SS2027北京时装周观察①｜青年设计力量从“被看见”到“被选中”|上海时装周|北京市|时尚|礼服|秀场

云娟娟/文

SS2027北京时装周以“序启新章·无界共生”启幕。从居庸关长城到王府井步行街，从青年设计师首秀到非遗工艺的当代转译，从秀场流量到城市消费——这场时尚盛会，不只是一季新品发布，更是一次关于中国时尚产业走向的集中呈现。

《纺织服装周刊》推出“北京时装周”观察系列，从青年设计力量、消费转化、非遗活化、战略定位、国际格局、国潮产业化、秀售贯通等维度，记录并解读这场正在发生的产业变革。

我们试图回答一个问题：当青年设计师从“被看见”走向“被选中”，当非遗从秀场走向日常，当“一场活动”走向“城市时尚基础设施”——中国时尚，究竟在发生什么？

一场时装周，能看到什么？每一季时装周，青年设计师都是备受关注的群体之一。但关注度与成长性之间，往往还有一段距离：秀落幕之后，作品何去何从？SS2027北京时装周给出的答案，藏在34位新锐设计师的名单里，也藏在“秀场发布—静态展陈—销售转化”这条全链路培育体系之中。

不只是给舞台，更是给路径

青年设计师缺什么？多数人第一反应是“缺曝光”。但真正做过扶持的人知道，曝光是最容易给的东西，难的是曝光之后——供应链能不能接上，渠道能不能打通，商业能不能转化。

北京时装周做青年设计师扶持，不是从今年开始的。2024年启动的青年设计师扶持计划，两年间累计扶持近百位青年设计师，助力400余套原创作品在京首发。到了本季，这个数字更新为34位海内外新锐设计师、60余套作品。规模不算大，但它做的事情很明确：不只是给青年设计师一个舞台，而是给他们一条从创意到市场的通道。

这批设计师都有谁？本季时装周上，既有NoahXVoid创始人徐小曦Noah Xu（英国南安普顿大学、中央圣马丁研习背景）、C.PROTOCOL双创始人陈津民与王涔亦（均毕业于英国皇家艺术学院）、Huan Faye Chien主理人钱泓菲（伦敦艺术大学）、HOUSE OF UYS创始人Daniel IJ Uys与Claudine Uys这样受过国际时装教育体系训练的设计力量，也有金盘绣、素隆姑这样从土族盘绣、民族非遗里长出来的设计品牌。前者懂结构、懂国际语言；后者握着乡土工艺与活态传承。北京时装周把它们放进同一个扶持池里，本身就是一个信号：青年设计力量，不只有一种路径。

平台要做的不只是“给舞台”，而是“给路径”。本季BFW NEXT为设计师打造的，正是“秀场发布—静态展陈—销售转化”的全链路成长体系。秀场发布解决的是“被看见”，静态展陈解决的是“被了解”，销售转化解决的才是“被选中”。三件事串在一起，青年设计师才能从“秀完就散”的循环中走出来。

不只要原创，更要原创的商业生命力

青年设计师的另一个困境是：作品有想法，但市场转化并不容易。

这不是设计师个人的问题，而是系统性问题。原创设计往往意味着小批量、高成本、长周期，与大众市场的快节奏、低价格、短周期天然矛盾。如果平台只负责办秀，不介入商业转化，设计师的作品就很难从“秀场”走进“市场”。

本季BFW NEXT的专场秀上，青年设计师的作品涵盖了多元风格——NoahXVoid以3D打印塑造近似人体器官与肌肉的立体结构，用金属化羽毛取代传统柔软羽饰；C.PROTOCOL通过雕塑性结构、金属链网与褶皱重塑身体边界；Huan Faye Chien将白泽和螣蛇神兽的骨骼轮廓转化为服装廓形与内部切割线；澈粼ChelinR的压轴礼服图案由主理人亲自手绘，让绘画直接成为服装作品的一部分。再看栗赞·李林晓“如一”，把意式静奢与法式松弛做成都市男装；SEED&SOUL飒驭把马术文化、骑士精神做成高级成衣；金盘绣、素隆姑用土族盘绣的“两针两线”古法，做出能走旅拍、也能走高定的当代霓裳。青年设计不是只有“先锋实验”一张面孔，也可以落地为男装、马术服、非遗成衣等。

这些作品有一个共同特征：有清晰的个人风格，也有可识别的商业潜力。NoahXVoid的3D打印结构可以延伸到配饰品类；C.PROTOCOL的雕塑性廓形适合高定与舞台造型；Huan Faye Chien的“藏与显”理念可以通过模块化设计实现多种穿法；金盘绣、素隆姑的价值则在另一端——把非遗工坊、绣娘体系和商圈展售接起来，让山区工艺进入城市消费场景。它们不只是停留在秀场上的实验品，也具备进入市场的可能。

平台的作用，就是在设计师和市场之间架起桥梁。通过“非遗·源创”专项扶持项目，北京时装周打通了传承人与新锐设计师的对接渠道；通过联动行业沙龙、学术研讨、商业对接等多元场景，青年设计师可以直接面对供应链、渠道方和买手。平台搭建了对接场景，设计师可以在这里接触到供应链、渠道方和买手。

不只做符号，更要做结构

青年设计师还要面对一个更深的课题：如何建立自己的设计语言。本季参与BFW NEXT的设计师中，有相当比例具有海外留学背景。他们熟悉国际时尚的语言体系，但也面临一个共同问题：如何用国际语言讲中国故事。

Huan Faye Chien的做法提供了一个参考。品牌以“Hidden and Found（藏与显）”为核心理念，关注个体身份、身体边界与文化转译。设计师并不直接复制东方文化符号，而是通过结构完成转译——以山间神话故事中的白泽和螣蛇神兽为灵感，将其骨骼轮廓转化为服装廓形与内部切割线，将毛发层次重新编排为印花与材质肌理。这是“用结构说话”而不是“用符号说话”。

另一条值得关注的路径来自澈粼ChelinR。品牌创立于2025年，主理人陈让长期专注礼服、西装及舞台造型，并将绘画意识融入服装创作。压轴礼服的图案由他亲自创作并手绘呈现，使绘画不再只是灵感来源，而直接成为服装作品的一部分。这种“艺术即时装”的路径，在国际高定领域有先例，但在中国青年设计师中并不多见。

金盘绣、素隆姑走的是另一条路：把土族盘绣、民族服饰结构拆开，再缝进当代版型与高端面料里。它们证明，中国青年设计师的“中国性”，既可以来自留学后的文化回看，也可以来自本土工艺的当代转译。

三条路径，殊途同归：海外设计师以现代结构转译东方文化，艺术设计师以绘画美学赋能时装创作，本土非遗设计师以传统工艺重构当代服饰。三者都不依赖符号堆砌，而是用设计本身回答“什么是中国设计”。