松。画布类、聚合类工具已经很多：头部视频模型自己做工具，如小云雀；第三方平台有Tapnow、Liblib；360、爱奇艺等大公司也在进入。
拿什么来竞争呢？尹兴良首先排除了“更便宜”的选项。他有三层判断：
第一，模型能力不是线性进步的，而是“锯齿状进化”。
大模型的能力不均衡，如果用雷达图来表现，就可能是锯齿状的。某一模型可能在特定场景表现好，在处理其他细分需求时就不行了。
他认为优秀的开源视频基座模型的不断进化，给了有版权素材的各方一个机会，视频版权方肯定会各自训练各自的模型。“未来最强大的模型未必是单一闭源巨头。基于开源框架，结合特定数据集进行的后训练与强化训练，将成为主流，就像Android开源后孕育出各家定制系统一样。”
第二，抽卡成本其实并不是创作人最关注的问题。
专业创作人做完整项目时，很难只靠一个模型完成所有镜头，必须在多个模型之间反复尝试。我们可能很熟悉纯文字提示词在多个模型测试，而在多个视频模型同时抽卡，其实也已经是创作人的日常了。
事实上，相对于某个商业项目所获得的预算而言，专业创作人特别是超级个体，在抽卡上支出的成本只是九牛一毛。
“普通人觉得几千或上万元的抽卡成本昂贵，但对几十万甚至百万预算的专业团队而言，Token消耗成本在整个导演费用与制作预算中微乎其微，核心考量始终是最终呈现的视觉品质。”
也就是说，Shotlab要服务的是需要多模型比对、稳定调用和一站式走完整个工作流的商业导演、TVC团队、超级个体等职业创作人，对过亿播放才回个几万块钱，还覆盖不了token成本的商业模式并不合适。
第三，API调用质量和版权保护，也是中转站的核心竞争力。
尹兴良对小娱提到：
“模型聚合平台很容易陷入价格竞争，但专业创作人真正敏感的是调用质量是否稳定、模型版本是否透明。对Shotlab来说，我们宁可少赚一点，也不会通过用户不可感知的降级（降智）去换取更低的调用成本。”
由于视频模型抽卡存在比图文更大的偶然性，除了文字会花，人脸变形等明显缺陷之外，有些抽卡因较差模型而失败的例子，用户可能都没什么感知。
但随着创作人深度使用，总会发现一些模型标称和“手感”之间的微妙差异。平台能否提供货真价实的模型中转，成为其不得不考虑的问题。
另一方面，版权保护与创作伦理一直是行业关注的敏感议题。尹兴良表示，新片场始终坚守创作人优先的原则，严格划定AI工具的合法边界。社区不会利用创作人的原创作品，进行未授权的重绘或用于模型训练。14年来建立的信任关系是新片场最核心的资产。为了保护知识产权，新片场将毫不迟疑地用好法律武器。
AI影视的发展方向，要去漫剧之外寻找
过去一年，AI视频的发展让外界的关注目光过度聚焦在了AI短剧、漫剧领域，使这个行业被快速催熟，内卷严重，把实拍短剧几年走过的路，在几个月之内就走完了。
AI作图 by娱乐资本论
尹兴良对娱乐资本论指出：
“AI视频不能只用漫剧的商业模型来定义。漫剧偏向流水线生产，价值感与个人溢价较低。但只要把视角移开就会发现，以TVC（商业广告）和品牌短片为代表的精品领域，AI视频制作有着极其广阔的空间。企业并非一味追求降本增效，对呈现效果同样有高要求，对优秀的超级个体，与顶级的AI品牌短片有着庞大需求。”
随着AI逐渐成熟，也有越来越多的讨论关于AI会不会完全替代实拍，颠覆影视工业。在尹兴良看来，未来90%以上的实拍场景都有可能被AI替换。他算了一笔账。
“过去实拍行业有多大？一条商业视频发出来至少要花个百八十万元，我们平台一年上传几十万部片子，这是多大的市场。过去大家把钱花在线下拍摄上，现在AI把拍摄成本大幅压缩，线下拍摄变成了数字生产，这是一个巨大的机会。”
兴起之下，他拿起笔在白板上边写边讲，“原本新片场只在前期撮合的环节有价值，而当拍摄环节被AI重塑后，凭借自研AI创作基础设施，新片场能够打通从立项、拍摄到生成的全流程，这才是产业链里价值最大的地方。以前新片场站在作品完成之后，AI让我们第一次有机会站到作品诞生之前。”
但至少在眼下的新片场平台内，查看供求清单与作品展示，依然可以看到大量不需要或者不能使用AI的场景，例如政企宣传片实拍、线下活动纪录等G端业务。
尹兴良认为，使用“古法泡制”TVC的导演们，暂时不用担心自己的工作会被替代，但改变也确实在发生。当AI使得实拍成本降低时，行业平均水平的预算金额会有下降，平台上活跃的头部用户，可能从此前高价的实拍影片编导，转为可以接受较低预算的AI导演。但不论市场如何变化，他们的交易撮合仍然是在新片场上完成。
如今AI视频创作人，特别是所谓“超级个体”可能来自三个不同的背景，即首先知道模型用法，并从技术入手的“极客”；知道影视作品底层逻辑，现学技术的影视专业从业者，以及数量众多的普通爱好者。
这三种人中，技术精英很可能做出画面好但缺乏故事性的炫技作品，普通爱好者水准参差不齐，很难持续输出。可以说，传统创作能力依然是目前AI视频出精品的刚需。
这种行业共识也和尹兴良的观点不谋而合：
“工具和技术永远是为创作表达服务的，没有任何一个好作品是因为工具更好而产生的，创作的核心在于眼界与审美。广告主与客户在寻找合作伙伴时，核心需求并非寻找单纯掌握相机的技术人员，能用高级审美理解品牌诉求、讲出动人故事的创作人才是行业真正稀缺的资源。
AI视频过去两年解决的主要问题，是‘能不能生成’。接下来真正的问题会变成‘能不能生成好作品’。
当模型能力逐渐变成基础设施之后，决定作品上限的，会重新回到导演能力、审美、叙事和表达。这个恰恰是新片场过去14年一直在服务的人。”
在轻装上阵，砍掉网大和MCN业务后，尹兴良对自身要开展哪些业务的原则已经非常清晰，就是落在“创作人优先”这一点上。
“过去14年，新片场做的事情是让一个创作人因为自己的作品被看见。AI时代，我们希望往前再走一步，不仅让作品被看见，也让更多原本没有机会完成的作品，被真正做出来。
工具会不断变化，模型也会不断变化，但新片场始终只做一件事：让好的创作人，有机会做出更好的作品。这也是我们做Shotlab的原因。”
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