2026年3月，由中国文联、江西省委宣传部指导，中国美术家协会、景德镇市委宣传部主办的“青年伙伴计划”新时代青年美术人才培养项目——首届“陶瓷100”作品进京展在北京宋庄上上国际美术馆举办，展览汇聚了百位青年创作者的思考与实践。这不仅是一次作品展示，更是国家层面对于陶瓷艺术人才梯队建设的系统性回应。在景德镇千年窑火延续的背景下，此项目的实施标志着陶瓷艺术与设计的发展正紧扣时代脉搏：既回应社会对高品质精神文化生活的期待，也契合行业转型升级的内在需求，推动该领域迈向更加开放、多元且具有战略高度的新阶段。
项目缘起
在文化战略中定位青年力量
“陶瓷100”项目的设立填补了以往国家级美术人才培养项目中陶瓷专项的空白。项目自2023年策划筹备，2024年7月正式开班，历时一年半，其核心定位在于培养“陶瓷创作的艺术性”与“陶瓷产业的创新性”相结合的人才队伍。
这一目标的设定，源于对当下陶瓷生态的观察。中国陶瓷在技艺和历史资源上积淀深厚，但在当代文化表达与国际学术话语权上，仍面临诸多挑战。如何让古老的陶瓷语言在当代语境中焕发新生，如何让青年人才既深植传统又面向未来，“陶瓷100”项目试图通过资源整合、定向培养、孵化优化的机制，提供多种可能性。
项目的目标明确而务实：一方面，通过系统化的教学与指导，提升青年陶瓷从业者的专业素养与创新能力；另一方面，搭建人才与产业、创作、市场的对接桥梁，推动陶瓷文化的创造性转化、创新性发展。在这一过程中，青年不再是被动接受知识的客体，而是成为主动参与文化建构的主体。他们带着各自的知识背景与实践经验汇聚于此，在交流与碰撞中寻找属于自己的艺术路径。
板块构建
三维并举的复合型培养体系
“陶瓷100”项目在课程设置与培养方向上，展现了极强的针对性与包容性。项目组兼顾艺术的专业性与社会的服务性，根据不同背景学员的成长需求，构建了三大专题方向：陶瓷形态塑造、陶瓷装饰绘画、陶瓷艺术设计。项目遴选了来自全国各地的100名优秀学员，身份多元，涵盖高校艺术类教师、博士、硕士、独立艺术家，也有企业设计师、传统工艺传承人。
陶瓷形态塑造板块，侧重于对物质性与材料语言、空间结构与体量关系、科技赋能与工艺逻辑、艺术思想与文化语义的深度研习。在吕品昌教授等导师的引领下，学员们致力于突破常规工艺技法的局限，将当代艺术思想、前沿材料理念与科技媒介融入创作，以开放的创作语言与创作方式，重构材料、技术、空间体量、身体感知与艺术经验之间的多维对话。这种对艺术形态的再认识与再创造，拓展了陶瓷艺术的表达维度。
陶瓷装饰绘画板块，聚焦于多元绘画艺术、工艺材料语言以及文化语义与艺术观念的融合。在白明教授等专家的引领下，学员们尝试打破画种界限：一方面，涉猎国画、油画、版画、漆画及综合材料绘画等不同艺术门类的精髓；另一方面，深入研习青花、粉彩、颜色釉等传统陶瓷装饰技法。在此过程中，陶瓷装饰绘画演变为一个独立的艺术表达系统。承载着对绘画语言重构、工艺技法革新、色彩肌理探索以及文化观念转译的理解。
陶瓷艺术设计板块，着力于打通从创意设计到产业应用的完整链条。在黄春茂教授等导师的推动下，学员们将视野拓展至日用陶瓷、品牌构建、市场推广及文化习俗等多元维度。他们深入探究生活方式演变、当代生活美学、居住空间形态与设计理念的内在关联，秉持“以人为本”的设计核心，探索兼具解决问题能力与情感共鸣价值的日用陶瓷设计。力求在实用效能与审美价值、设计理性与艺术感性之间寻求平衡。
三大板块相互交融、互为滋养。这种立体化的培养模式，不仅夯实了陶瓷技艺的根基、激活了思想观念的创新活力，也促进了学科间的交流，为跨界融合创作提供了空间，有助于构建一个技艺精湛、思维活跃、视野开放的陶瓷艺术生态。
学术突破
从技艺传承到多维生态的当代营造
纵观“陶瓷100”展出的作品，引人注目的不仅是单件作品的完成度，更是整体呈现出的学术趋向与创作思想。这些作品显示出，青年创作者已不再满足于单一维度的技艺打磨，而是致力于构建一个集观念、科技、人文、生活与传统于一体的多维艺术生态。
▶ 本体语言再拓展 自觉与连接
“陶瓷100”展览折射出青年创作者观念层面的渐进式转变。部分作品在本体语言的探索上，不仅呈现“由术入艺”的自然转化，同时兼具观念的思考与表达。学员们开始将视角投向身份认同、生态关系等现实议题，试图以陶瓷语言回应时代关切。
谭丹武的《青》系列以泥片成型，在窑火煅烧中完成最终蜕变，其巧妙贯通青草的自然意趣与青花的千年文脉，在平凡中礼赞蓬勃生机；韩泽超的《策高足2》则通过泥土表面的肌理实验，让斑驳痕迹承载历史与情感的共生，在物质特性与内在思考之间寻找连接点；李婳的《汐时NO.2》系列则将纤维泥土的运用拓展至新的维度，顺应泥与火的物性，与泥土与窑火共创，探索技术与世界、身体与材料、行动与情境之间的深刻关联；曹振江的《墨序》运用黑陶渗碳工艺，呈现出深邃的墨玉质感，在理性网格中营造建筑般的秩序之美；徐青的《秩序与重构·线》尝试以毛线蘸取青花料作画，试图达到人为与天成的艺术效果，拓宽了陶瓷绘画创作的路径；钱麒光的《界域共生》以页岩按压陶泥，模拟礁石风化痕迹，借亚光釉色与嶙峋肌理的对比，探讨人与自然边界的共生可能；亢云姝的《虚室》利用开片与结晶釉面构建视觉隔膜，摹写记忆的模糊与流动；王军的《破碎与修持》借高温熏烧留下的残缺与灰烬意象，隐喻创伤与修复的过程，引发对当下情境的静默觉察。
▶ 与综合媒材共创 打破与融合
当代陶瓷艺术的演进，正促使陶瓷材料与综合媒材的共创走向深入。本次展览中，跨材质实验成为探索的重要路径。谭斌的《经纬筑石》系列以陶瓷与金属丝网层叠，在工业感与传统文人山石“瘦、皱、漏、透”的美学之间寻找平衡，隐喻精神世界的独立；于名涛的《对话》巧妙运用木质榫卯与金属锔瓷工艺，连接陶土与玻璃材料之间的对话，构建物质与精神的共生场域；于嘉豪的《沉寂的时间》则在瓷板画中融入大漆材料，描绘海浪流动的波纹，呈现材质间的微妙张力；此外，桂明的《西园闻流—穹》以陶土与不锈钢构建结构空间，融入音乐与舞蹈，从视觉、听觉多维角度营造可进入的沉浸式场域，进一步突破了静态展示的局限，拓宽了陶艺感知的边界。
这些尝试并非为了炫技，而是学员们在尊重传统工艺逻辑的基础上，对物质属性的深刻理解与重新诠释，这种老手艺的新表达，不仅丰富了陶瓷的艺术语言，更使其在多元文化的语境中展现出包容与开放的生命力，实现了从单一“泥火艺术”向综合媒介艺术的渐进式转型。
▶ 与数智技术共生 交互与演进
在科技浪潮的推动下，本次展览呈现出传统泥火与数字及数智技术共生的新景观。这种结合并非单纯的技术叠加，而是一场深刻的交互演进。展览中，多位学员的作品生动诠释了科技的进阶之路。陈卓的《爱的诗学》利用3D扫描及数控切割打磨技术，使玉石完美嵌入烧成的陶瓷表面，实现了异质材料的精密结合；王俊远的《星河》通过ZBrush建模，采用3D分段打印制作模种，作品成瓷后内置程序化LED灯光，深入探讨“线性”与“空间”的光影媒介关系；蒋汐的《游园》茶具系列运用3Ds max、Zbrush建模，Keyshot渲染，3D打印作品的模种及茶具金属组件，以 “一器一景，方寸园林”呈现林泉之致；韦静静的《重构的青花辞典》尝试训练LoRA模型生成设计，借助腾讯混元3D实现AI建模，并利用Stable Diffusion制作展示视频中的粒子效果，展现了人工智能在创意生成阶段的决策力；李长亮 《迹用·日用》则以自己手工陶瓷器皿图像为算力基础，利用Midjourney生成多元形态，经筛选后进行3D建模与打印，实现了从“人工经验”到“人机共创”的范式转变。
此外，科技赋能还推动了环保可持续理念的落地。王健的《循环的尘土》项目构建了“废瓷重生”的闭环系统，融合现代材料科学将废弃瓷器转化为高纯度再生原料。这一实践不仅缓解了矿产开采与固废压力，更将陶瓷创作延伸为融合环保科技与社会责任的平台。
▶ 时代共鸣 宏大叙事与微观书写
本次展览的一个特点，在于青年艺术家除了关注宏大叙事命题，也关注从个体微观视角切入，以“大主题、小切口”的策略，赋予作品鲜活的温度。黄山的《文明∙一带一路》采用泥片成型手法，卷塑出丝绸之路沿线关键的文明“符号”；董琳的《百鸟朝华》以写实捏塑浮雕、高温釉下彩及电镀瓷釉技艺，塑造出层叠交织的牡丹、竹石、兰草与神形兼备的百鸟，构建出“鸟栖花间、景随器转”的立体文人画卷；王国栋的《漫长的告白》利用白瓷三角形元素塑造亲人的身体局部，试图在碎片中重建相伴的日常，寄托深切的怀念；张春的《侨亚美苑》则将租赁居所的细节用泥土一一拓印，使之成为一面映照当代普通人生存状态的镜子，引发对生活本质的深刻反思。
这种创作路径表明，在国家叙事的宏大背景下，个体的独特观察与情感体验同样具有震撼人心的力量。青年艺术家将个人命运融入时代洪流，用细腻的笔触书写出新时代中国故事最生动的注脚。
▶ 关系重塑 以人为本与日常回归
在设计领域，本次展览呈现出一种向生活本质的理性回归：重塑器用关系，深度融入日常。青年设计师们深入研究当代人的生活方式、居住空间、行为习惯乃至人体工学，将设计的焦点牢牢聚焦在“具体的人”身上。
李楷的《老奶奶餐具》系列，通过低饱和度、高反差的复古色系和哑光质感，重现祖母珍藏一生的那份温暖与故事感，以怀旧的中国风餐具唤醒人们对时光与亲情的记忆；罗爽的《羽毛球手冲咖啡》系列则是针对年轻的咖啡爱好者，以羽毛球为灵感，设计出兼具专业性能与趣味探索的滤杯和感官杯，丰富了大众的咖啡日常；梅琳玉的《叠级》茶咖套组捕捉人们对饮品的多元复合需求，将建筑空间的构筑语言引入日常造物，以“空间”概念重新定义当代饮用器具。王宇哲的《渐彩杯》是一组淡粉色饮器，其以简洁、饱满且富有弹性的线条构成，通过色彩、质感和造型本身传递生活的温暖与青春的活力，精准回应了当下个体对生活审美的本质需求。
这些作品清晰地表明，当代陶瓷设计正从单纯的视觉审美转向对“人”的深度关怀。设计师们通过对器物功能的深耕与情感价值的注入，重塑了器与用的关系，让陶瓷设计在平凡的日常生活中焕发出新的生命力。
▶ 东方美学重构 文化基因与当代转译
本次展览的另一重要学术价值，在于青年艺术家和设计师们成功完成了传统文化基因向当代艺术与设计语言的创造性转化，创作者们不再满足于对龙凤、牡丹等传统符号的表层挪用，而是深入挖掘这些深层的文化基因并提炼出来，转化为符合当代审美的艺术与设计语言，构建起一套具有主体性的东方当代美学体系。
展览中的多件作品生动诠释了这一美学重构的路径：滕道洋的《三彩》系列以北齐壁画中沉淀千年的经典色彩体系为灵感，将传统釉上三彩工艺进行当代转译，以当代人的视角重新诠释北齐壁画的精神气韵；麻汇源的《M瓷—M器之九十五》采用高温窑变颜色釉，在窑炉烧造的必然与偶然之间，以色彩、质感和构图布局传递出一种清雅、冷逸、静谧的东方文人气质；齐琼琼的《生肖·序》紫砂茶具，以十二生肖为原型，每把茶壶既保留了中国传统器型的独特气息，又精准捕捉了生肖动物的性格特征，在传统器型与文化内涵之间找到了完美的平衡点；王勇的《游—希望田野》系列涵盖咖啡与烈酒器具，以庄子哲学思想为精神内核，对元代青花经典的鱼藻纹进行当代化解构，赋予了作品深厚的传统精神内核与现代生活的鲜活形态；吴维娜的《卮间》手冲咖啡器皿将古代用于盛酒的“卮”，从其原有的历史语境和实用功能中剥离出来，循“器物新生·古今共饮”之径；邹琳《玲珑宋宴和合美满》宴会瓷传承宋代极简美学精神，保留了宋代青瓷最具特点的符号与工艺，又从实用的角度做了克制的设计，既保留了经典特色，又符合当下使用和适用需求，完美诠释了东方美学精神。
这六大突破共同构成了一个生机勃勃、多元共融的当代陶瓷生态。在这个生态中，传统与现代告别了二元对立，转而相互滋养；科技与人文打破了彼此疏离，实现深度共生。青年艺术家与设计师们正以开放的姿态、敏锐的触觉和深厚的文化底蕴，推动着中国陶瓷艺术从“技艺传承”迈向“范式重构”的新阶段。
时代意义
为文化发展注入青年动能
从文化传承的角度看，“陶瓷100”项目为中华优秀传统文化的创造性转化、创新性发展提供了鲜活样本。它通过引导青年人才在尊重传统的基础上进行创新探索，让古老的陶瓷语言在当代语境中获得了新的生命力。这种传承不是静态的保存，而是动态的演进，是在活态实践中实现文化的延续与更新。
从产业发展的角度看，该项目为陶瓷行业的转型升级注入了创新动力。它通过产教融合的模式，将设计教育、实践与产业需求紧密结合，在设计中考虑生产成本、美观适用、使用人群、使用场景与品牌理念与市场预测，为陶瓷产品的附加值提升与品牌建设提供了智力支持，推动了中国日用陶瓷设计的发展和设计观念体系的构建，有助于完善陶瓷生态，促进其均衡发展。
从人才建设的角度看，“陶瓷100”项目通过国家级项目的运作，整合了政策、资金、师资、场地等多方资源，为青年人才提供了系统化的培养路径与展示机会。这种机制化的扶持，不仅有助于个体的快速成长，更有助于形成人才辈出的生动局面，为美术界提供坚实的人才支撑。
从国际传播的角度看，“陶瓷100”项目通过培养具有国际视野的青年创作者，推动中国陶瓷艺术以更当代、更多元、更有生命力的面貌走向世界，让世界看到我们不仅有历史悠久的陶瓷文化艺术，更有充满生命力和创造力的当代陶瓷文化艺术，有助于提升中国文化的国际影响力与话语权。
首届“陶瓷100”项目的圆满结项与进京展览的成功举办，标志着一个阶段的结束，更预示着新征程的开始。在开幕式上，二期项目的正式启动，表明这一人才培养工程将进入成熟的机制化、深度化的发展阶段。“陶瓷100”项目最终留下的应是一种新的文化思想、一个可持续发展的生态系统、一套能孕育下一代接棒人的健康机制。窑火生生不息，传承未有穷期。
（吕品昌为景德镇陶瓷大学教授，李婳为景德镇陶瓷大学副教授）
2026年4月26日《中国文化报》
第2版刊发特别报道
《赣鄱大地涌动阅读春潮》
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