封面新闻记者 张峥 实习生 王思远
从2022年春晚那抹惊艳世界的“青绿”，到今年虚实相生的“十二花神”，春晚舞台凭借极致的中式美学与美轮美奂的呈现，不仅让观众惊叹于文化与科技的融合，更引发了对舞台美术设计专业的好奇。
2月28日，封面新闻记者对话著名舞美灯光设计师、北京舞蹈学院舞台美术系主任任冬生。作为《只此青绿》《咏春》《永不消逝的电波》及《对话•寓言2047》等现象级剧目背后的视觉缔造者，任冬生讲述了舞台美术设计背后的“科技密码”与“人文初心”。
《贺花神》
毫米级的精密编排 十二花神虚实共生
今年春晚封神之作《贺花神》，让故宫白玉月令组佩在舞台上“活”了过来。十二位演员化身月令花神，人花相映，诗舞共生，每一帧都是东方美学的极致浪漫。任冬生指出，电视观众看到的繁花交互、花瓣飘落等震撼效果，是二十多个机位实时互动与后期叠加的成果。“现场观众更多是靠演员的表演带入情境，而电视观众则通过技术手段获得了更丰富的视觉体验。”这种“虚实融合”对现场协调提出了极高要求，需要导演、摄影与技控团队在前期进行毫米级的精密编排，才能在直播中呈现天衣无缝的视觉盛宴。
节奏带“呼吸感” 演绎宋韵画卷
谈到登上春晚的现象级作品《只此青绿》，任冬生告诉封面新闻记者，为了在舞台上还原这幅名作意境，团队设计了四层同心圆转台与空中三片弧形装置，共同构建出“卷轴”般的视觉核心。通过精准的数控系统，机械转台与演员的调度、灯光的色温变化实现了这种带有“呼吸感”的节奏性演绎，他特别强调，舞台上的光色摒弃了现代化学合成的纯色，转而追寻宋代绘画中独特的“设色”理念——那不仅只是眼睛看到的山水，更是画家心中的意象青绿。“每一帧画面都要像静止的古画，层层叠叠的光影与服装色调相互渗透，才能呈现出那种深邃的宋韵。”
《只此青绿》
任冬生认为，不同题材的舞美逻辑截然不同：古典剧目重在“渲染”意境，光色需含蓄渗透；而科幻题材则重在“清晰”地展现人与科技共生的一种畅想，通过机械臂、矩阵全息影像等技术，营造出一种切割感和未来感，并试图在冷峻的机械感中寻找人性的温度。
驾驭AI 让舞台设计师突破局限
“我们现在所有的舞台技术，都是随着科技进步一路成长而来的。”任冬生直言，科技只是手段，它能改变舞台，但是并不能改变创作，当代舞美创新更依赖创作者的观念和审美更新而非单纯的技术堆砌。“无论形式如何变化，核心始终是人文思想的传递。”
面对AI技术的浪潮，任冬生保持着清醒与开放。在他看来，AI更像是拥有海量数据的“超级助手”和资料库，能在素材采集和方案探索阶段提供成千上万种可能性，帮助设计师突破人脑局限，但最终的“选择性”和“判断力”依然掌握在人手中。“AI无法替代人类的创造力与审美判断，创新性在于你的大脑，是你带着目的去驾驭AI，而不是被算法牵着走。”
剧场可能成为人类躲避“数字风暴”的港湾
作为教育者，任冬生在教学中更注重培养学生的“审美感知力”而非单纯的技术操作。“审美是教不了的，需要通过阅读文学、观察生活、跨界吸收来慢慢滋养。”
对于舞美未来的发展，任冬生有着冷静而深刻的认识：即便未来VR、脑机接口等技术能根据指令自动生成个性化的戏剧，但那种“面对面”的交流依然是技术无法取代的。“技术强大后，剧场反而会成为人类最希望躲避数字风暴的港湾——就像如今，比起流水线上的工业品，人们更珍惜手工制品一样。”
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