弓弦扬起，吕思清的一曲《梁祝》犹如冰山融化的涓涓清流，穿过幽谷，绕过山石，滋润了绿草红花。绿林深处，百鸟齐鸣，破茧而出的羽化双蝶，在空中缠绵，为爱情抒写瑰丽的篇章。

2019年是《梁祝》首演六十周年，吕思清是演奏该曲次数最多的小提琴家之一。在世界各地，他与国内外众多的乐团合作演奏《梁祝》已多达数百次。他演奏的《梁祝》被世界公认为最佳版本，唱片销量达到一百万张以上。

1987年，17岁的吕思清夺得全世界最顶级的小提琴大赛之一、意大利帕格尼尼国际小提琴大赛金奖，是第一位获得该奖项的东方人，被西方媒体盛赞为“一位杰出的天才小提琴家”。因吕思清杰出的艺术成就和广泛的社会影响，他还获得美国国会众议院荣誉证书、美国新泽西州“杰出亚裔艺术成就奖”、美国加州参议院荣誉证书、四次获得美国加州众议院执委会荣誉证书、万宝龙卓越艺术大奖、《中国青年》杂志“影响21世纪中国的100个青年人物”之一等荣誉。

吕思清优雅动听、美妙绝伦的琴声传遍了全球四十多个国家及地区。他曾经与许多世界著名指挥家及交响乐团合作演出，著名指挥家包括马泽尔、捷吉耶夫、阿什肯纳齐等。吕思清也受邀参加各项国事演出，例如2016年G20中国杭州峰会文艺演出，2019年第二届“一带一路”国际合作高峰论坛文艺演出。

近日本刊记者对吕思清进行了专访。

勤奋、自律与团队精神是音乐家的重要素质

东方文化：很多媒体称赞您为音乐天才，既然是天才，是不是您的学习过程就会比普通人更轻松？

吕思清：天分仅仅是开始，勿忘初心，不要荒废自己的才华，才有善终，天才要对自己有更严格的要求。

我很感谢父亲，他从我小时候开始启蒙，并引领我走进美妙的音乐世界。父亲非常严厉，采用严格方式来培养我们，在这种氛围下，我学琴一点也不敢懈怠。他认为音乐对于培养孩子的全面素质有重要作用，对人生也会起到正面积极的作用。

我有三个最著名的老师——中央音乐学院的教授王振山老师、梅纽因老师和迪蕾老师，他们都在不同时期教过我。他们都让我明白，勤奋是通向成功的必经之路。

小时候，父亲教我中国文化，其中有唐诗宋词、名言警句等等；后来我到英国学习欧洲文化，最后去美国学习。我很幸运，有机会学习三种文化。

东方文化：音乐家要勤奋学习高超的乐器演奏技巧，您认为作为音乐家还需要必备其他哪些重要素质？

吕思清：一定要给自己树立正确的目标，一定要自律，高度专注，带着情感持续性投入，这样才能得到百分之百的回报，才能够成功。

作为一个音乐家，我认为自律是第一位的，一定要自律，一定要很好地控制自己，每个人都希望不练琴就上台拉得特别好，但这是不可能的。所以学音乐要知道什么时候该干什么事情，而且做的时候一定要专注地做。

例如2016年9月4日—5日在杭州召开的G20峰会，我在最后一个月从北京到杭州去了5次，主要是排练，既然答应主办方，就要好好准备这场表演。

几乎所有行业中，金字塔顶尖的最成功人士，非常努力、最自律是他们的基本特征。

音乐也是个团队合作的艺术，团队之间一定要磨合好。好的音乐团队精神是什么？在台上突然有一些灵感或者有些微妙变化的时候，和合奏者马上有心灵共振的感受。很多时候好的团队之间可以不说话，用音乐就可以引导彼此，能够把内容表现出来，这个我认为是音乐的最高境界。这也是一个音乐家的重要素质，团队的配合能产生默契的呼应。

足球、篮球、排球等球类运动也是同样，如果没有团队意识、相互配合的意识，无法取得胜利。团队的这种合作，互通互补，互相的感应，每个人的职责是什么，都需要定位非常精确。

音乐也是如此，一个大交响乐团，我们不能只看指挥，最重要是去聆听各个声部，听懂大家在做什么，旋律在做什么，伴奏在做什么，需要非常敏感地感知音乐，个人要融入到整体音乐表现中。

所以我们要一起勤奋练琴、要排练，琢磨很多细节，有时我们就像坏了的唱机一样，可能重复二十遍三十遍。

就这么一个句子，这几小节，为什么这么刻苦？我们要去找最好的表现方式，因为有很多因素会影响音乐或情感的表现。例如我的小提琴如何与钢琴进行二重奏，我的弓弦速度，弓弦的位置，弦上的发音点，包括柔弦的力度，哪个音多强调一些等等,很多技巧都需要和钢琴进行配合。

但在演奏的时候，我知道基本上99.9%的观众都不清楚为什么需要这么多技巧，他只会觉得听起来特好或者特舒服，并不知道背后我们其实做了很多很多的工作，成功的背后是不懈的努力。

音乐需要不断地创作与层层深入

东方文化：您拉了很多年的琴，会不会随着次数增加渐渐消失激情？熟练了一首曲子，是不是就可以一成不变地继续拉下去？

吕思清：艺术创作永远这样，很多画家在不同的时期，他的画风会改变，或者他的艺术呈现会改变，因为他想寻找新的灵感。

音乐比较麻烦，同一首曲子要重复很多遍，所以音乐家与普通演奏者不一样，他需要去找新的灵感，在不同的阶段，曲子与自己的共鸣确实是不一样。曲子没变，但自己变了，生活经历变了，对音乐的认识变了，对人生的认识变了，表达情感的方式变了，这些都可以融入到音乐的创作和表现当中，所以音乐要二度创作。

艺术源于生活，高于生活。所以我个人觉得，艺术家也要平衡，要工作也需要生活，生活也可以为音乐家持续带来灵感，经过生活的历练，可以一层一层把音乐的深刻内容表达出来。

演奏也是一门艺术，我们永远认为我们一直在进步，下一个作品才是最完美的，画家也会这样认为，每个艺术家都会这么认为。我认为下一个作品固然重要，其实过程也很重要、很珍贵，因为每一个时期每一个成长过程当中，都会把不同的自己呈现出来，就是最真实的一种表现。

我20岁时候演奏《梁祝》也很好，因为那时候我演奏出很多清新或者清纯的音乐，现在我的演奏有更多丰富的内容，两者有差别，不管什么时候，我都需要一种创作精神。

很多发烧友为什么喜欢听不同版本的音乐，因为虽然是同一首歌曲，但是不同的音乐家演奏，每个音乐家的风格都是不同的，这才让音乐特别有趣，前提是作品必须经典，有那么多内容，有那么多情感可以去深度挖掘，每个音乐家挖掘的深度或者维度不一样，或者同一个音乐家在不同时期挖掘的深度或者维度不一样。

何丹浩老师说过，一个好音乐家，他不但要把作曲家想要表达的情感表达出来，把乐曲当中想要表达的内容表达出来，他还可以把作曲家没想到的内涵表现出来，表达内涵需要不停探索和创作。我认为很有哲理，这就是为什么听众对好多音乐百听不厌，因为里面还是有很多技术要素，也有多重风格。

大师仍然需要孜孜不倦

东方文化：有句话叫熟能生巧，很多职业到了大师的程度，会相对很轻松，所以当音乐家到了大师级别，是不是就不需要练习了？

吕思清：音乐最有魅力的是“一份耕耘，一份收获”。练习是音乐家的探索工具，音乐的思想和情感才能源源不竭。练琴是音乐家最好的修行，演奏技术的练习与运动员训练相似，既包括了技术层面，也包含了内心和思想层面，没有了训练，再高的天赋也会消失殆尽，成绩离不开训练。

通过练习，可以提高思想和内心层面的境界，对音乐情感内涵会感触更多，乐谱需要研究，通过绘画、雕塑、文学等各种艺术行为充实自己，音乐家随时要推动自己融入新的境界，提高自己音乐的内涵和深度。

很多不懂音乐的观众，包括有很多朋友，要请我吃饭，或者邀我出去玩，我说我要练习，他们很惊讶，说怎么还要练琴啊，他们认为我这个级别就不需要练琴，上台就可以拉，其实他们不了解。

作为音乐家，提高技术和理解音乐需要双重修炼，技术要保持一种状态，就像竞技运动一样，竞技状态要通过勤奋训练来保持，努力练琴是一样的道理。

如果演奏《梁祝》我闭眼按照我的录音那样把它拉下来，永远都不变，这对我来说没有任何意义。

《梁祝》是具有民族风格的爱情浪漫主义音乐，以委婉、大气、唯美、感人至深为主要特点，我不能把《梁祝》演奏成没有爱情的曲子，主题风格必须对，但是在这个主题风格范围之内，我可以把它刻画得更深刻，技巧做一些变化，这对我来说才有意义。

我不是机械地用手指的力量，或者说做音准练习，而是真正从音乐的角度，把这首曲子能够表现得感动人心，或者是能够让听众在音乐会当中有一种感动的时刻，我觉得这个特别重要。音乐会之后，听众能经常回忆这曲动人心扉的音乐，这才是成功的演奏。

学习一门乐器需要刻苦的精神，音乐家共同的梦想是不排练就可以拉得好，弹得好。我曾跟世界上很有名的一个指挥家、美国的基斯拉克哈特合作后聊天，都感叹如果不经过多次的排练直接演出多好，但这是不可能的。

作为表演者，我们压力很大，为什么？要应急各种突变，我们的表演是现场的呈现，我们这一弓弦拉出，或者唱歌一个声音出去，就收不回来了，好、坏全都在这，日常的勤奋练习才能随机应变处理这些问题。

还有一个原因，我们要对一个作品反复研究，我们要让它有更多的音乐思想与情感通过乐器来表达。

明年我计划选择再研究贝多芬的曲子，估计有十首，虽然我以前演奏过，但是我还需要付出较大努力再次研究和练习，去挖掘更多的内涵，因为明年是贝多芬诞辰250周年（1770年12月16日贝多芬出生于德国波恩）。

贝多芬的《D大调小提琴协奏曲》，格调高雅、旋律柔美、气势宏大，颇有王者的韵味，这部小提琴协奏曲采用三乐章结构，第一乐章是扬溢着激昂精神的奏鸣曲，第二乐章是庄重瑰丽的小广板，第三乐章是生机勃勃的回旋曲。

还有《C大调钢琴、小提琴与大提琴协奏曲》是贝多芬运用小提琴、大提琴、钢琴三件乐器的组合与交响乐队相对置形式写成的一首协奏曲，创作于1803年。

乐团现在都喜欢演奏贝多芬，我也演奏得比较多，贝多芬作品的演奏数每年都是全世界排前三。

著名作曲家的诞辰多少年或者去世多少年，一般都会激起听众的热情，为了更好地服务听众，我们会非常努力提前挖掘这些素材。

把握市场的节奏，做听众喜欢的曲目，让听众获得更加美好的音乐享受，即使自己辛苦一些，我们也愿意，这样我们的演奏会更有意义，音乐家的追求不仅仅是攀上艺术的高峰，更多的是要努力服务社会。

既要骑千里马，也要舞关公刀

东方文化：小提琴是具有高难度演奏技巧的乐器，在器乐中占非常突出的地位，有“乐器之后”的美誉，有人说乐器是音乐家的千里马，您的千里马有什么特征？您是如何来驾驭您的千里马？

吕思清：千里马虽好，但是难骑，驯服它需要付出很多。

例如我的小提琴，在演奏的时候弓弦力度、角度，都很有讲究，所有的音乐、音色的变化，都在于弓弦特别细微的变化，弓弦虽然表面看似用简单的反复动作来拉琴，但却释放出变化无穷的声音，而且它的内在思想非常丰富，就犹如音乐，不单纯是一种声音。

一个优秀的小提琴家，他的技巧会特别丰富，在同样的范围里面可以做出多种变化，而一般的演奏家只能做出几个变化来，这是差别。

我有两把琴，都是历史悠久的名琴。两把琴不太一致，尺寸稍微有点区别，发音的特色也不一样，琴的把位、琴和弓弦配合关系也不太一样，需要提前适应音准，如果练习的时候适应了，演出时就能有优秀的表现。

我的琴来自意大利的小镇克雷蒙纳，离米兰有差不多两个小时的路程。那个小镇从四五百年前就开始做小提琴，至今依旧是世界上做琴最有名的地区，西方对自己的文化艺术保护得非常到位。

我的弓弦都来自法国，法国人弓弦做得好，意大利人只做琴，法国人也想做琴，但是做不过意大利人。

法国人通过灵巧和精细的技术来做弓弦，意大利人用创造性或者是艺术性来制作琴，所以提琴家标配基本上是法国弓弦配意大利琴。

手工小提琴制作工序较多，包括选料、刮板、音孔等数十道工序，而且制作每一部分都需要精细的尺寸和严格的打磨，制作小提琴的艺人把心血倾注在每一把小提琴上，所以琴也是艺术品，在于它不可复制性。

小提琴演奏者大都喜欢一直用一把琴，因为熟悉了，越拉就越跟它形成一种默契，等于说琴也懂演奏者，想要什么它也会知道，我也知道怎么让它表现音乐，这就是所谓的磨合，就像新的汽车磨合一千里后就顺畅了，所以很多提琴家一把琴能用很久。

优秀的提琴家拉任何琴，都能把这把琴的最好声音拉出来，不是说只能拿著名琴才能拉出好声音。有时在某些场合，自己的琴不在身边，即使学生琴，都可以拉出好听的声音。

我曾经一场音乐会因为各种原因，用过六把小提琴，每把琴都不同，但是他们反映说每场都演奏很成功。

一个提琴家要经过长期练习，即使换了琴，一样也能驾驭。一个优秀的音乐家需要具备各种应变能力，除了要适应乐器、也要适应环境等。

为年轻人创造更多机会是音乐家的社会责任

东方文化：您目前已经功成名就，刚才也提到您自己的人生构想，明年，再往后您有什么样的规划？您希望自己的事业达到什么境界？

吕思清：演奏很重要，但我会在培养下一代方面付出更多努力，我比较感兴趣，也是我的社会责任。

有句名言：音乐是打开心灵的窗户，艺术可以影响一个人的整体素质，也可以提高一个人的情商。孩子在成长过程中应该得到全面的培养，音乐也有助于开发孩子的智力，协调大脑的均衡发展，很多名人学过音乐或者喜欢，音乐可以激发更多的创造力。

音乐一定要传承，好的文化一定要延续，新手需要引路人，每一个成功的音乐家，在年轻的时候，都有很多人提携他、支持他。

社会上还有很多艺术赞助人、艺术支持人，他们也给了年轻人很多机会，我认为我们要给年轻人创造机会，所以我想在这一方面做更多事情。

去年在深圳举行的第二届深圳福田国际弦乐艺术周暨“福田杯”国际青少年弦乐精英赛，组委会任命我为总监，有很多年轻学生来参加比赛，包括来参加大师班。

学生参加艺术节的活动都是免费，每届都请很多世界各地的大师来，包括我共八个评委，都是免费给学生上大师课，我认为对于学生这也是一次很好的学习机会。

我也参加国际比赛，去年的梅纽因青少年国际小提琴比赛我是评委，里面有很多优秀的中国选手，包括在海外的华人，有些获奖有些没有，我也希望以后给他们创造一些机会，跟大师同台或者有一些演出的机会，这特别地重要。

要有人去帮助年轻人，指导他，因为很多东西他本人并不知道。除了帮他提高演奏的技巧，还包括如何与经纪人打交道，如何与乐队和指挥配合，怎么去平衡工作与生活，怎么能够更好地在这条艺术道路上成长，这都需要老一辈的艺术家来指导，我也希望成为一名指导老师。

因为时间关系，我暂时没有做专职的教学，教学必须要对学生负责任，不能教了他几天，两个月回来再教一下，再两个月后去世界各地表演，学生没法学，我也不想用名人光环去请他人来代教，这样没有实际的效果。

虽然时间有限，还是有很多学生希望听我指点，我有时临时会给他们上课，只要我有一点时间我都会给他们上，而且是完全免费，我觉得这是很好的事情。

我经常对他们说，练琴也要讲究方法，当掌握一首曲子差不多的时候，每天最少都要按照演出的状态去拉或者弹一次。

我一般是早晨活动完，立刻按着演奏状态拉一遍，在演奏过程当中，会发现这个地方可能不太好，那个地方不好，于是再练，到最后结束的时候，一天练习结束，再演奏一遍，思考这一遍和上午那一遍有什么区别？解决了什么问题？最关键在这个演奏状态当中，因为自己的紧张度、身体、情绪，跟自己很放松地练习演奏是完全不一样的，这样就能知道自己在台上会碰到什么样的问题。

我们排练，就像F1赛车正规比赛之前的排位赛一样，排位赛一定要好好地去比，因为它决定了第二天正式比赛自己排在什么位置上，所以不能说排位赛我轻轻松松，就等着正式比赛才认认真真去开，肯定是不行。

我也特别地强调，如果有机会一定要在别人面前演奏，哪怕只有一个人，因为有一个人在，就会有紧张感，也会很投入，然后拉出来、弹出来就会出现很多状况，但自己平时一人练琴的时候未必能出现这些状况。

因为演奏最终的呈现是在听众面前，当我们面对听众的时候，无论练得再多再好，再不紧张的人，其实那个状态还是不同，包括任何人都会稍微有一点紧张，一紧张心跳快了，节奏可能也就快了，很多技术上的细节，演奏状态上的呈现，如果不是在真正的演奏状态上，都不知道会出现什么样的情况。

一个有才华的小孩，要成长为一个优秀的音乐家道路很漫长，除了勤奋，他所需要具备的条件和因素非常多，缺一不可，哪个环节没有做好，都有可能走歪了，或者是让他不能够真正攀上他的艺术高峰。

“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”，音乐之路也很长，我在慢跑，也很享受这个过程。怎么去帮助年轻人，或者可以跟他们传授一点自己的经验，这一直是我努力在做的事情，我认为这是我的责任。

执笔至此，作者深有感触，没有人数得清吕思清一共拉了多少次弓弦，爱迪生说“天才是百分之一的天赋,加上百分之九十九的汗水”。

在原始社会，人类就制造了骨哨、石磬、石鼓、石埙等乐器，音乐一直陪伴着人类文明的进步。自古以来，音乐大师都笃实好学，悬梁刺股般昂着头挺着胸在练习，台上一分钟，台下十年功。天才大师也只有一条路通向华山之巅，也只有特定的素质能够支持大师一直坚持到成功。

拥有高尚品德的大师们早已穿越了世俗的境界。只有达到这种天人合一的境界，他们才能不计报酬承担更多的社会责任，成为人类文化得以千年传承的推动者。

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