文｜77
在今年的爱奇艺纳逗·AIGC创投大会和北影节AIGC电影单元中，一部名为《非玩家意识》的作品给骨朵留下了深刻的印象。在玄幻、怪兽、末世题材遍地可见的当下，这部作品却罕见地探讨了“代码具备生命智慧后能否称之为人”的身份认同命题，不仅特效层面可圈可点，AI演员的表演细腻度也远超大多数同类作品，那种“活人感”让人眼前一亮。
《非玩家意识》随后拿下了北影节AIGC单元最具商业潜力奖，以及爱奇艺纳逗创投大会路演第一名。而制作它的团队——星迹互动，还有另外两部作品《器灵·41号》与《爱妃不是妖》同样入选，如此“中奖率”颇为惊人。
不久前，骨朵见到了星迹互动AGAF高级影像部总监姜来，以及《非玩家意识》《器灵·41号》的三位核心创作者：葛依玲、董林峰和佳音。这是一个极其年轻的组合——一位99年出生，另外两位都是00后。他们身上没有传统影视从业者常见的“包袱”，反感被宏大叙事“教育”，却愿意从最日常的校园小事切入，再藏进对身处环境的思考。他们的审美和表达方式，天然地属于这一代互联网原住民。
放眼整个AGAF高级影像部，团队内部按年龄和创作经验自然分成了不同的小组，意在保护每代人独有的表达方式。星迹互动公司创始人张文广先生始终认为“没有完美的个人，只有完美的团队”——在此理念指引下，星迹高级影像部将每位成员都视为AI导演，项目轮换、平级协作。他们不追逐流量噱头，目标只有一个：做出高质量、可落地的AI影像作品，成为“AI影像界最高的山”。
在AI内容同质化日益严重的今天，星迹互动恰恰证明了：技术可以复制，但审美与态度不能。
故事的起点：
从最熟悉的地方出发
《非玩家意识》和《器灵·41号》的创意从何而来？面对骨朵的提问，几位年轻创作者的答案出奇一致：从自己最熟悉的东西出发。
“《非玩家意识》和《器灵·41号》主要还是校园题材。第一个原因很简单，我刚从校园里出来，对环境比较熟悉，也更能把握如何在这个基础上加入一些自己想聊的话题。”《非玩家意识》的导演葛依玲说道。她硕士毕业于NCCA（英国计算机动画中心）数字效果，校园生活是她最有底气的创作土壤。
《非玩家意识》的设定听起来很“高概念”——一个AI模拟沙盒中，代码开始觉醒自我意识。但这个点子并非凭空构想，灵感部分源于斯坦福的一个真实实验：将数十个AI放入一个虚拟沙盒，它们竟自发演化出了社交、分工，甚至形成了小型城镇的雏形。
相比之下，《器灵·41号》的诞生更“中二”一些。导演、剪辑、美术董林峰坦言，他们三个人都爱看动漫，创作自然偏向奇幻校园和高设定。“比如我之前上课的时候，很多人可能也有这种经历，就是发呆幻想自己有超能力。”他笑着说，“《器灵·41号》这个概念比较容易被大众接受，是一个偏商业的题材。”片中那些用标签控制他人的设定、扫把等等的桥段，都是团队“边玩边聊”攒出来的，没有硬凑的痕迹。
这种创作习惯，背后是星迹互动内部一条不成文的规矩：保护原生创意。总监姜来解释，公司根据年龄和知识结构将团队自然分组，互不干涉——他开玩笑地把这两个组叫作“老登组”和“小登组”。“不会有过多的创作干预，要求他们必须怎么样。我们是保留了他们这种原生的积极性。”结果，这个年轻组一共投了两个作品，两个都进了创投前十。“我觉得这也是对我们保护原生创意的一个肯定。”
为什么这群年轻人能做出不一样的东西？一个可能被忽略的背景是：他们大多经历过疫情对校园生活的打断。《器灵·41号》的导演佳音提供了一个感性视角：“我们是经历过疫情时代的年轻人。对我们来说，我们是在最该绽放的时刻，这个过程被终止了。所以我们这一代理解的校园，和没有经历过疫情的人理解的校园其实不一样。校园对我们来说，是一个给我们提供绽放的舞台。所以现在在工作中，我们特别想把自己当初没有被绽放的一面放进作品里。”
说到题材选择，几位创作者都不约而同地流露出对“宏大叙事”的警惕。佳音提到导演郭帆做过的一个年轻人报告：“那份报告指出，年轻人特别讨厌被说教、被要求努力，也讨厌宏大叙事这些点。”佳音认为，身边每一件小事其实都是内心世界的外在投射——《器灵·41号》表面是学生的烦恼，背后是整个社会机制带给年轻人的心理压力。“但如果你一开始就告诉我这是个很‘大’的东西，要我接受，那我就不想看了。如果通过小事带我进去，我就会更容易接受。”
葛依玲的总结更朴素：“我看过什么就写得出来什么，我不可能写我没看过的东西。我因为看过，所以有把握把它写好，就写我有把握的。”在她看来，AI让他们有机会用更低的成本，去表达以前没有资金和能力实现的东西。“仅此而已，就够了。”
创作的方法论：
让AI表演得更像真人
星迹互动的AI演员为何看起来比其他作品更“真”？答案藏在一套自研的表演系统里。
总监姜来解释，这套系统建立在三个维度之上。“第一个维度是从表演体系；第二个维度是微表情和动作控制；第三个维度是肌肉控制。我们从这三个维度对整个表演提示词进行了重置。”
姜来说，这套系统能做到现有模型的上限。“我们把它体系化、产业化，变成全公司都可以去利用的一个格式，然后让我们的产出保持稳定。”
此前，有AI创作者向骨朵透露，目前AI演员的生成主要有两条路径：第一条是采集真人的相貌、动作等数据，将其转化为AI角色，再驱动这个数字分身完成表演；第二条则更接近传统视效的思路——在摄影棚内拍摄真人的一段表演，然后将这段表演放入AI剧中，通过合成技术让真人表演与AI角色进行互动，近似于传统视效和动画制作中的动态捕捉。
但星迹互动并未沿用这两条路径。“AI现在普遍只能识别每秒24帧或30帧的画面，拍摄造成的虚焦和拖影，会放大AI生成的不确定性，你可能会出现6个手指头。”姜来说，他们不允许任何片子的任何环节出现这种失误。“基于这个情况，我们跟很多一线的院线导演聊过，他们对我们的表演系统评价还挺高的。”
打磨细节是常态。董林峰提到没到场的《爱妃不是妖》的导演王唯：“他之前为了一个笑容的弧度，这个女生应该怎么笑，反复去磨提示词，最终才达到那种效果。包括她笑着要停顿几秒，都会这样详细地去写。”姜来补充：“我们在打磨这方面是不计成本地去做的。”
这套工作流背后，是星迹独特的人员架构。姜来解释：“这个团队跟以往你们接触的所有AI团队都不一样。第一，大家是平级状态；第二，每一个人，包括编剧、剪辑，每个人的底色都必须是AI导演。”谁的项目上马，谁就作为负责人分配资源；下一个项目换了负责人，其他人就配合。“人人为我，我为人人。”
谈及AI创作的同质化问题，几位创作者各有看法。姜来认为问题出在指令过于简单：“如果你只写‘怪兽’作为提示词，出来的80%都是哥斯拉，因为训练的素材决定了它只能生成哥斯拉。但如果你给出更细致的指令，它才能理解你想要的东西。”
董林峰则从视觉创作角度切入：“大家用了AI创作之后，都会偏向于奇观或者科幻末世机甲这类以往拍不出来的东西。但奇观反而是最好做的。重要的是，你要用什么故事去匹配什么样的效果。”他拿《非玩家意识》举例：“我们会根据故事的内核去原创视觉，而不是套一个机甲就完事了。”
佳音用了一个更宏观的比喻：“2010年前后，中国手游爆发式增长，各种游戏层出不穷。只有当这些游戏在市面上铺满了，人们开始感到厌倦的时候，你才能做出差异化的东西。这个行业需要土壤，像金字塔一样，下面要有足够多的基础积累，再往上才能走到不一样的东西。”
姜来最后总结，拉开差距的从来不是工具本身：“还是人工智能里‘人工’的那个部分。大家用的模型、工具都是一样的，但为什么你做出来的东西就是比别人好？差距都在工具之外的地方。”星迹互动作为AI公司甚至会在每周三晚上组织拉片，一帧一帧地去分析经典影片，做传统影视公司都不一定做的事情。
“审美，”他说，“这才是最核心的。”
行业的冷思考：
电影、演员与IP的未来
当AI开始深度介入影视创作，行业的边界正在被重新定义。星迹互动的几位创作者对此有着相当直率的判断。
谈及AI影像的终极形态，姜来引用了日本游戏制作人小岛秀夫的一个观点：未来游戏和电影的界线会逐渐消失，二者完全共生。“你今天很忙，可以用旁观者的视角去看一部短剧；你今天很闲，有时间动脑动手，就可以以主角的身份参与到整个剧情里面。”
他进一步构想了一个更极致的场景：假设有一天，AI掌握了你的全部喜好，由它来担任编剧，那么它创作出的故事一定能百分百契合你的口味——男主角的脸恰好是你心目中的白马王子，女主角的长相也与你如出一辙。“没有人能跳出这个信息茧房，所有人都会被AI定制化的剧吸引，甚至控制。”他透露，这种形态的前身可以理解为互动影游，而现在已经有人在尝试做实时AI生成视频加支线剧情的互动产品。
“同时，像腾讯这样的公司也已经在布局了，比如探梦这样的新平台，就是为了应对这种可能性。目前整个AI领域真正的‘大鲨鱼’还没有出现，它未必是今天的抖音或红果，但很可能是一个全新的平台或APP。这不是我能决定或推测的，我只能说，这个时间点可能会比我们预想得快很多。”
但对当前阶段，星迹仍然保持克制。“我们不会去做太超越这个时代的东西。”姜来提到自己2019年创业做互动影游的经历，“太早了，所以它死掉了。我们只会在合适的时候做合适的事情。”
谈及AI对传统影视行业的冲击，姜来的态度毫不含糊。他认为很多传统影视人转型AI时容易陷入一个误区——“把自己定义成某一个岗位或者职业”，比如做特效的就只做AI特效，做编剧的就只用AI辅助编剧。“但AI的大道不该如此之小。如果你老站在传统影视的角度去思考AI，你永远是在刻舟求剑。”
对于AI电影上大银幕的前景，他既看好也审慎。“AIGC电影上大银幕只是时间问题，快的话可能一年两年，慢的话两到三年，一定会有先吃螃蟹的人。”但他同时坦言，“你很难去说服普通老百姓花钱走进电影院去看一个AI作品。”他认为更现实的路径是AI逐步替代院线电影的某些工作流，比如视效部分。星迹已经在院线电影中做过这方面的尝试。
但AI对影视行业的冲击远不止于后期制作环节，更直接地指向了“人”本身。对于真人演员的命运，姜来直言不讳：“如果现在你不加入，以后就不一定有加入的机会了。AI时代以后的明星不一定是真人了。”
他以乙女游戏为例，《恋与制作人》里每一个角色的人气都不会弱于现在任何一位头部演员。但他也认为，AI虚拟演员的赛道就这么宽，谁先出来谁就有可能通吃，可能也不会出现特别多的头部。
当演员不再是真人，围绕这些虚拟形象打造的IP逻辑，也需要被重新审视。
不少从业者将IP视为AI时代的金矿，但姜来的视角有所不同。他并不认为IP在AI时代会越来越值钱，反而提出了一个不同的观点：“随着AI的发展，IP可能会变得越来越不值钱。”他解释说，迪士尼的核心从来不是米老鼠这个形象本身，而是近百年来全球顶尖的动画制作能力。“如果今天人人都有可能按照迪士尼的水准去制作动画，我做的形象和故事都不弱于他们，那迪士尼的IP是否会贬值？AI在某种程度上抹平了普通人和迪士尼动画师之间的制作能力鸿沟。”
走向未来：
星迹要做AI影像界最高的山
聊完了行业大势，话题回到星迹互动自身——这家公司未来要往哪里去？
眼下最具体的计划是：做长剧集。葛依玲的《非玩家意识》正在推进一个长片版本。“目前还在以制作时间为标准推进，但具体规划怎么样，还得看剧本落实完之后需不需要修改。”
从几分钟的PV到100+分钟的长片，挑战显而易见。董林峰提到团队正在研发一套风格化灯光控制器，用代码给模型注入灯光意识和美术意识。“能够保证在一个下限的基础上再进行调整，目的是为了项目能够稳定推进。”姜来补充，这套工具主要解决两个问题：一是避免光线出现短剧中常见的大偏光，二是保证整体影像色调的一致性。
但技术只是手段。姜来强调，团队的核心考量始终是“保证统一的交付质量，把个人创作者的波动降到最小”。“让突出的部分不要过于突出，同时也不能出现太大的纰漏和错误，努力实现一个更均衡的交付质量。”他坦言，这是AI创作者常常面临的问题——demo和PV做得特别好，结果成片质量跟不上。“我们尽可能避免这种情况。”
谈及公司的长远定位，姜来说得很明确：“我们希望提到星迹互动，大家会觉得这是一个专业的AI团队。因为星际互动高级影像部，最重要的一件事情就是代表当下AI最高的生产力，这是我们对这个部门的要求。”
在姜来看来，星迹的价值恰恰在于团队协作带来的稳定产出和能力互补。不是靠某个天才单打独斗，而是让每个人在项目中轮换担任负责人，其他人全力配合。“没有完美的个人，只有完美的团队。”
几位年轻创作者也分享了各自的未来方向。董林峰透露，团队正在推进一个惊悚题材，他自己则想尝试温情向或关于个人生命经验的作品。佳音的方向更专一：“我一直想做关于青春的东西。喜剧可能笑一笑就过去了，惊悚解密也都是一时的，但我觉得人永远对青春有渴望，这是从生理因素上就决定的。”
至于星迹最终能被记住的特质是什么，姜来的答案只有一个：“高质量的影像作品”。他相信，审美和态度才是拉开差距的关键，而不是谁用了更贵的模型、更炫的噱头。“技术可以复制，但有些东西不能。”而这，或许正是这个团队最值得被记住的原因。
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