窑口探访实录——景德镇头部窑口小桥窑|八大山人|官窑|景德镇市|王步|瓷器|窑口|釉里红|青花瓷

名窑口出生，曾经一把壶 35万，至今无人突破，当代自己做窑口，保留真工艺，做出理性价格，让很多人感受当代的王步神韵。

人物简介

窑主-史来钟老师简介：

国家一级技能大师，非物质文化遗产传承人。

从一开始画王步花鸟，后小雅主力画师，现自己成立窑口，26年只做一件事，复刻王步花鸟，500一王步，当下史来钟，被誉为当代鸟叔。

产品线：八大，冰梅，单翠，平沙落雁，釉里红，早期花鸟。

窑口主要营销点：精工细作，价格无品牌溢价，大师亲工，玩家偏爱

主理人-张彩云简介：

张彩云，江西景德镇人，中国江西省工艺美术大师，中国工艺美术家协会会员。师承中国工艺美术大师张松茂、王怀俊徐亚凤，博采众家之长作品古朴典雅，现代与传统融合创新，被江西省工艺美术馆、省博物馆和国内各大收藏机构、收藏家珍藏。

张彩云人物绘画精美传神、气韵生动，张彩云的山水画也是形神兼备、余韵悠长。这与她平时的积累密不可分。闲暇时，她喜欢前往各地采风，将眼睛看到的风景用笔尖记录，这是她热爱的生活方式。

张彩云笔下的人物不论眼神、手势、身姿都极具古典韵味，仕女温婉典雅、孩童憨态可掬。而她所绘画的山水则是浓淡结合、虚实互补、布局恢弘，令人不禁心向往之。

王慧丽简介：

王慧丽艺名卉子讲师、江西省高级工艺美术师，非遗传承人，国家一级技师，全国陶瓷行业技术能手，江西省技术能手，江西省巾帼建功标兵、景德镇市技术能手、景德镇三八红旗手、省级高层次人才。毕业于景德镇陶瓷大学陶瓷艺术设计专业，现就职于景德镇陶瓷职业技术学院，系中国工艺美术学会会员、中华职业教育社理事、景德镇市工艺美术学会会员、景德镇丰城商会会员、景德镇市青联委员、瓷都优秀青年、浮梁县政协委员，市知联会理事，市新联会理事、“青花大王”王步（曾祖父）陶瓷艺术第四代传人。

她自幼在祖父王恩怀（中国工艺美术大师）的悉心指导和教诲下，并受父亲王清平（江

西省工艺美术大师）、母亲徐国琴（江西省陶瓷艺术大师）的影响，耳濡目染，在秉承家学的基础上，悉心研习历代名家名作，在艺术实践中不断探索，逐步形成个性化的艺术语言和绘画手法。所创作的作品多次参加国际国内展览，并受到专家的好评，在国内各级陶瓷设计评比中多次获奖，并有较多作品在各级书刊、杂志上发表。

朱清简介：

朱清（朱建波），1984 年生于江西。毕业于中国陶瓷大学艺术设计系。现为景德镇市非物质文化遗产代表性传承人。江西省工艺美术师。景德镇市高级工艺美术师。中国工艺美术协会会员。景德镇美术家协会会员，中外陶艺家协会会员。景德镇市珠山区书法家协会会员。

朱清自述：“我在瓷器之上绘制的金鱼，其实并不单单是金鱼而已，这尾鱼有时是生活中的你我，有时则是时代的参与者、见证者，在不同的作品中它有不同的含义。”

朱清创造性地将鱼、瓷画工艺与中式水墨画糅合在一起，通过青花、粉彩、五彩等不同的陶瓷工艺表现金鱼、龙鱼、鲤鱼、等各式鱼的灵动，其作品具有较高的艺术价值和收藏价值，深受海内外人士的欣赏和收藏。

王步简介：

王步是 1898 年出生于景德镇的陶瓷艺术家，他的父亲王秀春是清朝同治光绪年间的青花名家。王步从小就受到父亲的教导，对绘画和陶瓷有着浓厚的兴趣。他九岁开始跟随许友生学习青花绘制技巧。他十四岁就出师，开始从事仿古瓷的制作。他在仿古瓷上有着深厚的造诣，能够临摹明清官窑名品，并在此基础上创造出自己的风格。

王步在青花绘制上最大的创新是运用分水技法，使青花颜色像水墨画一样展开，形成浓淡相宜、层次分明、富有变化的效果。分水技法是将青料稀释后，用毛笔在泥坯上渲染出不同深浅的色彩。这种技法非常考验画工的功力和经验，因为在泥坯上看不出层次来，只有等到出窑后才能知道效果如何。

单翠是王步运用分水技法的代表作之一，也是他最喜欢画的题材之一。他以一只翠鸟为主角，用青料分水渲染出翠鸟羽毛上不同色调的光泽，使之呈现出青蓝变幻、神采奕奕的姿态。他常常将翠鸟画在芦苇、荷叶、水面等背景中，与空白处形成强烈的对比，突出了翠鸟的生动和灵动。

单翠不仅展现了王步对青花艺术的精湛技艺和创造力，也体现了他对自然生活的敏锐观

察和深刻理解。他用简洁而富有变化的线条勾勒出翠鸟的形态和动作，用浓淡相宜而富有层次的色彩表现出翠鸟的气质和情感。他不仅画出了翠鸟的外貌，更画出了翠鸟的灵魂。

单翠是中国陶瓷美术史上一道亮丽的风景线，也是中国文化遗产中一颗闪耀的明珠。它既承袭了传统青花艺术的精髓，又开创了新时代青花艺术的风格。它既展示了王步个人的艺术才华和品格风范，又反映了中国人民的审美情趣和精神追求。它是一种不可复制的艺术珍品，也是一种值得传承的艺术精神。

平沙落雁：黄昏将至，烟波浩淼的洞庭湖边，岸边一带白沙，安详恬静，蒙蒙如霜。一群大雁从远天飞来，在空中徘徊飞鸣，先有几只降落在其上，仰首与空中的飞翔者相互鸣叫呼应，继而雁群一一敛翅飞落。远望去，雁群、沙岸、水波，都在愈来愈浓的暮色中渐渐睡去。

他笔意所向，或青或白，是鸟儿的形态;或浓或淡，是羽毛的层次;而那或轻或重的，则是春风的脚步。他连笔为线，断线为点，用料浓淡相宜，用笔粗细相济，把他心中的无限深情全部挥洒在了这只神气活现的芦雁身上。

八大系列简介：

都说一个人可以被无限解读，但可能永远无法被真正理解！

今天和大家浅聊一下明末清初的鬼才画家，朱耷（也叫八大山人）

对于八大山人，似乎我们习惯了预先给他一个政治定位，再据此论证或猜测他的生平言行和笔墨意蕴。久而久之，人云亦云，说来说去，总是离不开那些形态暧昧的落款和白眼朝天的动物，再顺带联系一下背景，无非就是他本该是明皇世孙，历经国破家亡、变的苦大仇深、坚守气节……看他的画被定义为卖惨，翻白眼，小聪明……这或许也是对八大山人最大的误会似乎，在人们心里，悲情才是八大山人的底色。

人们都觉得八大山人命苦。但是，翻开八大山人的履历，有时竟然觉得还不错。他出身高贵，生活于两个朝代，目睹了明朝的倾覆，也经历过康熙的盛世，他的人生随着历史的大势起起落落，但也没有真正遇到过紧迫的性命危机，在人生大部分时间里倒能安稳度日，最后在八十岁的时候因偶感风寒而去世。

比起元代大画家王蒙，同样是在朝代更迭的时代，最后冤死在牢狱中，八大山人虽然历经波折，但也算得了善终。

八大山人喜忧参半的一生，到底经历过什么，很多故事已经永远成谜我们只有不断从八大山人的书画中去揣测他的精神世界。给我们看到的他总以晦涩含糊的方式抒发内心。于是，

孤独、疯癫、愤懑、哀怨……成为了我们最容易接收到的信号。

如果看到八大山人的落款写成了 “哭之”、 “笑之”的样子，那么便会和他的故国情怀联系在一起，一个人可以被无限解读，但可能永远无法被真正理解。我们要想理解八大山人，就从来不是一件简单的事。从八大山人的经历中，可以看出他的人生，并不是单维的、一成不变的。如果我们要真的理解他，也不应回避他处事态度中的自相矛盾和含糊不清之处，从中理解他复杂多变的精神世界。面对乱世和性命之攸，八大山人选择了出家。当“经世致用”的念头在现实条件下无从谈起，经过反复彷徨后，他去寻找了另一处精神家园，并选择了僧俗两界之外的艺术天地，去安顿自己的灵魂。当清廷对明宗室的态度开始缓和，八大山人不再讳言自己的身世，开始广泛与外界交游。当发现依傍别人终究无用时，便勇敢地为自己做抉择，率性由情，自寻欢乐。八大山人似乎从来没有在避世、遁世，反而一直在观世、入世。他被命运推着走，被赋予了许多身不由己的身份，同时他又一步步打破着儒家教义、遗民禁忌和佛门清规，在他那个时代里获得难得的自由，在生活压给他的大苦闷里，获得大解脱与大彻悟。与其说八大山人是一个负隅顽抗的遗民，不如说他是一个不断打破羁绊的自在之人。

五十五岁那年，八大山人做了一件令人目瞪口呆的事。当时，作为诗文书画闻名的高僧，八大山人被临川县令胡亦堂请至家中，延为上宾。某一日，八大山人突然发疯发狂，哭笑无常多日，最后撕毁了袈裟，并且烧掉，径自跑回故乡南昌去了。

有人说，可能是胡亦堂纠缠八大山人，要他与朝廷合作，而八大山人坚守气节，装疯跑掉了。另一种意见则恰恰相反，说八大山人可能因为胡亦堂即将离任，或无意帮他举荐入世，顿生空虚无奈之感，再加上可能有这方面的遗传病因（他的祖父曾有癫狂之举），于是情绪突然失控而发狂了。个中情由，似乎仍有赖于人们的预设立场。但无论如何，八大山人就此还归俗世。他用最癫狂的方式，做出了最清醒的抉择。从此直至去世，八大山人在日臻成熟的艺术世界里，摆脱了所有束缚，度过了他最为自由自在的岁月。

八大山人的画，笔调简练粗放，风格豪迈沉郁，却可以留给人们清新秀美的印象。他的笔下，不只有翻着白眼的动物，还有轻柔的兰草、茁嫩饱满的叶芽、烂漫浓酣的花朵、水中游荡的鱼、飞鸣或静止的鸟，在风平浪静中，一切空灵安宁、圆融自在，充满生命的怡然。这就是八大山人，无论心中多么激愤，都永远会给世界以温柔。虽然现实常把他逼入绝境，但是他的内心里，始终追求着富有乐趣、自由自在的生活。八大山人的画，也总会给人一种孤独之感。这种孤独，不是用来强调自身可怜的际遇，而是将个人的生命体验，上升为人的生命尊严、生命张力、生命价值和意义的思考。八大山人的艺术，之所以至今还能触动人的生命隐微，因为其中包含着普遍性的价值思想。如朱良志先生评价八大山人： “就是这样

的人，却要着意于人类的生存状态，他在屈辱中，呼唤人类尊严的回归；在污泥浊水中，咏叹人世中的清影，在困境中，轻轻抚摸土地中的温情。”

陈传席先生说： “中国绘画史上的杰出画家，必备四条标准，一是技术和功力，西方画仅曰技术，中国画的技术升华乃是功力。二是独创性和鲜明特色，三是审美性，四是社会影响。八大山人的画在这四方面皆是第一流的。”八大山人能够名垂千古，终究在于他的艺术本身。

晚年八大山人的画，在形式上也愈发怪诞。在他的画中，鸟不飞，鱼却飞到了天上；鱼大于巨石，鹧鸪大如牛，猫如虎，鸟似鱼；鸭子与山融为一体；鱼、鸟从形象上是逼真的，眼睛却透出不屑一顾的白眼……它们栩栩如生、灵动睿智，显现着黑色幽默，又带有虚幻的错觉。八大山人常常打破人们的惯常思维，去创造一些奇异的物像形态和存在关系。万物皆空，眼前所见的只是个人的感知。他通过变化的表相，表现世界的不确定与不可把握，也似乎试图打破人们对表相世界的执著，而关心世界背后的真实。我们现在对抽象艺术习以为常，不会质疑看似不合现实逻辑的东西，但回望八大山人的时代，他的超前性毋庸置疑。

无论如何，人们想起八大山人时，仍会浮现出他翻给世人的白眼。那是一个冷眼看世界的八大山人。他天姿高朗，独立不羁，脱然世表。他在痛苦、无奈和矛盾中，流露着积极的情感和活泼的生机。他的画，处处有对人的生命思考的痕迹，时有目空宇宙之志，充溢着强烈的超越意识

看八大山人的画作不要觉得它是幅写意的作品，当你了解他的这一生后，从皇室明皇世孙，到无可奈何的疯和尚，再去看其画作，画风犀利，一枝独秀，超脱世俗，是不认命追求自由灵魂的画作

即便生逢不如意，我们可以借画抒情，去做画中的鸟，画中的鱼，心中有寄托，灵魂有

归宿，也能傲娇的活出自己的样子，半熟半禅半随缘，半聋半哑半糊涂我以此画写此生，莫道万事尽归尘

以画笔诠释生命，唤醒内心深处悸动，畅快落笔生花

墨色之美，青花水墨飘渺间，妙手丹青从不拘泥于任何形式主义，是入静后的存孤，是逐渐归朴的状态。

小桥产品套系解析

冰梅：

冰梅始于康熙的经典纹样,后人都称其为康熙心中的自月光，那又向尝得是各位资友心中的自目光呢。

在酷暑难耐的勇目选一套能让我们请宾消夏的器物心属冰摘~.

冰梅的白与蓝形成的冬日清冷，亦是春花瓷上的梦幻联动。梅花在青花的幽蓝中逐渐生长形成雪与梅的视党感观浪漫:

小桥的冰梅胜在其翠色毛蓝的纯争发色，以及青花汾水构成的冰裂纹肌理与梅花破冰而生完美交融出的细节

在阴翳的层层汾水上把枝头的花之雪称托的尤为曼妙,线条利落舒展整体呈现挺拔自上的姿态，古典的傲然风骨.韵含着婉约之美.

在灯光下,青花为玉骨,光影映玲珑.冰姿绰约。

冰裂纹+梅花=冰梅纹

“冰梅”是冰裂梅花纹的简称，始于康熙朝，纹路仿照宋代瓷器的冰裂纹开片，以单色裂纹为底，釉面上绘朵梅或枝梅。所以釉面上晶莹错落的开片和梅花同时存在，才为好。

冰梅纹将器物柔和和自然的特点完美呈现，经过高温烧制成瓷，质感温润，触感温和，光滑如玉。

它是以青花淡料进行略加晕染，同时在其间勾勒白色梅花，蓝白相映，寒梅吐艳，同时采用特色的 “水点梅花”技法描绘花蕾，显得更加芬芳。尽展梅花的美丽与生命力，具有丰富的人文风韵。

“岁寒风骨，君子身姿”

清代康熙时期的冰梅纹饰以浓艳的钴蓝青料作器物的底色，

留出白梅的概括和冰裂纹的线条，然后沾淡青花料勾勒出梅花花瓣和枝干。

绘画方式较为写实，花形饱满，典雅特别，冰梅勾画细腻，富有改变，艺术成果最高，通常以不规则的短线组合，来体现冰裂纹。

小桥窑传承慕古工艺，冰梅铃铛杯花瓣细腻生动，有时花团锦簇，错落有致，繁密浓烈，梅花艳而不俗，构图灵活，层析清楚；有

时凛然群芳，梅花劲俏挺立，浓艳脱俗，轻飘如冰梅青花，以其独特的纹样表现手法，展示其遗世独立的傲骨风雅。

史来钟单翠：

波光荡漾的湖面上，一只劲健的翠鸟立于一根粗壮刚韧的芦苇秆上，俯身扭头，目光犀利而有神。翠鸟颈腹部的绒毛细密而柔和，极致的丝毛技法纤毫毕露，富具质感。双翼用浓重的钴料依次按结构画第二级飞羽和三级飞羽，分明的笔触呈现出羽毛的片片结构，尤其飞羽之重笔浓妍而凝炼，迸发出极强的精神张力。

4 个点看单翠

1.单翠盯紧水面寻找猎物时候的那股眼神肃杀感

2.单翠抓紧芦苇，那种箭在弦上冲刺紧绷感3.单翠细腻柔和的羽毛柔顺感

4.分水技法和画工体现出来的文人绘画水墨感

飞碟丛菊：

飞蝶枞菊，蝴蝶在花中嬉戏

溯其历史，飞蝶丛菊其实也算作古老的题材，受宋代花鸟画成熟的影响，瓷器题材花鸟鱼虫题材增多，从藏于故宫博物院的宋人朱绍宗的小品《菊丛飞蝶图》里就可见一斑。

两只垂首的蝴蝶，正慢慢飞在迎向它欣然舒展的一大簇菊花丛周围，菊花成团相簇，在茂密的叶片下映衬得姿态动人，点点的淡蓝斑点挥洒其间，蕴含水汽，也盎然生机。

在青花料里中微带些蓝黑，就有了庄重、浑厚、宁静的感觉

画面布局、画工、以及分水。分水的重要性在青花瓷里不言而喻，即使画工再好，若分水欠缺，层次感就出不来。分水做的比较好的，墨分五色，层次感多还要过渡要自然。菊花的叶、盛开的花以及花苞的层次就非常分明，前方的花叶更清晰，后面的则隐藏在雾气中，给人以一探究竟的想法。此外，蝴蝶的灵动，所展示出的虽然柔弱却奋力飞向菊花的状态！

定风波：

用一只器物来结缘

1882 年苏轼的定风波，用他自己那么艰难的生话三年，去带我们走出来,活明白，提供给我们一个生活自我调节方法论。人生遇到困难就像风雨一样,既使我们淋着丽还没有带伞，我们也应该在风雨之中一路前行.突破困难，勇敢面对困难，这样的人生才叫精彩。

在无絮的竹子中感受一蓑烟雨任平生的豁达，竹子百折不屈的姿态，虚怀若竹,小桥窑定风波想带给大家是日常生活中文化上的坚强，和时刻鼓励我们抵励前行,不被困难所击倒。

诗画同源让文化罗辑进行连接

器物的呈现不仅仅是为了美而生,而是透过美去探索画作内核思想，

在生活中遇到风雨,静下来一口茶.也许一只杯子就是生活的答案，于日常生活中的份解药。

清•点工缠枝莲托八宝纹套装：

在传统文化中，八宝分为佛家八宝和道家八宝，又被称为明八宝和暗八宝，其中两种八宝法器以及文化属性又各不相同，佛家八宝为宝伞、金鱼、妙莲、宝瓶、右旋白螺、吉祥结、胜利幢、金轮组成

宝伞：象征着荣誉和尊崇金鱼：象征自在与解脱

妙莲：象征出污泥不染的品质宝瓶：象征财富永享右旋

白螺：象征力量、权威吉

祥结：象征无限的智慧和慈悲

胜利幢：象征着修成正果的胜利金轮：象征统治、保护和创生

吉祥八宝”虽然随处可见，但也不可替代。古人在绘制上多是图必有意，意必吉祥，绘画艺术，更是内涵深刻的精神引领。每个瑞相都代表文化中不同的教言哲理和世间众生不同需求的精神祈望，传承至今，仍是不可磨灭的精神信仰和祥瑞图腾。

在配合陶瓷载体，融和了小桥窑独对传统的致敬和点工细做把控工艺细节，匠心独运，触手生春。

目前最早的八宝纹饰在瓷器上可以追溯到代龙泉青瓷和景德镇卵白釉瓷的印花技法，在明代年间八宝的纹饰可以说是极为兴盛，流传至今的不少作品都集中于永宣时期。到清三代陶瓷鼎盛时期，国库丰盈，也有了大量的财力，人力，物力，去实现器物精致化。

古今交融，一件好的器物除了收藏同时还需兼备实用，好的盖碗、杯子是需要与当代茶饮文化与之契合，在盖碗杯子器型上的处理，小桥窑采用了更多流线型弧度去设计不烫手，虽然会导致在利坯时难度增加，烧制时成品降低！

但是同时整体器型的线条流畅性增加，弧度更加美观，精致小巧细微之处见真章

在已经极为纤细的线条上，还能同时用用双线条的表现技法去体现莲托法器的立体感，同时将画面的阴阳表现所展现开来，对于绘画的功力、细腻线条的流畅把握

法器的绘画讲究秩序与规整，杯内的宝相莲花大朵盛开的状态倒入茶汤更加灵动婉约，外绘的八宝，工整有秩，绘画线条流畅优美，线条不晕不散，纤巧爽利，如婉转游动的丝线，洒脱自然。

花纹工艺解析

青花釉里红：

青花釉里红是在千变万化中，定格天意的存在

小桥瑶崇古怀今，用青花的颜色去碰撞凝练的釉里红。在素色的胚胎上，刻写着历史缠绵的故事，以严谨有序的工笔画技巧细细描摹，构图疏而不淡，让画面整体呈现出通透、流畅、自然

青花色于釉下画成，高温烧成之后，蓝色青花通过透明釉呈现出，就如同夜色下水中月，既有月的温润明净，又有水的幽蓝静深，青花之上点缀釉里红，画面色彩对比强烈，青花幽靓，红色妍丽。红蓝两色相配，应衬相得益彰，

釉里红因窑内不可控因素而呈现小范围的星点绿色，红边绿点，倒似有意成画，配合得极为自然贴切，与青花构成了丰富的装饰效果。

红中带翠，沉稳厚重，鲜艳灵动，晕而不散，凝而不结，流淌不涩，乍见之欢，久看不厌，是为小桥原矿青花釉里红。我们不以发黑说仿元，不以飞白说洪武，不以洋彩说宣德，不以干涸说康乾，更没有什么细路点工绘人物，就这抹红，单一又繁复，单一发于铜，繁复得于天，窑火一遍，红已百炼，丹赤绯绛层叠来，釉下青黛配朱颜。

在窑火的千变万化中，定格天意，等待知音，幸得其一，这抹手中的凝练的红。青花釉里红红中带翠叫醉里透芳菲也叫贵妃醉。

原矿釉里红难烧,为什么还要一意孤行去烧呢?因原矿釉里红不止是红色装饰元素，它极具张力，原矿釉里红的变化多元，不是没有生命的单色红。

在高温的凝练下发出的颜色呈黑发、深红、大红、梅红粉红、淡黄、青绿、翡翠绿，从来还是以单一的形式呈现。行业有一句老话，红中没有翠，就一定会有黑

原矿釉里红就红而言我们就可以看到五彩缤纷的颜彩呈现，有时候是浓淡相宜的优雅过过度,有时候是岩浆奔流的滚烫热情。

翠有红包翠，翠做点缀如翡翠原石露出的点点星光。也有以翠为主角，红色从翠的边缘四处散开，绿宝石躺在红色的流浆中，充满生命力和野性的自然之美。

每一窑都充满了变化与无常，要么惊喜,要么惊吓。

青花釉里红鱼藻纹：

青花釉里红的神仙接配.青花和釉里红本身是冷暖两重天的，前者要求温度偏高，气氛淡；后者要求温度偏低，气氛浓；古人将二看相隔合，恰似清水出芙容的美感。

鱼文化已经深深地融入到中国人生活的各个方面，增添不少乐趣。人鱼戏莲藻间，生动、有趣，最能表达对生活的热爱。我们画师在绘制鳜鱼鱼，讲求“生动鲜活”。画中无水，但鱼要如行游在水上，因此画师需要将鱼的放松自如、松驰用青花的泥料传神般的勾勒出来。

鱼身肌理要足够的灵动，甚至眼神也要顾的有神，杯身绘制丰鱼三尾，畅游水藻池莲之间，悠然自得，仔细观赏仿佛置身其中，可感鱼之乐。杯沿处绘以卷草纹，显器型更加规整，杯底处绘以鱼藻纹，饮茶时鱼藻若隐若现，仿佛池底游鱼。

鱼藻纹不仅要看鱼还要看水草，要画的生动，就像草在水中的姿态，水草画好了，才能将看不见的水的姿态描摹出来，鱼儿的浮游有了依托。

这正是中国传统绘画艺术的伟大，生动之处，不画水通过水草就能感知水的流动，就像敦煌壁画中的"飞天”，不用给天女画双翅，只凭借衣带飞舞就能感知天降飞仙。画中的含蓄之美总是如此灵动和相通。

鱼藻纹始于元代，在明代得以发扬，成为盛行的瓷画装饰题材，流传至今。鱼在在藻，有莘其尾《诗经 ·小雅 ·鱼藻》

万花：

始于雍正，盛于乾隆

小桥窑将皇权审美提倡到生活艺术美学审美

①因为雍正是历史出了名的劳模皇帝，可比当下网络呼声的 96工作时长还疯征。由于忙于政务,也没有太多了的精力分散到去顾及他后官嫔妃，又希望他的佳丽们能和谐共处。于是下令让景德镇督陶官出一款器物来赞美和表达宠爱

②寄托着雍正在“朝乾夕惕为君难的家国家任下,跻仁寿而享太平”的深切愿望，繁密

之极，寓竟百花呈瑞，盛世太平。

三月花期虽有时，但春光不岱。

若用一件器物来代表繁花似锦，盛世长春，当属万花。

器成天下宠，小桥窑万花仅用青花一色的浓淡勾勒出曼妙风情，无纷乱堆砌之感。

我想大家选择器物不是为了功能，而是为了悦乙，喜欢它的工艺，喜欢它的视觉审美，喜欢其背后的文化，这叫生活艺术美学。

花鸟纹饰赏析：——繁则易杂，简则易陋。

花鸟画，作为中国传统绘画的珍品之一，源远流长，承载着丰厚的文化内涵和艺术魅力。在艺术家们以深邃的情感和娴熟的技艺，将自然界的生灵和生机通过笔墨勾勒得栩栩如生，让人沉浸其中，领略到大自然的美好和生命的意蕴。

首先，花乌画的魅力源自于其独特的审美境界。

在一幅花鸟画中，花朵盛开、乌儿欢鸣，构成了一幅生动的画面，给人以愉悦和舒适的感受。艺术家们以细腻的笔触描绘花瓣的纹理、鸟儿的羽毛，使得画面更加栩栩如生，仿佛可以感受到微风拂过花叶的触感，聆听到乌儿鸣唱的声音。这种唯美的意境和生动的表现力，令人心驰神往，仿佛置身于自然界的花海鸟鸣之中。

其次，花鸟画蕴含着丰富的文化内涵。在中国传统文化中，花乌被视为吉祥、美好的象征，常常被用来寓意幸福、团圆和祥和。因此，花鸟画不仅是一种艺术形式，更是对传统文化的传承和弘扬。通过绘画花鸟，艺术家们传达了对自然的敬畏和对生命的敬重，同时也传递了人们对美好生活的向往和追求。在欣赏花鸟画的过程中，观者不仅可以领略到艺术家的造诣，还可以感受到中国传统文化的博大精深，增进对生活的热爱和向往。

最后，花鸟画具有艺术的魅力和审美的价值。作为一种绘画形式，花乌画在构图、色彩、线条等方面都有着独特的艺术表现力。艺术家们通过巧妙的构图和丰富的色彩搭配，使得画面更加生动鲜活，吸引人们的眼球。同时，花鸟画也是一种审美的享受，观者可以在欣赏中感受到艺术带来的愉悦和美好，领略到艺术家们的艺术魅力和创作情感。因此，花鸟画不仅是一种艺术形式，更是一种审美的享受和心灵的抚慰，让人们在繁忙的生活中找到片刻的宁静和慰藉。

综上所述，花鸟画以其独特的审美境界、丰富的文化内涵和艺术的魅力，吸引着人们的目光，成为中国传统绘画中的一颗璀璨明珠。在欣赏花鸟画的过程中，不仅可以领略到自然的美好和生命的意蕴，还可以感受到艺术带来的愉悦和美好，使人们在繁忙的生活中找到片

刻的宁静和慰藉赏析角度示范：

宋人《桃花山鸟图》是一张造型高度写实、描绘细致入微的工笔花鸟作品。画中描绘了初春时节一只太平鸟休憩于碧桃丛中的场景。此图采用双勾填彩法，用线工整挺秀、生动流畅、柔中带刚，画家追求的不是线的形式变化，而是对质感的表达。花瓣密集写实，鸟的羽毛细而柔，尾羽敷以红色，有透明感。画面色彩雅致，鲜花轻敷淡染，毫无矫揉造作之感，对白粉的运用尤佳。

宝相花：坐拥天地，静默不语俊笔五花纹，隐起踏无生

浪漫是一直刻在华夏民族骨子里的情怀。以自然之物形成的图腾纹样，便是被人们寄予了吉祥和浪漫的情怀，也表达了人们对自然,对神明的无限崇高与敬畏!

宝相花是皮本土植物与外来植物在时间岁月长河中相互融合演变而成，也是人们不吝以极致的想象功，创造的代表着人们对富贵吉祥美满如意的浪漫向往。

宝相花纹源子魏晋、盛于隋唐、南齐王简《头陁(陀)寺碑文》云：“金姿宝相，永藉闲安，息了心火，终焉游集。

宝相花一种想象中的纹样,它来自于大自然然的多种花卉，倒如莲花、忍冬、牡丹等，形态美、意象美的提取与整合，圆满的造型、对称的形式，蕴合着浓厚的传统文化内涵，也象征着们对自然字宙的朴素认知。

青花宝相从点工绘画技艺，以典雅幽美的青花共同绘制，笔法精细严谨，清灵生动，青蓝色彩婉约静雅予人平和宁寂之境，杯内绘宝相花，花开招展，盛荣富贵，极具富贵之气，外绘忍冬纹、莲花纹，增添吉祥如意。也使之内外相互对应，整体纹饰勾画雍容富贵，外形饱满大气，笔画之间透出华丽庄重的气质，青花白瓷、蓝墨白底、青白双色、简单、纯粹静雅，来表达出人们对自然植物寄予的美好感情。

永压平他们差别在哪呢?

聊这款杯子就离不开它的原型明永乐青花缠枝莲压手杯是款有真正意义的落有年款的官窑瓷器，瓷器落年款也由此杯开始,且有内绘“双狮”、“驾鸯”、“花心”等不同纹饰边杯型为撇口、折腰、深弧、丰底、圈足、杯心单圈内饰葵花纹，外口沿饰 26 朵梅花纹作边饰，外壁绘缠枝莲纹，上结八朵资态各异的莲花。圈足处墙饰卷草纹,以九道青花玄线间隔,尺

寸:9.1cmx3.5cmx5cm形似和神似就拉开了价格差距，加之施以釉里红工艺后还需看其种釉里红是否以铜红料为呈色剂?是否为高温还原气烧制?更要看烧成后釉里红发色的整体效果色括呈岛如何是否完整保留所绘画片的轮廊形态以是否体现出绘制对象的细节特征等等，通过这些方面我们其本上可以区别出品质高低了,细节越接近还原度越高的品质就越高。

低温发色灰暗似暗红色没有湾虫的星散感高温发色透亮鲜红有流动感，晕数感。

仿古发色篇

唐代青花发：

唐代青花属于青花瓷的滥觞期，此时青花瓷不多见且构图简单,发深较深,整体工艺尚未成熟。

通过对扬州出土的唐青花选片来看,当时的青花料色偏浓艳，笔触带有结晶斑，为低锰低铁含铜钴料，大概是从中西亚地区进口钴料，唐青花纹饰可分为两个大类，是中国传统花草以石竹、梅花多见，另一类是典型的阿拉伯纹样，可见唐代青花瓷主要供外销。

宋代青：

青花瓷于唐代初创后并没有迅速发展起来，宋代青花瓷存世量依旧稀少。目前为止，我们能见到的宋青瓷只有两处塔遗址出土的十余片瓷片。

宋代青花瓷有的“较浓\发黑，有的“轻柔\淡雅”,在装饰技法上宋代青花既有釉下彩也有釉上彩，釉上青花大多有晕散现象，此时的青龙为应刻是用本地的钴料，与唐代并无直接延续关系。

元代青花发色：

成熟的青花瓷出现在元代的景德镇

元青花使用的青料，分为国产料和进口料两种，国产料为高锰低铁型青料，发色偏青蓝偏灰；进口的元代青花发色

成离的青龙为出现在元代的暑源镇