时尚广州新媒体讯：在中环海滨那座临时搭建的巨大白色帐篷下，艺术往往被裹挟在维多利亚港天际线的资本光晕中，显得既脆弱又傲慢。然而，迈入第二个十年的 Art Central 似乎正在摒弃这种防御姿态，转而拥抱一种更具侵略性的在地性。2026 年的策展转向并非单纯的扩容，而是一次对“展示机制”本身的精密手术。真正的先锋艺术不再满足于被悬挂在墙上供人凝视，它们试图对现实进行某种物理上的短路，在城市高度规训的逻辑中植入故障。 如果说过去的艺博会是精致的橱窗，那么在新任策展组合的操刀下，这里正试图演变为一座关于都市熵增与流动的实验场。
混凝土的体温：一种反纪念碑式的街头档案
当目光聚焦于全新单元“Central Stage”的揭幕者——东京艺术团体 SIDE CORE。若你期待的是典型日本当代艺术的那种这种侘寂式的静谧或卡哇伊式的平面化，这里会让你感到一种充满挑衅意味的生理性不适。SIDE CORE 的作品并非诞生于恒温恒湿的工作室，而是取材于东京街头的“夜间工地”。
这是一种粗粝的物质性 (gritty materiality)。不仅是视觉上的，更是触觉与听觉的混合体。试想那些原本仅作为城市路障的橘色锥形筒、闪烁着刺眼警示光的LED导视牌，以及带有沥青气味的工业废料，被置换进艺博会的一尘不染的白色帐篷中。这种强制性的并置引发了一种近乎致幻的错位——它们既是熟悉的日常之物，又因剥离了功能性而显得像来自外星的图腾。这些装置不仅仅是物体，它们是对城市控制系统的戏谑模仿，在荧光色的闪烁中，观众不由得重新审视那些被我们视而不见（invisible）的基础设施。
从情境主义到机构批判
在当代艺术实践的脉络中，SIDE CORE 的实践并非孤立无援。他们的精神图谱可以追溯到 20 世纪 60 年代的情境主义国际 (Situationist International) 和居伊·德波 (Guy Debord) 的“心理地理学”漂移——试图通过对城市空间的非功能性介入，来打破景观社会的催眠。但这并非简单的怀旧复刻。
如果说当年的情境主义是对资本主义的反叛，SIDE CORE则更像是在与体制共舞。这正是策展人郑得恩(Enoch Cheng)与容颖怡(Zoie Yung)的高明之处。通过“Central Stage”这一新板块，他们将原本处于边缘的、具有双年展学术背书（如横滨三年展、金泽21世纪美术馆）的艺术家引入商业腹地。这是一种温和但坚定的挑衅，意在提醒市场：真正的价值不仅在于唯美，更在于那些能够被美术馆载入艺术史研究序列的、具有档案学意义的创作。这种策略巧妙地引用了 90 年代的关系美学，却剔除了其乌托邦式的浪漫幻想，留下的是更具在地政治张力的空间干预。
都市焦虑与流动的纪念碑
为何 SIDE CORE 及其代表的“城市介入”在 2026 年的香港显得如此切题？因为我们正处于一个“过度规划”的时代。在香港这样一座讲究超高效率、空间被严格管控的垂直城市里，任何未经许可的流动都带有某种危险的魅力。
Art Central 此次的策展逻辑，实际上是对后疫情时代都市焦虑的一次敏锐洞察。我们厌倦了数字屏幕上的完美像素，转而渴望那种带有摩擦力、甚至带有灰尘的真实体验。SIDE CORE 揭示了城市光鲜表层之下的隐秘系统——那些管道、围栏和夜间施工，才是维持这座庞大机器运转的真实脏器。这件作品不仅是关于东京的，它更是关于香港，关于所有在现代化进程中不断自我吞噬又自我重建的亚洲巨型都市。它提醒我们，在光鲜亮丽的金融中心表象下，总有一股暗流在涌动，在寻找裂缝。
当走出展厅，再次面对维港那道几乎完美的、被灯光精心勾勒的天际线时，你或许会感到一丝异样。那些路边的施工围栏、那些闪烁的信号灯，不再只是背景噪音，而变成了某种无声的雕塑。Art Central 提出的口号“Make It Yours”（拥抱精彩），若仅被理解为“购买与收藏”，未免太过浅薄。真正的占有，并非将其以此物据为己有，而是允许它篡改你看待世界的方式。
在这个被算法和景观裹挟的世界里，艺术或许无法改变城市的物理结构，但它能重构我们阅读城市的语法。问题的关键不在于你是否买得起这一小块画布，而在于当你转身离开时，你是否还有能力用肉眼——而非滤镜——去直视这座新旧共生又生生不息的城市？
撰文/时尚广州新媒体 助理编辑 ALEX
编辑/时尚广州新媒体 LILY
监制/时尚广州新媒体 内容中心
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