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一

苏新平

二

背影 81×65.5cm 布面油画 2024

回头之马 160×200cm 布面油画 2023

掌上艺术：你退休以后与之前在中央美术学院任教有什么样的不同？

苏新平：在我从事职业生涯之际，我发现自己难以全神贯注于艺术创作。尽管对艺术的热爱如旧，但日常工作的惯性使得创作缺乏持续性和深度。然而，退休后，我获得了重新审视和实践个人思考的机会。这一转变标志着我艺术生涯的新篇章，作品不再是简单的延续，而是思想和方法论的探索。

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作为一名艺术家，我从版画开始，逐渐对当代艺术的本质有了更深刻的理解。我拒绝将自己局限于某种模式或风格，这是我坚定的追求。因为风格往往与商业利益紧密相连，一旦形成特定的艺术形象，市场和评论界便会对其产生固定的认知。我试图摆脱这种束缚，不断追随内心的召唤，勇于尝试新的可能性。

我不希望评论界对我的作品进行定性，而是希望通过作品本身展现我的基本价值观和精神追求。这些元素贯穿我的早期训练和整个艺术生涯，我期待在公众的关注下，通过不断的自我探索和创新，让人们更深入地了解我作为艺术家的真实面貌。

掌上艺术：您的作品经历了几个阶段？这些阶段背后都有怎样的追求？

苏新平：我的创作历程呈现出了几个明显的阶段。早期的作品，如石版画，反映了我从广阔草原到繁忙都市的转变。这一时期，我的作品充满了对草原文化的怀念与对都市生活的冲突感。尽管作品中常常出现草原的元素，但其实质是对内心深处矛盾和不适应的表达。

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随着时间的推移，我的艺术逐渐展现出更加深刻的社会意识。在全球范围内举办展览，特别是在纽约的半年居住经历，使我对当代艺术有了更深入的理解。然而，我很快意识到自己对当代艺术的理解存在误区，这促使我将注意力转向更广泛的社会问题。我的作品开始反映出个人价值观与现实之间的剧烈冲突，如《欲望之海》系列便是这一时期的代表作。

在艺术市场取得成功后，我开始重新审视自己的艺术定位和社会变迁。我决定摆脱商业的束缚，减少与画廊的合作，以保持创作的纯粹性。我认为，艺术的本质不应受外界需求的影响，而应是艺术家内心变化的真实反映。因此，我选择了一条更加独立的艺术道路，以保持初心和创作的自由。

自2006年起，我便开始了一场关于自我认知的探索之旅，这一旅程引领我回归到了内心深处最真挚的艺术追求。

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在那片荒芜的原野上，我以大自然的壮阔为帷幕，创作了一系列充满激情的作品。随着时间的推移，我的艺术表达经历了层层转变。每一次的转变，都是从我个人的需求出发，是对思想、实验状态以及方法论的不断革新。在这一过程中，我享受着无拘无束的自由。尽管工作很忙碌，但我始终坚守着对艺术的热爱。退休前夕，我渴望摆脱纷扰，重返纯粹的艺术家身份。对于一个艺术家而言，思考与创作是不可分割的整体。随着思想的深化，我不断尝试新的表现手法，以期与内心的声音相契合。

艺术的舞台在变，我的认知也在变。这些变化源自内心深处的驱动力，与外界无关。如今，我更加坚定地不愿迎合任何思潮或风格。在我心中，那些曾经占据内心欲望的东西已经逐渐淡出，留下的是对艺术纯粹追求的空间。

掌上艺术：草原和部队的经历给您创作带来了哪些影响？

苏新平：我个人成长背景，无论是草原的辽阔还是军队的严格，都在无形中塑造了其艺术语言和思维方式。草原的广袤给予了我一种纯粹的美学观，那里的生活简单而朴素，但这种简约背后蕴含着深邃的哲理。这种从小培养的认知，是与自然界的直接对话，是对宇宙和人类存在的深刻感悟。

然而，随着社会的发展，人们逐渐远离了这种纯粹的自然状态，转而被赋予了各种社会属性和角色。我深感这种不同的身份带来的转变，现代社会的进程在某种程度上剥夺了人们对于本质的认识和体验。在这样的背景下，我努力保持内心的纯净和独立，这是我从草原和军队生活中学到的最宝贵的财富。

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军队生活对我的影响则更多体现在对规则和纪律的尊重上。军队中的纪律训练虽然在艺术创作中可能产生限制，但同时也培养了我在社会中与他人合作和相处的能力。我认为，艺术教育机构中的自由和随意有时会忽视这些基本的社会规则，而军队则提醒我这些规则的重要性。因此，当我后来从事行政工作时，能够顺利地坚守自己的原则，这在很大程度上得益于军队生活中对规则的尊重和遵守。

在中央美术院担任多年行政工作，它使我能够深入了解社会的核心问题，这些体验反而成为了我艺术创作的重要部分。我只有身处其中，才能真正深刻地理解和感受到工作当中的复杂性和多样性。

我的艺术之路是一条由个人经历深刻影响的道路。草原的纯粹和军队的纪律，都在我的艺术创作中留下了不可磨灭的痕迹。我的创作不仅是对美的追求，更是对生活、社会和自我认知的深刻反思。

掌上艺术：你的《行走的人》受到了广泛的关注，您对“人”的价值观概念，有着怎样的认知？

苏新平：在艺术的追求中，每位真正的艺术家都在不懈地探索自我认知的奥秘。在这个过程中，许多人，包括我自己，都发现对于“自我”这一概念的理解的重要性。在我的艺术生涯中，我不断地自问：我是谁？我的根源何在？我的归宿又在哪里？这些问题不仅是对个体的深刻反思，也是对人与人、人与社会、乃至人与宇宙整体关系的探讨。

在这样的追问中，答案往往牵扯到更为广泛的人际关系和社会联系，甚至是人类与宇宙的深层次联系。我通过艺术创作和思考来探索这些问题，最终目的仍然是回到对“自我”的深入认识。遗憾的是，许多人在生命终结之前，仍未能明了自己的真实身份，缺乏对自身存在的基本认知。

苏新平《行走的人》

我的作品《行走的人》便是对当代社会中个体处境的一种表达。在这个快节奏、充满奔忙的世界里，我们每个人都在大步向前，却常常在内心深处迷失方向。这种状态不仅是我个人的体验，也是当今社会普遍存在的现象。我的作品试图呈现这种普遍性的状态，它不仅是对个体的描绘，也是对整个人类社会的反映。

在创作过程中，我花费了三年时间才最终完成这件作品。最初，我以为这只是我个人阶段性的创作欲望，但当作品在公共展览中展出时，我意识到它与观众、城市乃至国家都有着深刻的联系。我的作品并不追求政治正确，而是力求展现多元性。我希望我的作品能够激发观者根据自己的知识结构、社会处境以及对世界的认知来进行个性化的解读。

至于作品中的人物形象，它既是我自己的投射，也是一个抽象化的概念。在与雕塑工人的合作中，我努力使这个形象不带有具体的性格特征，因为任何明确的指向都可能导致作品的失败。我希望这个形象能够代表当代社会中的普遍面孔，而不是某个特定的审美标准。在这个多元化的世界中，我试图将这种泛化的概念集中在一个人物身上，通过这个动态的形象来传达背后的思想和情感。

我的艺术创作不仅是个人的自我表达，也是对更广泛社会现象的探讨和反思。我在追求创作在超越个体的界限时，所触及人类共同的情感和经验。

掌上艺术：“马”的形象是你从什么时候开始创作？

苏新平：马不仅仅是一匹奔腾的生灵，它更是艺术家心灵的投射。这匹马，以其独特的姿态，展现了我内心深处的孤独与坚定。每一次笔触的落下，都是对静止与运动、沉默与呼喊的深刻探讨。马的形象，既是自然界的写照，也是人类情感的映射，它们在画布上交织，如同生命的旋律。

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在这个宏大的世界观中，马的形象不断地演变，它不仅承载着我对草原的记忆，更是对现代社会个体处境的反思。它的每一个动作，每一次奔跑，都是对生命意义的追问和对自由精神的渴望。这样的马，不再是简单的动物，它成为了连接过去与现在、自然与文明，个体与宇宙的桥梁。

我通过马这一形象，传达了对于存在的深刻理解和对于未来的无限憧憬。在这个复杂多变的世界中，马成为了一个永恒的符号，它代表着力量、勇气和不屈不挠的精神。正如我自己的经历轨迹，马的形象也在不断地演化，寻找着属于自己的道路和意义。

掌上艺术：你最早从事版画的创作，你如何看待版画的现代性？

苏新平：版画以其独特的魅力和自由的精神，成为了一种特殊的存在。在我初涉艺术之路时，选择了版画这一门类，它不似其他艺术形式那般拥有沉甸甸的历史包袱，也不受过往传统的严格束缚。版画的传承相对宽松，历史上对其的定义和评价并不多，这给了我巨大的自由空间，让我能够在学习的同时，不必拘泥于过于繁重的规则和形式。

在版画的学习和实践过程中，我发现它不仅仅是一种思考的方式，更是一种行动的艺术。它要求艺术家先有创意和构思，然后通过亲手操作材料来实现这些想法。这个过程中，我与材料的互动，以及与外界的交流，逐渐培养出了一种开放的心态。版画艺术家对于材料的敏感性和对外界的反应，远不同于那些只需面对模特儿即可满足创作需求的画家。版画的特性要求艺术家对周遭的事物保持敏锐的感知力，并且愿意尝试新事物。

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毕业后，我继续保持着版画的这种精神状态，虽然我所做的作品已不再仅仅是为了版画本身。我创作的版画作品，已经超越了传统意义上的版画，它们更像是独立的艺术作品。在我的心中，版画不再是一种技术或材料的限制，而是一种无限的概念和想象的空间。我不再将自己局限于版画的范畴，而是将其视为一种表达自由和创新的工具。

在探索艺术的道路上，我不断尝试突破平面的限制，希望能将我的作品带入三维空间，形成更加丰富的关系和层次。因此，我开始使用雕塑和装置来实现我的创意，甚至涉足影像艺术。这些尝试都是对版画精神的延伸，是我对艺术自由的不断探索和实践。

掌上艺术：你如何理解将作品与观念结合在一起？

苏新平：在探讨艺术的本质时，我们常常陷入一种误区，将其局限于某种形式或媒介。然而，艺术的真谛远超这些表象。它是空间与思想的交融，是个体与环境的对话。在这个过程中，艺术家不仅仅是创造者，更是探索者和哲学家。

当我审视自己的作品时，我不会将其简单归类为版画，或者是雕塑、装置等。这些作品是空间的一部分，它们与周围的环境相互作用，共同构成了一个更为复杂的整体。这种关系的建立并非偶然，而是源于对空间本质的深刻理解和对形式美学的敏锐洞察。

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在我的创作中，我尝试探索那些关键性的元素，如版画中的线条，它们强烈的视觉语言能够引发观者的深思。我思考的不仅仅是观念的形成过程，更是这些观念如何与我们的意识、社会、政治乃至自然世界相互关联。这些观念不是随意产生的，而是基于对现实的深刻认知和对价值观的坚定信仰。

我反对那种无根据的模仿或盲目的追随。艺术不应该是从天而降的神秘物，也不应该与艺术家的经历和处境毫无关联。我对那些看似突兀出现的所谓观念性作品持怀疑态度。艺术应该是个体经验的延伸，是对生活的深刻反思。

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在当代艺术的讨论中，我们经常提到观念性。但我认为，像毛泽东、曼德拉那样的人物，才是真正的当代意识的体现。他们的思想和行为对人类社会产生了深远的影响。艺术不仅仅是为了艺术本身，它还应该是对人类价值观的探索和表达。

因此，当我们谈论艺术时，我们不应该只关注其形式，而应该深入探讨其背后的思想和价值。只有这样，艺术才能真正触及我们的灵魂，引发我们的共鸣。

掌上艺术：你如何理解在当代艺术史当中，西方包围东方的看法？

苏新平：在多元文化的交织中，我们所见证的不仅是文化的延展，更是一种文化的再创造。在东方与西方传统当中，他们各自探索着不同的领域，孕育出独特的方式与方法。然而，在全球化的今天，人类社会已经实现了前所未有的连接，如同一个紧密相连的地球村。在这个村落中，每一件事都在发生，每一件事都在相互影响。

我认为，当代艺术无需局限于水墨或任何特定的形式。重要的是，在社会的发展进程中，必然会诞生出新的思想与创造。当这些新思想被提出，并逐渐形成理论，它们就成为了当代的标志。西方的文化早已经历了这样的变革，每一次变革都是在特定条件下产生必然结果。如果没有这些条件，那么所谓的变革不过是空中楼阁，无法得到他人的认同，更无法与其他领域产生对话。

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在这样的背景下，艺术家应该更加关注自我，探索如何以艺术的方式面对当今世界。如果缺乏这样的认知，仅仅用他人的概念来解释世界，那么这样的艺术是不恰当的。只有当艺术家深入介入，形成自己的认知和理解，他们的作品才能真正反映当代的精神。无论是传统的模式还是创新的尝试，都应该是艺术家对当今世界的直接回应，是由他们的处境所决定的。

因此，当代艺术不应该是西方概念的简单移植。虽然学生在学习阶段可以借鉴，但作为独立的艺术家，必须找到自己的独立性。这个话题虽然常被理论家讨论，但艺术家也有自己的视角。他们不应该盲目跟随，而应该根据自己的感受和敏感度，创造出自己的艺术语言和实验方法，这才是真正的当代艺术。

掌上艺术：你怎么看待数字艺术的崛起，你如何看待年轻人对于艺术新的审美？

苏新平：在当代的生活脉络中，个体的存在状态不断地被新兴的生命力所挑战。这种状态不仅仅是一种生理上的存活，更是一种精神层面的体现。个体的艺术表达，无论采取何种形式，都是其内在性格和经历的直接反映。一旦与这些元素脱节，所谓的艺术便失去了其根本的真实性。在这样的前提下，年轻一代的审美观念，与前辈的审美存在着明显的断裂。艺术的本质在于颠覆，它不断地挑战既有的秩序，就如同饭碗被打破，旧的体制被新的思想所取代。

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然而，当个体在社会体制中取得一定的成就后，面对颠覆时往往感到不适。这种不适来源于对既有成就的依赖，以及对变革的恐惧。在这种情况下，艺术家的角色变得尤为重要。他们不仅要在创作中寻找新的脉络，还要敢于颠覆自我，挑战传统。艺术家的敏感性、感触以及实验精神，应当超越亲和性的束缚，追求内在的联系和逻辑性。过度的理性思考有时会限制艺术家的创造力，因此，艺术家应当保持一种自由的思想状态，让创作自然流露，而非刻意追求逻辑上的连贯性。

在艺术的多元领域中，无论是架上绘画、装置艺术还是雕塑，每一种形式都应该是艺术家内心世界的自然延伸。它们之间不应该被强加上人为的脉络，而是应该自然地呈现出内在的关联性。艺术家的每一次创作，都是对自我认知的探索，对世界的独特诠释。