主办单位：中国美术家协会、中国油画学会、中国艺术研究院美术研究所、刘海粟美术馆

协办单位：上海市美术家协会、上海戏剧学院、中国南方油画山水研究院、鸿一美术馆、江苏凤凰画材科技股份有限公司

支持单位：北京赛服文化发展有限公司、卡索艺术工作室

学术主持：尚辉

策 展 人：黄胜

展览日期：2023年9月23日-10月8日

展览地址：上海市延安西路1609号刘海粟美术馆

自画像

160cm×125cm

布面油画

2007年

深沉的优雅

——张祖英油画的中国诗韵

◎尚辉

“风景如画”是人们形容自然景致常用的修饰词语，意指那种像画儿一样的自然之美。在18世纪的英国，对如画（picturesque）风景的探寻，使上流社会兴起了对英国怀河谷地、北威尔士、湖区和苏格兰高地等地的旅游狂热，人们按照诗歌、风景画的美学理想来探索那些荒漠的自然景观，从而也反过来激发了英国风景画的诞生。他们逐渐将罗马田园牧歌式的景致改造为具有英国北部荒原特征的风景画，体现了工业化时代人们重返自然的一种审美向往。油画风景的本土化在英国艺术史发展中具有独特的意义，这种情形在中国同样如此。上海作为中国西画的摇篮，早在19世纪末和20世纪初从土山湾画馆里培养出的画家作品里就可窥见一斑。而上海美专的创办者刘海粟更加自觉地将中国文人画的“画中诗”转用于油画风景创作，开启了中国“意象”油画风景画的本土化探索之路。

这个展览的主题词“诗性的艺术”，来自中国当代著名油画家张祖英对自己油画艺术追求的定位。他把自己数十年的油画艺术创作概括为对油画诗性意味的探索，这或许体现了中国文化对“如画”的另一种解读与创造。的确，中国早在唐代大诗人王维的艺术思想中就提出了“诗中有画”“画中有诗”的命题。中国人衡量山水能否入画的标准更精确地表达了“画中有诗”的概念，点明了“如画”的审美内涵是“诗境”，而不是英国以“罗马的田园牧歌”作为如画的范式。应当说，张祖英对油画诗性的追求，表达了中国文化对外来艺术的再度改造。这也是几代中国油画家对油画本土化探索的艺术理想。

林区小溪石路

24cm×54cm

布面油画

1984年

出生于20世纪40年代的张祖英，自幼成长在上海滩一个富有文化氛围的茶商家庭。海纳百川的文化包容性、海上自由浪漫的西画情调，都深深浸润了他的艺术胚胎。此后，他被家人送到陈盛铎主持的“时代画室”习画，并有幸多次到刘海粟家中亲炙教诲。1959年，他考入上海戏剧学院舞台美术系，从此真正开始了他绘画艺术探索之旅。这个展览中的最早作品都是风景油画，这些画作尺幅虽微，却颇能显现张祖英对“画中有诗”的追求。不论《晨海》《湖畔》，还是《晨》《林区小路》等，他都十分注重晨光夕照那种浓浓光色的意境营造，诗性情怀从那个时候就贮藏在他的油画生命里。这些画作从开始就十分注重对印象派光彩的研究，而景物的设置却具有中国诗词的理想性与意象性。这些作品的创作其实已奠定了他此后如何营造中国式油画诗性品质的基调，他的意景能力、造景方式都使他脱离了那种写生性的油画风景，而体现了中国绘画追求的“画中诗”的美学品格。

林区边缘

60cm×120cm

布面油画

1984年

造化弄人，最不愿离开这座城市的上海人却在那个特殊的社会氛围中来到了北方。1963年，张祖英于上海戏剧学院毕业后即被分配到中国艺术研究院，开始了他后半生的京派文化生活。京派文化的正统性，似乎也注定了北京作为新中国美术中心的现实主义油画传统。张祖英的画路开始在中国艺术研究院这样的学术核心高地得到转型，并在中央美术学院油画高研班再度得到学术提升。从70年代开始，张祖英以一系列肖像式的主题创作而开始引起画坛侧目。从《创业艰难百战多》《塬上》《穿灰色裙子的姑娘》《开拓者》到《白衣少女》《维吾尔族妇女》《侧坐的肖像》《红衣老人》等，他既努力通过肖像画创作展现时代的风云变幻，也试图通过那些儒雅而知性的人物群像来揭示一代知识分子的命运。这里既有硝烟弥漫的战壕中陈毅坚定的目光，也有书斋柔和的灯光下曹禺深邃的远望，更有从动乱走向新时代的知识女性渴望自由的神情。显然，张祖英在这个时期逐渐形成了自己通过肖像来折射时代的创作风貌。这些作品受到了古典写实油画的深刻影响，它们在呈现新时期中国油画向古典主义回归的同时，也体现了张祖英自己对“时代肖像”的解读。

来自中国的声音-1943年宋美龄在美国众议院演说

165cm×120cm

布面油画

2014年

他从普通人物肖像所发掘的“典型环境下的典型性格”既体现了他的上海戏剧学院的学脉渊源，也体现了他自己对普通人物命运的深切关注。在抽离环境与人物关系的肖像画创作中，他更注重通过面孔、表情和眼神来塑造时代中的人物性格的表现方式。

新世纪以来，他的肖像画创作开始涉猎历史人物的刻画和民族人物形象的描写。在历史人物形象的塑造上，创作了《青年胡适在北大》《来自中国的声音——1943年宋美龄在美国众议院演说》《拂晓——周恩来在遵义会议前夕》《南巡途中》等脍炙人口的名作。这些历史人物肖像画是伴随着新世纪以来国家各种重大历史题材创作工程或项目而完成的创作课题，体现了张祖英将历史题材与人物肖像塑造结合在一起的艺术探索，尤其是他选择的这些历史人物往往在清秀儒雅的形象里都饱含着丰富的心理特征，从而使他能够通过对他们心理世界的捕捉来凸显时代人物的精神肖像。在民族人物形象的描写上，他十分注重对那些普通人日常瞬间的刻画，《维吾尔族铁匠阿米尔》对青年铁匠深沉专注神态的捕捉、《啊！蒙古·蒙古》对内蒙古女性眼神充满草原情怀的揭示、《哈萨克族小学生》对偏远乡村孩子们的目光里流露出的憧憬与向往的定格等，都让人感受到画家对人物的个性化塑造以及通过个别人物来展示一个民族风采的创作特征，而这些人物形象又是如此强烈地显现出一种时代色彩。相对于20世纪八九十年代，此期张祖英的人物形象更具有塑造的厚实感，在《维吾尔族铁匠阿米尔》《自画像》《躺着的海》和《遐龄肖像》等作品中，他把对古典主义的形象研究融入当下的个别的人物形象表现之中，形象淳朴却刻画深入，调性温厚却塑造有力。这代表了中国油画在人物肖像画创作方面的新探索、新风貌。

128cm×102cm

布面油画

2006年

张祖英的肖像画其实并非就人物画人物，他总是力求通过那些人物性格来发掘时代精神，因而这些肖像画更深刻地说，是时代景观；而他的风景画也不是随手拈来的小品，而总是试图通过风景表达历史情怀，使之具有历史景观的肖像性。他最为知名的是《古道·岁月》《梦故乡》和《山之魂》等风景画。在当代，长城题材常被纳入画面，但能够有他的《古道·岁月》这么深沉、这么幽邃、这么静谧的长城却不多见。画家是把“秦时明月汉时关”那种悲切寒苦的边塞诗意真正灌注在画面的每一笔色里了。这里似乎没有为了表现而表现的色彩，一切都沉进画面的诗境而使人忘却了油彩本身的语言。对于这个从小生活在黄浦江边的上海人来说，他对江南河水的怀念、对故乡月色的留恋，或许都表现在了《梦故乡》的作品之中。此作以灰紫色的暖色月光渲染了枕河而居的江南瓦舍，一切似乎都沉浸于月色之中。而《山之魂》并没有描写哪个具体的山，而是以剑锋似的山峦象征着一种挺拔、坚韧、崇高的精神，他把对中华民族勤劳勇敢的精神品格都化为对这山之魂魄的捕捉与塑造之中。这显然已超出对具体对象的描写，而赋予其主观精神。

102cm×140cm

布面油画

1986年

其实，张祖英的风景画最能体现中国油画的诗性特征，他并不是去进行一般意义上的风景写生，而是在日常景观中发现诗意。这里既有对历史的抒怀，如《大三巴的诉说》《远山的呼唤》《血色长城》《群山之歌》；也有从日常风景中发现的悠远的情愫，如《梯田恋歌》组画之中的《薄暮初上》《落日辉煌》《群山初醒》等。这些作品都非常注重诗意的营造与诗性的提炼，他画的长城、故乡、山峦、水田、松林等都具有中国诗词那种对典型景物的选择与叠用的完型性，或者说他能够从自然的发现中进行完美诗意的再度创造。这既包括对现场琐碎景物的整合，也包括运用日光或月色来重新创制境界。月色几乎是他风景画的迷幻剂。因为有了月色而让他充分发挥了油画造色制影的语言要素，而光影也的确为他的这些风景增添了神秘、静雅、深邃的诗意。当然，表现月色并不是张祖英的专利，古今中外都不乏制造风月的高手。对有的画家而言，可能也因画月色而使画作显得甜俗。但张祖英的月色却始终给人带来一种沉静与深思，他力避甜俗而画得坚实凝重，甚至追求一种悲切苦涩，其画面境界的阔大浩渺，无不弥散出一种空凝幽深的意味。他的这种深沉的优雅、静谧的柔美或可谓中国最典型的诗性特征，也显然有别于透纳所代表的英国风景画所追求的光影交错的戏剧性诗意。

130cm×150cm

布面油画

2017年

张祖英的油画可以定位为古典写实范畴，他这一代人更试图从欧洲古典主义油画源头中探寻造型与油色之间的油画本体语言意味。他对油画诗性的理解不是浪漫绚丽而是深沉宁谧，并把象征与寓意都融入风景与肖像的塑造之中，因而，他的这些诗性也隐藏了他们这一代人的生存阅历与思想追求。唯其如此，其诗性才具有了更宏约的概括性、历史性与现实性。宏约深美正是他从海派油画中获得的一种精神滋养，这也终成为他油画艺术魅力的显现与追求。

2021年8月6日于北京

青年胡适在北大

160cm×110cm

布面油画

2015年

诗性的艺术

——关于中国当代油画本体语言和写意性研究的思考

◎张祖英

油画艺术作为从西方引进来的外来艺术，应该说在发展过程中中国艺术家比西方艺术家更为艰难，因西方艺术家只需在自身传统基础上，根据艺术规律继续前行即可，而中国艺术家不但要了解掌握这门外来艺术的精粹，还需要在中西文化的交流、融会的学习过程中进行创造性的努力，并且随着时代的变化还需要完成由传统向现代的转换。因此在发展道路上，中国艺术家要付出更多的努力。

600年基础上建立的油画大厦

欧洲油画发展了600年，先后经历了古典主义、浪漫主义、印象派、现代主义、后现代主义等，每一个阶段都经过了不短的历史过程，而各个发展时期产生了大量的经典作品和彪炳史册的艺术大师。所以他们基础雄厚，艺术上有着清晰的发展轨迹。而中国的油画艺术，因为起步时间短，早年赴欧学习的先辈少，随着新时期国家实行改革开放政策，中外文化交流的加强，迅速形成融合与发展的热潮。众多艺术家远赴欧美各大博物馆、美术馆，犹如在欧洲艺术长廊横开了一扇门，同步直奔油画历史的各个时期；从文艺复兴前后到现代诸流派，齐拥眼前，人们根据喜好各取所需，如饥似渴地吮吸知识和营养。

这样，从表面看似乎西方用几百年走过的路，凭着中国青年才俊的才智、渴望进入欧洲艺术殿堂的干劲，在新时期以来短短三十年间就走过了，取得了瞩目的成绩，令世人惊诧。似乎西方有的我们已具备，甚至西方所没有的，我们也有人在实验。表层看来中国油画似乎进入了发展盛期，但冷静地分析，实际上个人真正体会到的只不过是艺术长河中的一段，浅尝辄止的现象比比皆是，除一些优秀画家外，有不少画家对油画艺术规律及艺术语言体悟不深，缺乏文化积淀而基础不实必难盖起高楼大厦，更不要说攀登世界艺术高峰了。当前我们存在的众多艺术问题均与此有关。由此，从艺术的长远发展看，艺术要往高处走，我们必须夯实基础，应该在中国油画的各个层面向深处开掘，提高它的总体水平，对此我们务必要有清醒的认识。

血色长城

布面油画

160cm×320cm

东方的光辉，油画发展新的着力点

从文化角度看，油画艺术引进中国，中西文化碰撞，就会产生不同的创造性成果，正如美国的基辛格博士所说创造性经常产生于两个不同概念碰撞的火花中。油画进入中国必然会面临中西两种文化的交流、碰撞、融会的过程。

欧洲油画是建立在科学、理性和写实表现基础之上发展过来的，有着包括色彩、空间、体积、透视学、解剖学等非常理性的内容，在数百年的历史中已经创造出难以超越的艺术成就。中国油画的出路在哪里？不少人很彷徨。但是联系中国文化精神和美学理念，中国文化传统精神中更多的是注重画外之意，如天人合一，境界、意蕴的诗性表达，就如油画中常提到的构成、节奏、对比、黑白等，以中国古代画论中的“气韵生动”就可概括其宽广的内蕴，包括对“形与神”“境与景”等关系的理解，强调艺术不是写真而是写心，以心写境，以境为画，也就是古代画家米芾的“画为心印”，可以感悟到古人对客观世界的理解和把握已达到出神入化的境地。

这些古代画论散发着东方文明的光辉，相对于西方绘画的标准显然是新鲜的，也是不少西方大师在艺术创作过程中探索到的发展欧洲艺术的着力点。在欧洲印象派以后的作品中，就不同程度地出现过东方艺术的气息和元素。马蒂斯曾说灵感经常来自东方艺术，这帮助他走出写生画作的空间；显然，在绚丽的欧洲油画世界中仍留下一片可供中国艺术家展示才能的天地，给中国艺术家开启了另一扇创造的大门，可以展现别样的创造天地。

“写意”是作品精神的诗性表达

近期业内正在讨论写意油画、意象油画、油画的写意性研究等学术概念。我认为：中国人的精神世界和心灵表达在世界文化发展中是独特的，在世界文化之林中，我们既然有历史基础和现实条件可以创造出另一空间，就要带有一种使命感实实在在地去做。首先要做好定位，明确和界定学术范围。“写意”是中国传统艺术的精髓之一，但它不是全部，不是说“写”了就有“意”。写意的关键不在“写”而重在“意”。在绘画的历史发展上，宋代苏轼将士人画的“取其意气”与画工画的追求外表形似加以区分，提炼为中国写意画的基本内涵。此后的文人画家和评论家遂将“写意”与“求工”作对比性的评价。但即便在宋元人士心目中，草率和简略并不就是写意的全部，他们对写意看重的还是在它所蕴含的精神价值。

另外，从绘画发展的历史看，写意表达的作品与原有的绘画最不相同的地方，是它对原有绘画目的和绘画技法标准的突破，是根据自然之美的客观形象，表现出艺术家高超心灵的境界。把写意等同于用笔豪放、恣意涂抹、造型松散、随意而为是对写意的简化。真正要理解“意”的内蕴，就要去总结研究，否则只会产生轻松几笔绘成的半成品；但不能不承认，一些非常写实的作品也很有境界和意蕴，并且与写意精神心曲相通。因此，应明确“写意”不是一种手法或模式，而是作品的精神境界和画外之意，是作品精神的诗性表达。对此，我认为提油画的“写意精神”或“写意性研究”的说法更为恰当与科学，如果把这些问题研究好、研究透，我们的绘画确能独树一帜，在世界艺坛具有更大的影响力。

创业艰难百战多

160cm×150cm

布面油画

1977年

大都美术馆藏

诗性的艺术，更好发挥油画的魅力

加强油画的写意性和绘画性还必须要重视对油画本体语言重要性的认识，重视对油画艺术本体语言的研究与探索，这对深化油画本体艺术语言的深入研究，提高油画的学术水平，更好发挥其动人的艺术魅力起着十分重要的作用。

我们从西方油画历史来看，各个发展阶段都出现过一些代表性画家和代表性作品，这些彪炳史册的大师几乎无一例外都呈现出鲜明的语言特色和艺术风格，使在科学、理性真实基础上发展起来的油画艺术，在造型、色彩、空间为基础的原则中，呈现出极为多姿多彩的艺术风貌，不但提升了油画艺术丰富的绘画性、表现力和品位，也开阔了人们认知的视野，成为人类精神世界不可缺少的瑰宝而受到世人尊敬。在某种意义上，艺术史就是艺术语言不断丰富发展和创造的历史，这也是这门艺术赖以存在的灵魂，可见对艺术来说，艺术家个人的创造性劳动是何等重要，说明在艺术领域对艺术本体语言的研究和创造在发展过程中是何等重要。正如杨振宁所说：“艺术作为创造性劳动，带有明显的个人特点，常常表现为一种风格，风格越强烈，则贡献越大。”

作为反映社会生活的主体，艺术家必须要以个性化的语言来丰富油画艺术的绘画性、表现力和多样化。从本源来说，艺术来自于生活，但反映生活并不等于照抄生活，更不能把艺术家的眼睛等同于摄影机的镜头，把提炼生活变成画照片的过程，以至于代替艺术家的心灵创造。而要使生活的表象通过艺术家心灵的感悟，智慧的提炼、概括，再运用艺术的手段转化成为艺术之美，从而产生巨大的能引发更多人共鸣的精神力量，好比牛吃草而产奶。这就涉及到在转化过程中，作为艺术语言创造主体的艺术家的个人气质、内心感受力和品位等内在素质决定的艺术的不同境界和精神高度，从而决定了艺术水平的高下。我们经常可以看到，在写生中面对同一自然景象和人物形象时，艺术家会因不同的体悟和处理方式而产生各不相同的表达，格调情趣高下不同，或高雅或平俗，展现了完全不同的面貌和艺术价值。由此也联想到，中华传统文化中的中庸之道，它不是折中之意，在艺术理解中它体现在艺术的形似与神似之中取其最佳点。为了强调油画家个体心灵的独特感受，可以强调或削弱某些方面，而结果是比现实生活更集中、更强烈、更概括、更典型，从而更好地体现了艺术家特定的精神指向，更好地体现油画的绘画性。

当今油画发展状况，现实主义的创作精神仍为主流，同时也体会到随着世界各国、各地区人文环境、历史文化的不同，必然会展现不同的特点与发展的多样性，可理解为有着现实主义宽阔的道路。而如今对中国艺术传统和写意精神的重视，更多关注人文精神和艺术境界的探寻、开拓，且过去也有革命现实主义与浪漫主义相结合的做法，我们也可提出诗性的现实主义这一概念一起研究。

如今，为进一步推进油画艺术，夯实发展基础，油画界有识之士正在各个方面提高和加强油画艺术本体语言的研究和探索，加强中国文化精神传承与实践，无疑有着十分重要的意义。绘画性作为艺术语言，即表达方式，是作品精神的载体，优秀的艺术作品必然承载作者的人格、能力和精神深度，以及人生境界的提升，也必是精神表达和艺术语言形式的高度统一，正如我们常说的，艺品即人品，作品如人，中国艺术的发展前景，需要每位艺术家的努力，这才是走向艺术主体的保障。

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