（1）塞尚
塞尚(1839-1906年）生于法国南部普罗旺附近的艾克斯城。塞尚青年时期学过法律，爱好文学和美术。1862年到巴黎专攻绘画，并结识了毕沙罗、马奈和雷诺阿等。曾几次参加印象派画展。他承认和尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就，但同时又觉得印象派的观察法和表现法太表面、太飘浮。他有自己的个性。他不追求外光，而注重表现物质的具体性、稳定性和内在结构。比之印象派画家，他更加关心实体感与构图，关心均衡与结构，画面显示出凝重厚实和恒定持久的感觉。塞尚主张绘画摆脱文学性和情节性，充分发挥绘画语言的表现力。这一主张推动了欧洲的纯绘画观念的流行的形式主义绘画的发展。他强调主观感觉的重要性。所以，现代派艺术家把他的理论和实践看作是新艺术的"起点"，称他为"现代绘画之父"。正像阿纳森在《西方现代艺术史》一书中所说："毋庸置疑，塞尚是20世纪立体主义和抽象主义绘画之父。但是，即使在他生命之末，也从未有过任何想完全脱离现实的愿望。当他说起锥体、圆柱体和球体的时候，没有把这些几何形状当做最终结果，也不想把风景或静物最后加以抽象，抽象对于他是一个方法，一个中间站。在这里，他剥去了他所看到的无关紧要的枝节问题，旨在重建作为独立绘画的自然景致。"
塞尚在创作中，力图从各个不同的角度，从形、色、节奏、空间等诸方面去表现体积质感的多样和丰富，探索事物内在的"奥秘"。如《埃斯泰克的海湾》中，轮廓线就是两个色块的汇合处。画的中景部分是海湾，是一片强烈浓重的色块，各种各样蓝色，从画布的这一端延伸到另一端。海湾的后面，是一排蜿蜒起伏的小山，山的上空是淡淡的、柔和的蓝天。里面只加了一些极淡的玫瑰红、绿的是落日的余晖，海湾的蓝色，甚至比前景的褐色和红色更强烈地表现自己。塞尚采用色的团块表现物象的主体、深度，他不主张用线条、明暗来表现物体，而是用色彩对比。他认为，线是不存在的，明暗也不存在，只有色彩之间的对比，物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来的。
塞尚创造了一系列风格特征鲜明的人物画、风景画和静物画，如《肖凯像》、《玩纸牌者》、《黑色的时钟》、《穿僧侣衣服的多米尼克舅父》、《读报纸的父亲像》、《苹果篮》、《酒神宴舞》以及《浴女们》等。塞尚生前并未得到社会的承认，直到死后第二年才得到巴黎画坛的承认。
（2）高更
高更(1848-1903年）生于巴黎。当过海员、店员和交易所经纪人。35岁时他辞去交易所经纪人的职务而成为职业画家。但是又拒绝按照传统的方法去学习。他在南太平洋的塔希提岛生活和创作的几年，是他创作生涯当中非常重要的一段时期。他排斥光影在画面上的作用，而从充满神秘的对照和辉映效果的平面色块来组成富有装饰效果的壁挂一般的精彩画面。1889年所创作的《雅各与天使的搏斗》就是这种风格成熟的标志。这幅作品由红、蓝、黑和白色组合而成，弯曲起伏的线条产生了一种镶嵌画似的效果，表现了一种宗教的幻想。高更在雅各和天使进行搏斗的地方的色彩运用红色，并且占画面的绝大部分，他把色彩显然当成表现目的而不是对自然界的某种描写。高更把绘画的本质看成是某种独立于自然之外的东西。当成记忆中经验的一种"综合"，而不是印象主义者所认为的那种直接的知觉经验中的东西。
在高更的作品中，可以明显看到他抛弃西方传统的习惯势力而力图实现一种回到史前人类的表达方式来认识真理和认识世界，因此，他的作品具有一种象征性和表现的原始性。
高更的《我们来自何方？我们是什么？我们走向何方？》就是典型的象征主义作品。是他自杀未遂后在塔希提岛创作的。他的梦幻的记忆形式，把读者引入似真非真的时空延续之中，在长达4米半的大幅画面上，从左到右意味着从生命到死亡的历程，树木、花草、果实，一切植物象征着时间的飞逝和人的生命的消失。这件作品取材于塔希提人的宗教，在一片葱郁的蓝色的绿色丛林中，隐约显现出"佛"的慈容，闪烁着橙色光辉的粗犷人体，在自由地休憩和生息。高更的另一幅作品《两位塔希提妇女》则是另一番情景，含有很高的趣味性和艺术魅力。在从黄色到各种深浅不同的绿色的色彩结构中，现出了两个妇女的轮廓，象纸浮雕一样出现在背景上，虽说是线造型，但人物的头部和手臂却是以微妙的明暗变化来表现的。
高更的作品吸收东方绘画、黑人雕刻、中世纪艺术和民间版画的一些特点而形成了一种装饰的画风，因此，在他生前，有评论家称他是绘画中象征派的首领并非没有道理。他的理论与实践也的确影响了一群使用象征语言的画家，推动了象征艺术的发展。总之，高更对二十世纪的现代派艺术，特别是超现实主义有重要的影响。
（3）梵高
梵高(1853-1890年）出生于荷兰津德尔特。是一名荷兰画家。但是他的主要活动和影响都产生在法国，并与高更、塞尚齐名。早期画风受荷兰传统绘画与法国现实主义画派的影响，注重写实，如《食土豆者》就是表现一个穷困的矿工家庭生活情况的现实主义作品。自从结识了西涅克、高更等人以后，画风开始变化。
梵高大胆地使用鲜明强烈而又充满光彩的深颜色作画，达到了和谐而又艳丽的色彩力量。他追求线和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。对于1888年8月所作的《向日葵》，梵高解释说："我想用一组'向日葵'来装饰画室，我让纯的或混合的铬黄在从淡黄到深青色不一的背景上迸发出燃烧的火焰。我把他们镶在橙黄色的细画框里，其效果犹如哥特式教堂中的彩色玻璃画。"他是借秋天阳光下向日葵的形象表现内心激奋的感情。
有些理论家在评介梵高创作时，错误地认为梵高艺术的表现仅仅来源于"燃烧着的主观感情"，甚至有人认为由于他神经不正常，他的艺术才含有"一股不可抑制的力量。"这种见解是没有道理的。梵高早期接触过下层社会，有一定的生活体验。他16岁当职员，先后在海牙、布鲁塞尔、伦敦、巴黎等许多城市工作过，后因失恋和热衷于宗教抛弃经商，在一个煤矿区当传教士，过着清贫的生活。假如没有早期的生活体验，他是无法创作出像《食土豆者》那样具有生活气息的作品来的。《囚徒放风》是梵高根据法国著名版画家古斯塔夫.多雷的版画构图改为油画的。此画的社会意义是深刻的，与其它画，如《农民》、《邮递员罗林》、《夜间的咖啡店》等一样，都是梵高的名作。
在作品中表现出对人类强烈的爱和抒发自己强烈的个性，是梵高创作的一大特色。在梵高的肖像画里也可明显地感受到这一点。1890年梵高自杀前的几个月里所画的自画像就是一幅深深打动人心的作品。他如实地表现出精神病人凝视的可怕和紧张的眼神。在不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外，似乎我们从画上看出了一种惊恐中的渴望。
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