前 言
谈及绘画，从来不止于描摹物象的形似。古往今来，真正能穿透时光的佳作，往往在笔墨之外藏着更辽阔的天地——这便是“画之大者意无穷”的深意。
所谓“大者”，非指尺幅之巨，亦非题材之宏，而是画家落笔时的心胸与眼界。看范宽的《溪山行旅图》，峰峦如剑刺向苍穹，却在厚重山峦间藏着旅人渺小的身影，于雄浑中见苍茫，于静默中听风雨；读八大山人的禽鸟，寥寥数笔勾勒出孤绝姿态，白眼向人的背后，是世事沉浮的苍凉与孤傲。他们的画，早已跳出“画什么”的局限，转而成为情感的容器、哲思的载体，让观者在凝视中撞见自己的心事，读出千般滋味。
这份“意”，是画外之音，是弦外之响，是画家将生命体验、时代心绪揉进色彩与线条后的余韵。它不必直白，不必完满，恰是那一点留白、一抹淡彩、一处若有若无的笔触，给了观者无限想象的空间。正如古人所言“言有尽而意无穷”，真正的“画之大者”，从来不是把话说满，而是在有限的画面里，种下心照不宣的共鸣。
接下来，就让我们一同走进那些“意无穷”的画作，去触摸笔墨背后的温度与深度，去读懂“大画”里藏着的万千世界。
艺术简介
师恩钊，北派山水艺术中心主任，中央广播电视总台书画院名誉副院长，中国画学会艺委会委员，中国山水画研究院副院长，中国美协会员，新北派山水奠基者。
47年生于山东济南，48年迁居北京，85年结业于解放军艺术学院，多年来从事艺术教学和创作，在国内外举办个人画展20余次。出版《大红袍》等大型画集数十本，美术高校教学范本20余册，各种报刊作封面人物数十种，各电视台及各大网站做专访节目数十次。
为国家重要场所绘制大型作品30余幅。包括中央办公厅，国务院办公厅，国务院紫光阁，人民大会堂，胡锦涛接待厅，鸟巢金色大厅，APEC国际会议中心，军科院等。
新华社出版《大家—文化名人采访记》，师恩钊与巴金、老舍、夏衍、曹禺、吴冠中、靳尚谊、张艺谋、李政道、杨振宁等文化名人共同彔入。
2014年在中国美术馆举办大型个人画展，形成轰动效应，二十余位著名理论家对师恩钊的新北派山水给予了高度评价。
在数字“书画频道”及其他教学平台彔制播出教学节目60集，受到书画爱好者的广泛好评。
央视主持人高端访谈节目《中国品牌影响力》，师恩钊做为文艺界首位被邀艺术家，被命名为“新北派山水奠基者”。
连续两年评为《艺术高峰—中国画坛十二大年度人物》，在美术报正式公布。
中央广播电视总台大型文化节目《大师列传》《师恩钊：山雄水静笔墨惟真》于2025年7月在总台央视科教频道播出，央视频、央视网同步上线。
多年来致力于传承历史上的北派山水，开创当代旨在“为祖国河山立传”的新北派山水，线上线下开班教学，组建了数百人的北派山水画家队伍，举办了20多次大型艺术活动，得到美术界及社会各界广泛认可，被公认为新北派山水开宗立派画家。
《神游》240×70cm 2021年
笔墨之乐趣
——兼论新北派山水笔墨观
师恩钊
作画，原本是一桩画家的人生乐事。
我画画时，旁边时而开着电视，节目以自然地理居多，常常眼在画上，余光扫着屏幕，遇到好山好景，赶紧用相机或手机拍下来，有时也听听音乐或广播，我以为，画画还是要在这样轻松愉悦中进行为好。可能会有人正色云：艺术创作是一件严肃认真，需要全部身心投入的艰苦工作，一心不可二用，来不得半点游戏。
《山夜》240×80cm 2021年
其实，我倒觉得作画可分两类。
一类为主题性创作。从立意，构思，构图，到收集素材，严谨创作，的确需要全身心地投入，有一个集中精力艰苦创作的过程，但是也要情绪饱满，保持乐观为宜。如若画得苦哈哈，夜以继日殚精竭虑，
能出好作品么？再者，即便是全力以赴严谨创作，当遇到坎坷纠结时奋力突围，在困顿之后迎来柳暗花明，即如前人所言“结壳”与“破茧”，更是一桩快乐无比的幸福。当一个画家在艺术风格或绘画技巧上有所突破时，迎来的是一种无与伦比的愉悦和精神上的升华。
《春雨》240×68cm 2021年
另一类，即随性而发的写意中国画。当我们铺开宣纸执笔落墨时，饱满的激情和放松的心态，使自己尽情地享受作画之乐趣，这种良好的状态就会在作品中显露出生机和活力。这时的你宛如进入了绚丽的花园，在悠扬动听的音乐中翩翩起舞，其乐融融地驰骋在艺术的天地中，胸中的激情澎湃而出，绘画的语言出奇致胜，你的作品将会绽放精彩，逸品神品或许由此诞生。
《春月融融》300×150cm 2023年
如果说作画是一个快乐的过程，那么操纵“笔墨”更是一种乐趣。在中国画的写意领域，“笔墨”是一个既传统又时髦的话题。画家们都在强调自己如何继承传统，又都在声称自己如何探索笔墨。但“笔墨”究竟是什么？它的内涵和外延怎样界定？在一幅写意中国画作品中，“笔墨”怎样算有，怎样算无？如何为好，如何为差？却没有一个统一的标准，只能仁者见仁，智者见智了。
《天设金汤》248×124cm 2024年
由于“笔墨”没有一个定式，于是便有了大相径庭的笔墨观。
有观点以古人古画为笔墨的最高境界，认为传统的高度是难以超越的，应当对传统的笔墨顶礼膜拜，我们必须原汁原味地继承。
先人们以极高的智慧开创了以墨色的点线面造型的山水画样式，形成了有别于其他任何画种的对自然风光的描绘方式，使中国绘画以其独特的面貌而树立于世界艺术之林，这是古人对于中华民族文化的特殊贡献。
但是，就山水画而言，虽有多种流派之说，但我们看到的各个朝代的山水画传世作品，总体面貌相差并不大。
《大壑潺音》160×200cm 2025年
我想是大概是思维定式限制了人们的想象力，中国人历来善于归纳种种的样式，传统的山水画法形成了标准的模式，而传移模写又是历代研习丹青的主要方式，以至于千百年来的绘画总是窠臼于芥子园画谱一类的范畴之内。
就笔墨而言，传统的山水画是以勾线加皴擦点染的笔法为主，至于墨法，在画论中，有“浓淡干湿焦”及“泼墨，破墨，积墨”之说，可在我们看到在传统的山水画中，用墨虽有浓淡干湿的变化，但仅限于积墨和渲染，尚未见有泼墨破墨及其他的墨色洇晕变化。
《南美脊梁·世界名山系列之南美洲》200×200cm 2017年
想来可能是用纸的缘故吧，但似乎也不尽然。宣纸自唐代已有之，但是否有我们今天所用的生宣纸呢？这好像是个迷。查资料古来亦有生宣，但为什么鲜见有水墨的更多变化呢？
我想原因可能有二，一是古代的宣纸大概以熟宣为主，生宣即便有，洇化的效果亦较差。二是人们的惯性思维，认为山水画就应当这样画。自古以来，各朝各代山水流派很多，题材和风格上是有一些变化，但基本样式还是差不多的。即便是提倡“搜尽奇峰打草稿”和“笔墨当随时代”的革新派石涛，其作品也是在线、点加渲染的范畴之内。
《居山图》200×200cm 2025年
由于历史上形成的思维定式，“笔墨”中的墨，千百年来似乎没有在宣纸上得到更多的发挥，用笔和用墨并没有得到同步的发展。
我们所推崇的北派山水的宗师荆浩，对于“笔墨”说过这样一段话“吴道子画山水有笔而无墨，项容有墨而无笔，吾当采二子之所长，成一家之体。”荆浩是提倡用墨的，主张用墨“高低晕淡，品物浅深，文采自然，似非因笔。”意为墨色的浓淡干湿，洇晕变化要自然生动，不一定非要依用笔的线条来渲染，由此推断，也应当有游离于线条之外的用墨的存在。只可惜存世的荆浩作品只有《匡庐图》一幅，而此画中也只有依线的皴擦点染而没有更多的墨色变化。但荆浩为“水晕墨章”的水墨山水留下了理念财富，却给我们带来了充分的想象和创作的空间。
《清晓悠然处》200×200cm 2024年
多年来，我走着一条继承和重振北派山水的路，致力于创建新北派山水的探索。我心目中的“新北派山水”，应当是在传统的“北方山水画派”的回归自然描绘大山大水的理念和风格的基础上，领悟前人塑造山川的经典样式，认真研习传统的笔墨技巧，然后融入中西绘画及各种当代艺术元素，形成具有时代感的风格多样的面貌一新的北派山水画。而其中对“笔墨”的探索和创新是一个绕不开的过程。
《自在山中》200×200cm 2025年
今天，在现代语境的山水画创作中，我们可以进行各种笔墨的探索和试验，可以寻找更多样式的笔墨的变化，而“变化”就是艺术的生命。
各种艺术门类都是相通的。比如音乐艺术的灵魂是旋律，优美动听的音乐，要由许多基本要素构成，如调式、节奏、节拍、力度、速度、音色等等有机地结合而成，按音高、时值、和音量组合成优美动听的各种旋律，各种元素的不同组合，就形成了中外音乐艺术的多彩乐园。我们在欣赏音乐的时候，都喜欢丰富多变的优美旋律，而不爱听单调乏味的曲子。音乐之美和绘画之美是相通的，绘画语言的贫乏单一同样会带来视觉上的疲惫。
《欧洲大壑·忆写阿尔卑斯山》200×200cm 2022年
由于对“笔墨”的不同认知，画家们的画风亦有不同，有强调传统追求古意的；有强化点子而满纸墨点的；有短线加墨点反复叠加的；有单用焦墨以干擦为主的；有专事泼墨泼彩而少用线条的，各领风骚呈现不同的风格特色。我的观点则认为丰富多变才是对“笔墨”二字的顶礼膜拜。
中国画两千年的历史，可以说是封建社会的经典产物，属于优秀的传统文化。但当今时代不同了，现代社会发生了穿越千年的巨大变革，中国画也必然要“笔墨当随时代”。
《欧亚大陆桥·土耳其》200×200cm 2023年
“穷则变，变则通，通则久”这是我们古代唯物主义哲理。在传统笔墨的基础上，在现代绘画语境的探索中，追求变化才是根本。我在教学中，一直在反复叨念着“变字经”，即一个字“变”，两个字“变化”，三个字“求变化”。
中国画如果继续沿袭千百年的样式是行不通的，出路在于变革创新，也就是一个字“变”。
山水画中的变，包括理论观念，题材构思，构图形式，风格面貌，笔墨色彩等等，都应当在处于“变化”之中。
《空山新雨后》180×180cm 2025年
当作画之时，时刻想着如何变化。与古人的不同，与当代其他画家的不同，与过去的自我不同，画面的这一部分和那一部分的不同，各种造型元素大小形状和结构的不同，每个部位的用笔用墨浓淡干湿的不同，这些便是我们作画时要留意并主动去追求的“求变化”作画并不是牵强地完成任务，也不是流水线般的工作程序，若把绘画当成一种饶有趣味的游戏，个中种种变化的乐趣，自是画家本人的身心体味。
先说一说用笔。在一幅中国画中，线条可长可短，可粗可细，墨色可浓可淡，可干可湿，速度可快可慢，力度可钢可柔，可长笔拖锋，也可提按顿挫，在勾线时，要有屏气凝神之状态，力透纸背之气概。
《首钢之晨》68×68cm 2022年
关键是线要有力度，有韵味，有神采。在写意山水画中，如果没有一系列挺得住的墨线，画面会显得软软塌塌，柔弱无骨，毫无力度，失去了精气神。
我画山水，多用长线，缘于推崇北派山水。画北方石质大山，缺失有力的长线条，则坚硬挺拔不足。但山间沟壑草木土石，万物造化纷杂多变，用笔也要有点、按、厾、斫、揉等多种变化，再与墨色的浓淡结合起来，在画中就有了强韧的筋骨。
用墨，更是变化多端方能趣味盎然。古人云“墨分五色，浓淡干湿焦”，“墨有三法，泼墨，破墨，积墨”。中国人发明了用水墨入画，一种黑色，即可表现多彩的大千世界，这是对世界文化的重大贡献。其实墨色的变化何止五色，十色？墨与水经毛笔在宣纸上的的交融，可以达到幻化无穷。
《暗绿迷天》68×68cm 2022年
泼墨破墨，这在古画中是很难找到范例的，只有自己去摸索。泼墨可以真的用水和墨泼向宣纸，求其天然变化，也可以用大笔扫出，潇洒自然。笔中可用活墨，从笔尖到笔根有墨和水的变化，也可以平涂后再用浓墨或淡墨去破出效果，总之要呈现出水和墨在宣纸上碰撞洇化出的天然美感。
我的山水画，以北方山水的石山为主，往往将墨泼在山的下部，感觉为下方暗处的树丛草坡，中上部多为山石结构，形成上明下暗的一定的光感效果。有时也可将墨用在在山的中上部，以表现山上的植被，亦或泼墨与勾线穿插组合，墨和线形成对比又相互融合，显现山中丰富而纷乱的自然。
《天险·万里长城奇绝处》160×200cm 2024年
作画初始，先泼墨或先勾线都是可以的。若是严谨的主题创作，对造型十分在意，可以先以墨线勾出造型，然后皴擦点染按部就班进行，泼墨也可以放在后面。而一般抒写性的写意山水画，可从自由率意的泼墨开笔，然后随着泼墨的形态生发开来，这样根据每次泼墨位置和形态的不同，构图与山势亦可随之演变，其优势是可以避免结构雷同的程序化。这种作画方式，即“手中之竹，非胸中之竹，胸中之竹，亦非眼中之竹”的画理，也符合“一生二，二生三，三生万物”的哲学思维，这也是“变”字的核心所在。兴之所致，随机生发，挥洒自如，直抒胸臆，那种感觉上的自由宣泄惬意舒畅，便是一番写意的乐趣。
《百米高树》200×200cm 2025年
之后便进入了深入加工阶段，这要花费大量的时间和精力，要慢下来考虑许许多多的问题，这是一个艰苦的作画过程，有时候甚至会很纠结，但是苦中有乐，在笔墨的游戏之间，可以享受到快意与满足。
写意山水画，并不意味着毫无拘束地任意挥洒，常常也需要进行细心地描绘。我常对学生说，写意有时也可以精心安排刻意制作，而不一定是都是信马由缰的一挥而就。作画时要权衡要设计，要安排笔墨的变化。哪些地方刻意地留着泼洒的自然状态，哪些地方着意反复积墨精细加工，这里留有笔触的块面，那里融合得痕迹无存，都是有意而为之。在画面上要呈现黑与白，干与湿，舒与密，粗与细，紧与松，写实与写意的对比，这就是一种画家刻意追求的变化。
《春醉·写莱茵河畔》160×200cm 2024年
在具体的落笔落墨中，山石树草水天云岚的位置经营，形状大小，姿态走向，结构层次，线面组合，浓淡干湿，墨色构成等等都要注意避免雷同。作画时眼观六路，心想八方，画这里，看那里，从局部，观整体，处处有变化，多样而统一。
一幅山水画的视觉冲击力是最重要的，我们追求北派山水的气势，画面要整体协调，但也要有局部笔墨细腻而丰富的多样变化。写意抽象与写实刻画互相穿插与交融，令观者相信其真实，又迷离其神秘，这便是北派鼻祖荆浩所言“画者画也”，即画家的胸中丘壑。这种令人既信服又神往的源于自然又高于自然的境界，可观可赏可游可居可探险。
《拂晓》180×200cm 2025年
一个画家的创作，既要有形象思维也要有逻辑思维，随着作画的深入进行，会遇到许许多多的细节需要去思索和调整。一幅半成品，既可以这样进行也可以那样加工。笔会时，几位画家合作一幅画，往往是某个画家一上手，就和原开笔作者大相径庭，完全两个思路，所以合作的画往往需要各种风格的迁就和融合。
每个画家逻辑思维的不同，形成了不同的绘画风格。画家的审美眼光和逻辑思维能力的高低，决定了画家的绘画成就。一般在绘画的教学中，往往局限于技能技法的传授，而思维方式和眼界高低的培养，需要引导启发而难以灌输，更多的是依赖学生自己的悟性和修养的提高。
《拔山》68×136cm 2025年
在绘画的过程中，从开笔、到深入，继而加工完善，需要用笔墨去处理无数的问题，这是一个系统工程，工程质量的好坏，则取决于画家的眼力。
比如墨色的设计安排，重墨淡墨要有一个大体的设想，但边画会随时生发改变。某一处要加墨，加在什么位置，加到什么程度，恰到好处的加墨并不都是为了加黑，而往往是为了提亮。一些淡墨和空白处，是抹掉还是特意留着透气，这要看整体效果，在活跃多变和协调统一之间做出选择。有些地方是加强细节刻画还是有意糊涂掉，也要看整体与局部的关系。没有粗就没有细，没有暗就没有亮，没有虚就没有实，有言道：“实则虚之，虚则实之”，乃是一切绘画的通理。
《流光》68×136cm 2025年
关于着色。依我今天的眼光，纯水墨即很美，或以单色或同类色与水墨形成对比也很美，色彩更丰富些也是可以的，但要注意“色不碍墨”，有时在用墨处染色不当反而显得污浊，当然刻意的重彩画另当别论。水墨的无穷色阶本身是一种雅致，鲜亮或柔和的颜色与浓淡相宜的墨色的恰当搭配也是一种雅致。
淡墨在山水画中不可或缺，山石草木，云雾水天，亮处虚处空灵处，处处离不开淡墨。一幅山水画，若缺乏润泽悦目的淡墨，则显火气枯燥缺乏韵味，也难以表现体积和质感。淡墨关键在于用水，墨与水的碰撞即呈显各种墨色。淡墨并不限于湿墨，用干笔擦出飞白也呈现一种淡墨。透明的笔墨可以增加观者的愉悦感，淡墨会显得重墨也可以透明。
《雨过春山》68×136cm 2023年
重墨在山水画中也是不可或缺的，尤其是北派山水重在表现雄强，强调厚重。一般的规律，在画面中要有一定比例的重色黑色，以加强分量和力度。但黑墨一定不要画死，要注意透明感，好似西画素描中的暗部。这时要注意的是黑墨中的淡墨或亮点，哪些要留哪些要去掉，既要活泼求变显出透明，又要协调统一避免花和跳。作画有时要大刀阔斧，有时又要在枝末细节反复思量颇费周折。
《屹立秋风》68×136cm 2024年
画云，在我的画中，往往被人看作一种标识特色。其实我是把云当作一种有生命的自然物质来画的，它有体积，有分量，有形状，有姿态，有气势，是运动变化中的自然景观。画云在古画中一般采用留白方式，我是吸取了西画和摄影而以水墨的形式表现出来，着意强调形态及动感，有意制造各种变化使其成为画面的一部分。北派山水中的大山大水，是少不了用云来烘托和造势的。
山水画中，画水是不可少的。传统的山水画中，水基本上是留白。今天我们也可吸收些西画和摄影，水可以是白的，也可以是蓝的，还可以是黑的，或可加些光感和倒影。我在水中常常加些白天鹅，因此往往把水染成深色。瀑布和溪水不但是大自然的馈赠，也常常是山水画中的画眼，显露出画家的水平和格调，要同时兼顾自然形态，形式美感和多种变化，往往是画山水的难点。
《山姿》68×136cm 2025年
采风写生，是山水画家的必经之路，我也在大山大水中游历过数十载。如今，写生之风日盛，采风团遍布各地，这是师造化回归自然的好事，但有关写生的方式方法，我却有些个人的看法。
当前的中国画写生，几乎千篇一律。画具设备是越来越先进，一坐数小时，用的是焦点透视，画的是西画构图，画出的作品也大体雷同。莫不如拿个速写本，左顾右盼，边走边画，同时可以编着画，前后左右的景拿来重新构图，既是记录自然，又是构图创作。当然也可以铺开宣纸，面对自然作画，但也并不要照搬原景，而是散点透视，信手拈来，对景即兴创作。另外，可用相机拍照记录大量的素材，回去根据速写和照片重新整理创作，也是一种高效的采风方式。
《日出印象》69×248cm 2024年
古人云：“搜遍奇峰打草稿”。何为搜遍奇峰？一是要走遍名山大川，二是在一座山中，要多转多游。古人画山水，主张散点透视，边走边看，步移形随。我们看传统山水画，从山脚到山顶，绝非一个视点所能及。古人师造化采风的理念和方法，是我们应当继承的优秀传统。
传统北派山水的经典论着“笔法记”的核心是“搜妙创真”，我们新北派山水也要继承这一衣钵，从自然中搜集美景汲取营养，消化吸收重新组合，用丰富多变的笔墨，创作出具有新意的契合时代的艺术真境。
《天梯印象》69×248cm 2024年
新北派山水画的理念基于以下几点。一，继承五代北宋时期“北方山水画派”的传统画风，以气势雄强大山大水为主体风貌。二，注重造化回归自然，为新时期的祖国河山传神写照。三，将自然风光转化为胸中丘壑，“搜妙创真”，源于自然而高于自然，提高艺术水平和学术品位。四，求新求变，从传统的山水画中走出来，吸收当代各种艺术元素，形成新的观念，新的构图，新的笔墨，新的面貌。
笔墨上的新探索，追求一个变字，不但为我们的作品注入生气，而且活跃我们的创作过程，克服单调乏味，使作画成为一件充满趣味的工作。
中国绘画的笔墨之美，给我们带来了有形的和无形的乐趣。
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