随着网络社交的不断发展，人与人之间的了解与认识，越来越寻求节省时间的捷径。我们的注意力也自然的倾向于采用最快捷的信息收集方式“朋友圈”。在朋友圈中，图像与文字丰富了彼此的了解，创造了一个关系发展的转折点。

朋友圈中人人都是摄影师

一张照片胜过一次文字交谈，一条高质量的朋友圈迎来的不仅仅是好友的点赞，还有对个人看法与认知的刷新。我们每个人都越来越注意着自己在他人眼中的形象，所以“晒图”似乎成为了一种展现自己的绝佳方式。电商摄影使用特定技术，以有吸引力的方式展示产品，并吸引潜在买家购买。其实，这与我们并没有太大的差别，图像代表了他人的感知，灌输信息并让人进一步关注，所以朋友圈中的每个人都在不停的展现着自己。并且随着数码设备的迭代与更新，手机已经具备拍摄出高质量的图像的能力，朋友圈中也跳出了越来也多的“摄影师”。

我们也不由得拷问自己：这些会拍照的“摄影师”，与摄影有什么差别。虽然，器材不是衡量摄影的标准，但正确的使用工具和技术，也未必真的理解摄影。我们发现“拍照”与“摄影”的界限，变得越来越朦胧。在本文我们将从摄影的基本理论讲起，通过一些常规的手法提升您的拍摄技术，同时将这一概念迈进一个新的维度。并且以此为基础，深入的探讨什么才是摄影？

内容层面：摄影的灵魂“视觉叙事”

每个人都喜欢听故事，因为故事是唤起情感的最佳方式。故事可以让我们兴奋，大笑，哭泣或对别人感同身受，这也是视觉叙事在摄影中如此重要的原因。合理的应用视觉叙事才能够支持照片作为艺术的呈现，而不是照片记录某些东西。

练习唤起情绪的能力：

如果“故事”是“句子”，那么“情绪”就是“单词”。因此，在我们深入研究创造视觉故事的能力之前，让我们首先尝试在我们的图像中唤起情绪。

我们可以从基本情绪开始，如尝试唤起快乐，这并不像想象中的那么困难。丰收满载而归，嘈杂的城镇或忙碌的工作，这三个场景都能够唤起特定的情绪，那么哪个唤起的快乐？一定是满载而归的场景。另外，为了在人像摄影中唤起快乐，我们通常会拍摄微笑的自拍或者拍摄某人对你的微笑。尝试跳出框框思考并发挥创意，你能用一个物体或一个抽象的形象唤起快乐或其他的情绪吗？

制作自己独特的视觉观点：

你为什么摄影？你想展现什么？这个问题我认为是我们每个人必须考虑的问题，你应该深入的问自己：定格这一时刻会获得到什么？这个问题的答案将帮助您了解您在这个视觉世界中的独特观点。摄影不仅仅是关于正确的光圈，镜头清晰度或相机设置，还包括其他更重要的元素。

当然我们的照片中存在“情绪”和“观点”，就足以创建一个有故事有灵魂的画面，才能够让观众知道我们所要表达什么，而不是仅仅拍摄一个场景。当我们理解了如何创建一个有意义的图像，其余的问题才是需要技术层面解决的。

技术层面：构图决定着视觉重心

首先，“构图”描述的是一个画面中主体相对于各元素的位置。好的构图需要良好的平衡，保所有的元素都是你想要传递的想法或故事所必需的。既然我们已经知道了“构图”一词的一般定义，就不难理解它在摄影中的应用了。简而言之，组合一个图像意味着以最适合您拍摄的核心思想或目标的方式在其中安排元素，并相应的引导观众，将视觉重心放置在被摄主体上。

我们可以通过实际移动对象或主题来完成元素的排列，比如人像和静物摄影就是很好的例子。另一种排列元素的方法是改变你自己的位置，这种方法适用于不允许摄影师实际移动任何画面元素的情况，比如风景摄影。

我们可以根据拍摄对象，定位相机的焦距和光圈以及角度来影响构图。也可以使用简单的形状，色调，阴影，高光，纹理等元素强化构图。对于构图的好坏并没有明确的区分，构图是一个非常自然的过程，有些人与生俱来就有着较强的审美，通过潜意识就可以得到不错的拍摄效果。但是对于大多数人，仍然需要通过一些技术手段来实现，这种技术手段我们称之为“构图规则”。

构图的根基：封闭式与开放式构图

我们已经明白了什么是构图，那么下一步就是理解构图的根基（理论依据）。通常情况下，我们所说的所有构图方式或规则，都是由两种构图理论所衍生的，他们分别是：封闭式构图与开放式构图。

什么是封闭式构图？

封闭式构图所有元素都整齐地排列在画面内，图像元素不会将观众的视线或思维转移到构图以外的部分。换句话说，在这种构图中主体或物体与画面的其他部分清晰地区分开来，并能立即吸引你的注意力。所有其他的元素都有助于将观众的视线引向所述的主题或对象，而不是照片以外的内容。这样的构图通常会产生一个静态的、一致的、稳定的图像，让人感觉完整整和平静。

什么是开放构图？

正如你可能已经猜到的，开放式构图与封闭式构图正好相反。封闭式构图往往是静态的主题，具有稳定性和一致性，而开放式构图则是动态的。当然，这并不是说，如果你有一张人像照片，你的拍摄对象在移动，而是通过不同的方式获得的运动感。照片只需通过一些特定的手法，让观众的思维从一个主题的关注，转移至构图以外的元素，图像就可以被认为是开放构图。在使用开放式构图的照片中，图像的元素向边缘流动，似乎超出了边缘。同样重要的是缺少框架和约束。这样的图片将观众吸引到图片的内部，使人们很容易在大脑中去自然的想象这张特定照片的物理边缘之外发生了什么。

我们需要明白，几乎所有的构图方式，都建立在这两种构图类型的基础上。换句话说，我们在通过任何构图规则进行构图之前，确立你的构图类型是正确使用构图规则或技术的理论基础。在下文对构图规则的解析中，我们会深入的理解这个概念。

常见构图规则#1：区域划分

早在许多年前，摄影大师们就已经认识到，我们可以通过一些特定的规则来提升构图。比如一个简单的比例2:1，就可以更好的排列画面中的元素。例如，一幅图中有三分之二的暖色和三分之一的冷色，或者三分之一的陆地和三分之二的天空，看起来会更加协调。这种规则也就是我们常说的三分法。

大多数相机都提供在取景器中显示九宫格来划分这些区域的选项，这将有助于平衡您的图像。您可以发挥您的想象力，通过这一方式来实现更多趣味性的构图。我们不仅仅可以在风光摄影中划分场景元素的比例，也可以在拍摄静物与人像时，将主体的关键部分放在线条交叉的位置，它们会看起来更具“占主导地位”。

对于区域的划分规则，三分法仅仅是其中相对容易理解的一种，我们还有黄金分割比例和黄金三角以及螺旋线等更加复杂的划分规则，但是他们的原理与应用大体相同，我们在文中就不逐一论述了。

常见构图规则#2：视觉引导

视觉引导在实际的拍摄中应用非常广泛。可以帮助我们快速的根据图像中不同元素的位置，确立他们的主导与从属的关系。

要使一个主题占主导地位，我们可以使它更明亮，更大，或更温暖的颜色。或者，您可以让图像中的其他对象指向它！后者就是引导线应用的主要原理。尝试找到将引导观众的眼睛穿过图像或朝向照片主体收敛的线条。例如由铁轨或桥的护栏制成的线条，可以自然地将观众的眼睛从前景吸引到背景中，使照片具有深度和距离感。当然对角线构图也是如此，对角线可以使图像看起来更具戏剧性，甚至可以传达运动感。我们也可以理解为对角线构图是引导线的衍生。

正如文章中我们所说的，在应用任何构图技术或规则之前，确立你的构图类型是非常重要的，因为这决定着引导线的指向。在封闭式构图中，引导线通常以一种聚合线的方式存在，将视觉重心引导至主体。但是在开放式构图中，着恰恰相反，引导线通常会将视觉重心引导至图像以外，从而让观众产生更多的联想。

常见构图规则#3：视觉平衡

视觉平衡是摄影中的一种构图规则，它将元素并置在一个框架内，使得这些元素具有相同的视觉权重。在摄影中，我们通常会注意到两种主要的平视觉平衡类型：正式平衡与非正式平衡。在本文中我们将讨论它们之间的区别以及它们如何影响您的拍摄。

正式平衡也可以为对称平衡。我们所要做的就是对镜头进行构图，使得一个或多个相同或类似的主题以特定的方式重复对称。在正式的平衡的应用中，人像可以大大受益，在画面中间构图以拍摄人像有助于减少背景可能包含的任何视觉干扰。用这种方式构图是一种安全的选择，当我们拍摄建筑时，正式平衡会更加受用，因为大多数建筑本身就是对称的设计。

非正式平衡在摄影中不那么明显，需要更多的关注。这是一个难以具体说明的概念，因为它可以通过多种方式实现。简单地说，当不同的元素在画面的每一侧相互平衡时，就会产生非正式的平衡。每个元素的大小以及距离和形态可能是无关紧要的，重要的是元素在我们眼中的视觉权重。

常见构图规则#4：空间规则

这条规则包含了两个非常相似的概念：负空间和隐含的运动。如果需要将空间规则以一种形象化的方法进行理解，那就把我们的构图想象成一个盒子，把主体想象成要放进盒子里的东西。为了让观众感到舒服，我们需要一个更大的盒子，让观众产生一些视觉上的自由与放松的空间，这种空间我们称之为负空间。

“隐含动作”意味着，如果你的对象在运动，呈现一种动态的视觉效果，你需要给她一些特定的空间，使其产生视觉叙事告诉我们它在进入或离开该空间，这一概念需要我们确立图像的构图方式。如果我们是封闭式构图，显然我们需要将所有的元素从该构图内全部展现，即隐含的运动告诉我们，主体是进入空间，在运动的前方应该预留大量的空间。如果是开放式构图，反之亦然，在后方留有大量空间，产生的视觉叙事为主体离开空间，从而引出构图之外的冥想。比如主体接下来会去哪里，运动的方向在构图之外还有什么？

技术层面：摄影是一门用光的艺术

摄影作为一种视觉艺术，当我们听到或读到关于“光”的参考文献时，我们可能会问，“这到底意味着什么?”视觉艺术家可以详尽地谈论光，但对于“好光”或“坏光”究竟由什么构成，却很难达成共识。其实对于不同的摄影师来说，光的质量有着不同的概念，并且在不同的阶段可能也有不同的意义。在照片的创作中，我们需要考虑到两个相互关联的特性：方向性和色温，来处理光的质量。

解析光的方向性：

光线的方向性决定了场景中的“阴影”和“对比”以及“纹理”的质量。反过来，阴影在场景中创造深度、形状和维度，也可能赋予照片一种特殊的情绪。并且，阴影和对比度是人类思维在三维空间中对形状和深度感知的必要视觉提示。摄影师使用光的方向来创建照片的方式，对于创建图像的整体情感影响是必不可少的。

侧光：

这是我最喜欢的光线方向，因为它的单向性可以精美地创造诱人的阴影，纹理和形状，并为场景赋予三维性和情绪。侧面照明是指照相机大约90度落在拍摄对象上的光线。这意味着主体的一侧将被点亮而另一侧将处于阴影中。在帮助传达主体的形状和形式方面，这是理想的。在三个方向中，侧面照明产生最强烈的感觉，即主体具有三个维度。但总有一个问题。这种情况下的问题是对比，侧面照明不能均匀照亮您的拍摄对象。

逆光：

接下来，我们要讨论的是逆光，它还擅长在特殊情况下显示纹理和创建带有附加属性的形状和维度。当光源位于拍摄对象照射的物体后面时会引起逆光。如果您的主体遮挡了光源，并且您曝光的是背景而不是您的主体，结果将是一个轮廓，这中种效果也就是我们常说的剪影。如果您的主体形状的展现力很强，这会产生一个非常不错的效果。

顺光：

在我所研究过的所有光的特性中，这是我最不喜欢的。虽然它有一个较大的优势，可以均匀照亮您的拍摄对象，让测光非常简单。但如上面的示例所看到的，光线的方向性（来自镜头后面）有效地“隐藏”了各个元素的阴影，这对于摄影师来说，顺光剥夺了一个场景的形状，深度和纹理，这反过来导致一个平面的图像。

解析光的温度：

除了光的方向性，色温也作为一种光的质量，在彩色摄影的可视化过程中起着重要的作用。毫无疑问，许多初学摄影的人已经开始欣赏和享受一个场景的相对温暖或凉爽，是如何潜在地赋予照片一种特殊的情绪和情感的。

色温是光的一个有趣的物理性质，它定义了辐射源的温度和光源发出的光的颜色之间的关系。在彩色数码摄影中，光的色温常常与白平衡原理同义。简而言之，数码摄影中的白平衡意味着调整颜色，使图像看起来更自然。我们经历了调整颜色以主要摆脱色偏的过程，以便将图片与我们拍摄时所看到的相匹配。

光源与色温的处理：

因为大多数光源（自然光与人造光）不会发出纯白色的光，通常具有一定的“色温”。人脑处理来自我们眼睛的信息并自动调节色温，因此我们通常可以正确地看到颜色。如果你拿一张白纸在外面看，它很可能看起来像在室内看它一样白。然而，大多数人没有意识到的是，明亮的阳光和室内钨丝灯之间的色温存在巨大差异。虽然我们的大脑可以自动处理色温，但数码相机只能通过观察环境光来调节不同的白平衡。

在大多数情况下，现代数码相机可以很好地调节。但是，在某些情况下它也会出错。由于这些错误，一些图片可能看起来是带蓝色或黄色，并使肤色可能看起来不自然。

色温及其测量：

如上所述，不同的光源具有不同的色温。这些色温以开尔文为单位，您最常见的是“5,500K”，这是典型的日光。请查看以上示例图表，其中显示了近似的开尔文颜色和值。

在相机中使用自动白平衡时，结果将根据您拍摄的光线条件而有所不同。例如，如果您在白天拍摄，照片的白平衡通常看起来正确。但是，混合照明确实会给白平衡带来麻烦。因此，在这种情况下，您可能需要在相机上或后处理过程中手动设置正确的白平衡。色温是一个高度个性化的决定，取决于摄影师的艺术视野和创作照片的目标。

光是摄影师将艺术视觉转化为照片的最有用的工具。光的质量可以用不同的方式描述，并具有不同的意义。结合光的方向性和色温，实际上塑造了图像在人的眼睛中的可视化方式，并转化为物理图像。对于所有场景，所有摄影师都没有理想的光线质量。这完全取决于摄影师希望构建和传达的内容。

结语

如果我们掌握了这三个变量：主题、构图、光线。我们就掌握了摄影中最重要的部分：拍摄而不是记录。

好的照片会在深层次上与我们产生共鸣。主题创造强烈的情感，构图给予良好的展现，光线补充你的故事。虽然这是一篇长文，但也仅仅是粗略地介绍了一下。事实上，无论你对这些话题研究多少，摄影都是一个无边无际的海洋。没有“最后一点”能让你完全理解摄影的创造性。我们总有更多的学习空间。

所以，当你想拍出好的照片时，把注意力放在创意上。摄影技术方面仍然很重要，正如我刚才提到的，每个技术决策也是一个创造性的决策。但你必须用更强大的东西来支持一张“技术上不错”的照片。这就是你的情感信息，来源于你每次按下快门所做的决定。

这里是巨人摄影，摄影爱好者心中的“哈佛”，感谢您的关注