2024 马塞尔·杜尚奖，提名名单|拉斐尔·桑齐奥|莱恩|蓬皮杜|迪尔|马塞尔·杜尚奖

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2024 马塞尔·杜尚奖：提名名单
Prix Marcel Duchamp 2024: Les nommé·es
2024年10月2日至2025年1月6日
蓬皮杜艺术中心 · 巴黎

2024年马塞尔·杜尚奖4位提名者：阿卜杜勒卡迪尔·本查马、加埃尔·舒瓦纳、艺术组合安吉拉·德塔尼科和拉斐尔·莱恩、诺埃米·古达尔。

马塞尔·杜尚奖（Marcel Duchamp Prize）由法国国际艺术传播协会（ADIAF）于2000年创立，旨在在国际上表彰和推广当代最具代表性的艺术家，并促进当今法国视觉艺术领域实践的多样性。由国际评审团选出的第24届获奖者名单将于10月14日（星期一）揭晓。

以下是第24届提名名单：阿卜杜勒卡迪尔·本查马（Abdelkader Benchamma，1975）选择将绘画作为其首选媒介；加埃尔·舒瓦纳（Gaëlle Choisne，1985）的雕塑和视频装置将神秘的克里奥尔传统与流行神话相结合；艺术组合安吉拉·德塔尼科（Angela Detanico，1974）和拉斐尔·莱恩（Rafael Lain，1973）正在探索前所未有的物质性写作形式；诺埃米·古达尔（Noémie Goudal，1984）在摄影和视频装置中解构了地层图像。

在他们各自的作品中，以相似的“宇宙性”追问和反映着我们这个时代的普遍动荡。

阿卜杜勒卡迪尔·本查马：以特质换特质

阿卜杜勒卡迪尔·本查马获得了2024马塞尔·杜尚奖提名，他选择绘画作为自己的首选媒介。其作品反思感知的运作，探索我们的知识体系、神话和信仰的存续，以及回忆、视网膜或神经元的持久性。

从悬崖上飞泻而下的瀑布、席卷田野的龙卷风、从空中俯瞰的山脉、布满钟乳石的洞穴、枝繁叶茂的树木......在本查马的画作中，我们可以看到这些元素，无论是矿物、陆地植物还是水生植物，大自然的形态似乎都是一脉相承的。

过去20年来，这位法国艺术家一直在纸张和墙壁上创作白底黑字的大理石花纹，近期又用色彩进行了点缀。他使用墨水、钢笔和炭笔创造出抽象的形式，每个人都能辨认出熟悉的轮廓，就像面对罗夏墨迹测试（tests de Rorshach）一样。观众会被带入艺术家的内心世界，在这些项目中，普遍的主题相互交错、反复出现，似乎形成了一个巨大的连续作品——蓬皮杜艺术中心将持续展出这一活动，作为其马塞尔·杜尚奖提名的一部分，艺术家将在这里展示其独特的提案。

这位1975年出生的视觉艺术家的创作始于2000年代，作为巴黎美术学院（Beaux-Arts de Paris）的一名学生，他选择全身心投入到绘画创作当中。本查马吸收了几个世纪以来从巴洛克装饰艺术到东方书法等许多古老的传统，形成了自己的绘画语汇。他笔下的黑色线条蜿蜒连绵，随着笔触的变化或细或密，让人联想到法国画家亨利·米肖（Henri Michaux，1899-1984）和法比恩·维迪尔（Fabienne Verdier，1962）的绘画。其中渗透着中国的书写艺术，表面的留白也同样重要，体现出满与空之间的优雅互动。“我的作品是一种非常重复且费力的姿态与灵感闪现之间相遇的结果，在灵感闪现之处，我的线条得到了自由，因此，在我的创作节奏、选择添加材料或留下空白区域的方式之间，存在着一种挣扎。”本查马解释道。

尽管本查马所勾勒的形体足以让我们将自己的无意识投射其中，但它们实际上还隐藏着许多灵感，从镌刻在16世纪手稿上的彗星和陨石，到20世纪初美国媒体发现的幽灵船，再到教堂和清真寺的巨石和大理石花纹：这位热衷于神经心理学的艺术家将这些图像描述为“穿过（他的）绘画筛子的化石”，在那里它们融化并蜕变。作为概念上的参考，本查马欣然引用了德国历史学家阿比·沃伯格（Aby Warburg，1866-1929）的《记忆女神图集》（Mnemosyne Atlas，1921-29），这是一个巨大的图像库，图片来源极为广泛，其目的很简单：表明在不同的世纪和文明中，许多主题和形式都在重复和重组，无限地植入进我们的集体无意识中。

本查马很早就发现自己受到绘画框架的限制，并很快表达了超越绘画框架的愿望。从2005年在巴黎今日画廊（La galerie du jour agnès b.）举办的首次个展开始，他的线条就怯生生地从纸面上浮现出来。随着时间的推移，他开始使用越来越大的画幅。十年后，他将自己的作品扩展到纽约绘画中心（Drawing Center à New York）的墙壁和天花板之上。从大厅到楼梯间，参观者发现自己已被其图形蜿蜒的轨迹所追随，似乎成为了移动的主角。2017年，本查马在参加阿联酋沙迦双年展（Biennale de Sharjah）期间，通过侵入更大的表面，继续“与空间对话”，甚至影响了这些建筑。从那时起，他的绘画就成为一种装置，而现场则成为作品不可分割的一部分。

去年，当他接管墨西哥城拉戈/阿尔戈文化中心（Lago/Algo）的一个空间时，这位法国人对自己实行了严格的约束：早上用来专门画画，下午休息。这位艺术家每天都会早睡早起，注意饮食，尽可能地保持最佳状态。艺术家说：“这种身体上的挑战给我带来了极大乐趣，几乎让我上瘾。”随着经验积累和对实践信心的不断增强，如今，本查马的绘画风格显得更加放松，他允许错误、污点和水滴，或者用他的伪装艺术来掩盖它们，同时通过淡蓝色、红色或橙色的点缀逐渐融入少量色彩。“这种放手让我的生活不再疲惫、踌躇不前，害怕出错和斤斤计较如何使用白色区域，都会让人疲惫不堪。”他补充道。

尽管壁画如今已成为其作品不可或缺的一部分，但这位艺术家并未放弃传统的纸张或小型绘画，他经常在壁画中加入这些元素，使其更具韵律感。我们将在蓬皮杜艺术中心看到他名为“世界的边缘”（Au bord des mondes）的新项目，这是他20年来所追寻的漫长道路上的一个新阶段。在这里，我们无需试图找出其灵感来源：本查马比以往任何时候都更希望强调自己作品的可塑性。他说：“在这次展览中，几幅图画和故事交织在一起，通过让平行的现实共存，提供了一种思考世界的新方式，同时也提供了一种新的质地，一种属于自己的材料。”

对于视觉艺术家而言，动画电影是整合最近开发的媒介的一次机会。两位动画师利用数字化对本查马大量的绘画造型进行建模，并通过定格动画技术将它们组合成动态图形。得益于这种媒介，这位40岁的音乐爱好者现在可以创造声音，并将其绘画与自然噪音、高亢而简约的旋律以及大量静音相结合—— 这是他进一步完善作品质地的一种方式，为作品增添了新的感官层次。

加埃尔·舒瓦纳：修复生命

现年39岁的加埃尔·舒瓦纳是2024马塞尔·杜尚奖的提名艺术家之一。穿越我们的集体历史，她就像一位摆渡人，寻找着将私密性与普遍性联系起来的纽带。她的作品介于摄影、雕塑和装置之间，并带有强烈的神秘元素，其灵感来自于她作为非洲裔女性的传统。

舒瓦纳和她调皮的小狗萨奇（Satché）共同居住在巴黎东部的欧贝维利耶（Aubervilliers）。在过去的两年里，她一直在普什（Poush）工作，这是一个艺术家居住区，在20世纪20年代曾是一家工业香水工厂。

他的工作室内有一扇大落地窗，里面堆放着废旧材料、气势恢宏的木箱和引人入胜的彩绘泥塑。舒瓦纳说：“参加马塞尔·杜尚奖显然是一种荣誉，也是职业生涯中的重要时刻。我很高兴能在展览中拥有一个如此大的空间，因为它能让人身临其境，这非常符合我的创作理念。”在之前获得提名的法国艺术家中，她最欣赏的是朱利安·普雷维约（Julien Prévieux，1974。2014年获奖者）、伊莎贝尔·科纳罗（Isabelle Cornaro，1974。2021年提名）、穆罕默德·布罗伊萨（Mohamed Bourouissa，1978。2018年提名）和米莫萨·埃沙（Mimosa Échard，1986。2023年获奖者）的作品。至于她声称受到的一些艺术家影响，则包括美国雕塑家莎拉·施（Sarah Sze，1969）、美国视觉艺术家兼舞蹈家尼克·凯夫（Nick Cave，1957），以及加拿大摄影师林恩·科恩（Lynne Cohen，1944-2014。舒瓦纳有幸在2014年去世前与之相识）。

这是舒瓦纳首次在蓬皮杜艺术中心举办的个展（此前她已在蒙特利尔、华沙、洛杉矶、哈瓦那和伊斯坦布尔展出过自己的作品），在此次展览中，艺术家将带领我们在一个重组的空间中进行时间与感官之旅。空间的地板由染成黑色的软木凝块构成，宛如火山海滩；墙壁上的大型彩绘板包含各种收集来的元素；空间中央是一个同样由软木制成的“蜂巢”，从这里可以投射出视频图像。这个混合装置也是“一个岛屿，一个群岛，一个不同的现实汇集在一起并被重塑和修复的地方”，艺术家邀请我们“改变对世界的看法，成为我们自己物种的观察者”。

加埃尔·舒瓦纳毕业于阿姆斯特丹皇家美术学院（Académie royale des beaux-arts d'Amsterdam）和里昂美术学院（École des beaux-arts de Lyon），她的创作有时会贴近其主题的高度纪实性，有时则更加具有思辨性，其目的是将论述扩展到宜居和可能的世界。这种在批判立场和想象力之间的摇摆，使她能够充分揭示影响其作品的复杂社会和环境动态的深度。舒瓦纳还具有非常个人化的神秘感—— 她将自己为马塞尔·杜尚奖创作的装置作品命名为《水瓶座时代》（L’ère du Verseau），在占星术中，这种神秘信仰认为我们现在所处的时代是一个巨大转折的时代。在被她称之为“残画”（scrap paintings，指剪贴簿，用她的话说，这是一种有点“琐碎、不受重视”的活动）的绘制在木板上的大型作品中，随处可见神秘的铭文，她将其描述为“一种银河系的符咒文字”。

深受英国作家兼评论家艾科·埃舜（Ekow Eshun，1968）和泛非主义者尼亚塞雷·卡拉拉·奥莫通德（Nioussérê Kalala Omotunde，1967-2022）作品的影响，舒瓦纳也被一种修复和治愈的渴望所驱动：“我与一种能量相连，我传递来自其他世界的信息，创造新的治疗时间线，让我们的地球变得更美好。”这位艺术家还试图：“为自己重新创造一种跨代的虚构家庭”。她粘贴、组合和叠加黑人家庭的照片，这些照片通常是从二手商店淘来的，甚至完全由人工智能生成！她还添加了在街上捡到的“垃圾”（遗失的报纸、商业贴纸......甚至还有几绺头发）：“我经常使用假发，就是在非洲接发中找到的那种。我喜欢这种琐碎且不被视为高贵的东西。然后，关注头发，就有了根的概念......”

艺术家的母亲是布列塔尼人，父亲是海地人，舒瓦纳一直深受这两种文化的影响，面两种文化的碰撞，她阐释道：“在思考世界的方式上完全相反—— 一种基于直觉和无形，另一种基于数学和物理的理性。我没有与之抗争，而是接受了这些矛盾，过了很久我才明白，我别无选择。我玩弄殖民和非殖民历史，我代表黑人身体、非二元或跨性别者的身体。作为一名黑人女性，我认为我并不总是拥有让我感到安全的空间。所以我创造自己的空间，属于自己的安全空间。”

安吉拉·德塔尼科和拉斐尔·莱恩：图形宇宙论

安吉拉·德塔尼科和拉斐尔·莱恩将视觉诗歌、严谨概念和形式极简主义结合在一起，成为新一代艺术家的代表，对他们来说，学科之间的界限已经越来越模糊。在2024马塞尔·杜尚奖的评选中，这对来自巴西的双人组合将无限广阔的花田与诗意融为一体。

有些艺术家无视任何分类系统；安吉拉·德塔尼科和拉斐尔·莱恩便是其中之一。他们共同探索语言、空间和时间之间的交叉点—— 从无限大到极度平凡。他们的混合作品正处于视觉艺术、字体设计和符号学的交汇点，植根于支配我们感知世界的严格规范，以便更好地从中解放出来：他们利用框架表面上的严谨来彰显最微妙的诗意。

安吉拉·德塔尼科和拉斐尔·莱恩来分别出生于1974年和1973年，他们都来自巴西南部的一座中等城市南卡希亚斯（Caxias do Sul），该地区以其充满活力、丰富多彩的文化生活和高海拔而闻名于世。

德塔尼科学习的是符号学和语言学，而莱恩学习的是语言学。德塔尼科学习符号学和语言学是出于好奇，出于对文学和语言学的热爱，也因为符号学他开启了其他的表达形式，尤其是舞蹈和视觉艺术；莱恩曾接受过平面设计师和排版师培训，并为他们的巴黎画廊设计了字体。20世纪90年代中期，他们在圣保罗定居，从事平面设计工作，从他们早期的职业生涯开始，他们就一直保持着对形状和标志的扎实了解。

随后，二人开始尝试视觉形式，同时开发出一种概念方法，在这种方法中，语言扮演着无处不在的角色，这些角色通常是俏皮的；德塔尼科说："我们建立了代码和书写系统，在这些系统中，偶然和意外都可能发生，”2001年，这对夫妇毅然投身于艺术创作。

在他们的职业生涯起步阶段，很快就在一些重要机构举办了驻留和展览，这标志着他们开始获得国际认可；其中展览包括：圣保罗现代艺术博物馆（Musée d’art moderne de São Paulo）举办的“它们到底是不是雕刻？”（São ou Não São Gravuras，2001）和东京银座图形画廊（Ginza Graphic Gallery de Tokyo）举办的“图示巴西”（Graphic Shows Brazil，2002）。2002-03年，他们应邀在巴黎东京宫（Palais de Tokyo）进行驻留，在那里的Pavillon创意实验室工作举办了名为“OO：一个让你成长的展览”（OO：une exposition qui grandit par le milieu，2002-03）的群展。

安吉拉·德塔尼科和拉斐尔·莱恩的合作基于两个互补宇宙之间的持续对话：符号宇宙和形式宇宙。

他们的第一部视频作品《平原》（Flatland，2003）也很快诞生了。该作品根据他们在湄公河三角洲旅行期间拍摄的五千多幅照片（水天一色的景色），被构思成一系列线性的画面，具有强烈的催眠效果。白色或单色背景上细密的黑色线条，以及基本的几何形状......这些作品已经透露出他们对时空的无限嗜好、对富有内涵的视觉语言的创造，以及对地图学的热爱，德塔尼科说：“《平原》包含了我们对艺术质疑的所有起源。”

跨学科的方法还促使他们探索电子音乐和当代舞蹈，2004年，他们与日本编舞家矢崎武司（Takeshi Yazaki）合作，在庞坦国家舞蹈中心（Centre national de la danse in Pantin）驻场演出。

安吉拉·德塔尼科和拉斐尔·莱恩之间的合作基于两个互补世界之间的持续对话：符号世界和形式世界。他们经常借用科学概念；莱恩承认：“我们与科学家一起研究了时间的可逆性”，他对量子物理学并不排斥。至于文学，他们对巴西作家奥古斯托·德坎波斯（Augusto de Campos，1931）或法国诗人斯特凡·马拉美（Stéphane Mallarmé，1842-98）的具体诗歌情有独钟。德塔尼科和莱恩在他们的作品《掷骰子永远不会消除偶然性》（Un coup de dés jamais n'abolira le hasard，2008）中向象征主义诗人致敬，作品中，文字让位于基于骰子的视觉系统。他们的棋局也受游戏、机遇和对时间思考的支配；从将死的棋局开始，回到棋盘上棋子的初始位置，棋手们是合作而非相互对立。颠倒准则，玩弄准则，是他们实践的指导原则。

他们整个概念方法的特点是对编码系统的巧妙使用和重新挪用；游戏、字母、数字......甚至是月球周期，让人们对时间有了更主观的感知，正如他们的展览“就像月亮上的雨滴”（Comme des gouttes de pluie sur la Lune）一样，所有作品的灵感都来自地球卫星相位的科学知识。作品《北斗星》（La Grande Ourse，2021）由15颗抛光不锈钢星星组成，悬挂在瓦伦通（Valenton，瓦勒德马恩省）塞缪尔·帕蒂学院（Samuel Paty）的庭院中，它遵循目前已知的恒星坐标，结合了天文学、地名学、排版学等极为精确的协议。2022年，应马赛南部地区当代艺术基金会（Fonds régional d’art contemporain Sud）和欧洲和地中海文明博物馆（Mucem）的邀请，他们接管了法纳尔塔（Fanal），在那里使用“光”（Lumière）一词来表现云彩和太阳，从而创造出一个天空，这种绚丽的景象代替了正在建设中的塔楼。

为马塞尔·杜尚奖，他们设计了一个由三部分构成的装置作品—— 他们艺术研究的主轴、写作和宇宙融为一体。在这个新项目中，数十亿年前的天文望远镜图像与春天鲜花盛开的田野景象并列。这似乎在提醒我们，无限小和无限大在本质上是混合在一起的，日常生活的经验源于对宇宙的感知，而短暂的事物在永恒中蓬勃发展。二人再次为公众献上了一曲舒缓的想象与沉思的颂歌，邀请人们在超越我们的（令人眼花缭乱的）事物中重新思考自己与世界的关系。

诺埃米·古达尔：时空景观

法国摄影师兼视频艺术家诺埃米·古达尔通过解构图像的层次和视角，质疑我们对景观的心理建构。她深谙科学史和古气候学，创作出在户外上演的幻觉装置，然后转换成电影、照片和表演。

20世纪，地中海的海平面上升了近20厘米；短短两年的时间里，勃朗峰的顶峰就下降了2厘米；至于枫丹白露森林，自19世纪中叶以来，其森林表面积显著增加：所有这些地质变化都是经过精确测量，却仍然难以用肉眼观察到。那么我们能否用艺术来表现地球上这些超越人类时间线的变化呢？

这是诺埃米·古达尔对2024马塞尔·杜尚奖的憧憬，她是今年四位入围者之一。在两部全新的电影中，这位1984年出生的法国视觉艺术家将上演一场景观的自主破坏。在第一部影片中，黑暗洞穴中的岩石在慢动作中爆炸成无数碎片，露出光洞；在第二幕中，树木液化，带走了它们曾经构成的森林。在短短几分钟的时间里，艺术家混淆了公众的视听，让他们渐渐明白其中奥秘：在这种情况下，我们看到的不是大自然本身的解体，而是艺术家精心策划的现象下的大型镜头，这是她在过去十年中，先是在摄影领域，最近又在视频领域不断完善的“涂鸦”艺术的又一突出例证。

古达尔作品的起源可以追溯到求学时期，更准确地说，可以追溯到她的一次苏格兰之旅。由于无法用相机捕捉周围风景的力量，这位艺术家感到非常沮丧，于是她萌生了在工作室里打印一张当地道路的大幅图像的想法。从那时起，摄影师通过在照片前放置物体或人物，达到她所追求的身临其境的效果。有两个方面很快成为其作品的基础：通过在镜头前打印和重新组合的方式呈现图像的物质性；以及通过这些从零开始安装的正面装饰背景，对景观进行虚化，其大部分作品都与真实环境融为一体。

与她同时代的许多艺术家都会使用Photoshop来制作类似的蒙太奇不同，这位40岁的艺术家却更喜欢传统的手工方式，分解图像的不同层次，利用透视法和变形法将它们重新组合。她通常将照片打印成A3格式，将它们剪切并粘合在一起以创建背景，然后将它们固定在木结构上或悬挂在脚手架上。一切都从相机的位置开始，相机的位置决定了背景在空间中的位置。例如，在《南方灯站》（Southern Light Stations，2015）系列中，星星仿佛漂浮在广阔的海面或山谷之上。它们的表面充斥着云朵、烟雾或天空的颜色，表面看似球形，但实际上是平面的，这是其所处环境的反射，给整个作品增添了一种超现实的维度。

但是，如果你仔细观察这些图像，就会发现在将拼贴画固定在一起的电线和衣钉之间，以及构成拼贴画的纸张的两端，都有蒙太奇的痕迹。这是简单的疏忽还是偏见？古达尔解释道：“在我的作品中，你看到的不仅仅是风景，还能看到创作过程中的经历和努力。通过留下这些空白，我希望公众明白这些风景是假的，并想询问‘真实’在哪里—— 是在构成照片的整体中？还是仅仅在我放置印象的真实环境中？”如今，古达尔毫不犹豫地在她的Instagram账户上揭示了这一细致工作的幕后花絮，真实地展示了融入她作品中的二维背景的另一面。

除了对图像进行反思之外，这位居住在巴黎的艺术家首先延伸了“对风景的反思，并反思从古代到中世纪再到工业时代——随着时间的推移，在不同的背景下，人们是如何对风景做出不同诠释的”。就像浪漫主义画家的继承人一样，她不需要去到世界的另一端，就能把我们的目光引向远方，并陷入沉思。大多数情况下，她的森林、洞穴和岩石丘陵都在法国，但也有少数例外，比如西班牙的一片棕榈树林—— 看起来更像是热带丛林，或印度的野兽派建筑，这些建筑在东欧更容易找到。她强调说：“最重要的是，我试图让这些环境的位置和时间性难以识别，这样每个人都可以想象自己在那里。”

古达尔对哥白尼（Nicolaus Copernicus，1473-1543）和望远镜发明之前的天空解密，以及18世纪地球史的布丰（Buffon，1707-88）理论同样感兴趣。但最令他痴迷数年的还是古气候学，即对古代气候的研究：通过这门学科，艺术家试图追溯那些没有人类时期的地貌演变。2022年，她开始通过视频记录这些变化。在阿尔国际摄影节（Rencontres internationales de la photographie festival）期间，她在圣三一教堂（Eglise des Trinitaires）放映了两部影片：一部是被大火吞噬的丛林，揭示其背后的另一种景象；另一部是树木浸泡在溪流中的森林变迁。这也是艺术家第一次在镜头前将她的布景变为现实，而非随意摆弄。现在，古达尔在马塞尔·杜尚奖项目中继续探索新的领域，她将风景印在用鞭炮炸开的玻璃上，或印在燃烧的聚苯乙烯上（具有惊人的黏性）。

诺埃米·古达尔在蓬皮杜艺术中心放映其电影几个月后，还将为巴黎附近的布朗·梅斯尼尔火车站（Blanc-Mesnil station）推出一件巨型作品。在巨大的玻璃窗上，艺术家将再现一个温室的内部空间，里面种满了已经灭绝的植物，有些甚至可以追溯到中石器时代，她将在照片的几个区域进行绘画，让这些植物复活。这个永久性装置不仅跨越了真实与虚假，也跨越了过去、现在和未来的界限，它将提醒我们，艺术最伟大的力量之一：超越性。

蓬皮杜艺术中心（CENTRE POMPIDOU）是巴黎文化之旅不容错过的景点之一。拥有超过100,000件1905年至今创作的艺术作品，它也是全球最大的两家现代艺术博物馆之一。随着1977年建筑师伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）与理查德·罗杰斯（Richard Rogers）设计的蓬皮杜中心的开馆，其藏品丰富度得以快速增长。作为一家坚持表达最具现代感创作的机构，其在多方面的职责已深深影响着蓬皮杜中心的购买政策，中心不但迎来了多位当代艺术家，也面向国际艺术界开放。从开馆之时起，特别是由于众多捐赠人的慷慨，其藏品数量从未停止增长，多种全新艺术门类不断呈现。这里也是巴黎最佳观景地之一: 巴黎全城风光尽收眼底，埃菲尔铁塔、蒙马特高地、加尼叶歌剧院、巴黎圣母院等等。

©图片均来自博物馆官网