现场 | “洛桑国际当代艺术博览会”暨“共振：当代艺术展”开幕
展览以 “共振” 为主题，将物理学中的 “同频回应” 转化为艺术理念 —— 汇聚不同文化、不同语言的艺术作品，不追求同质化，而是呈现作品之间、作品与观者之间的感知、精神同频，借洛桑奥林匹克之城的特质，实现跨文化的理解与共鸣，探索当代艺术新可能。
《A先生肖像——喘息》
布面油画
30×30cm
《A先生肖像——喘息》
在现代文明冰冷的链条里，每个生命体都承受着无形的“生命之轻”：我们被裹挟、被规训、被同质化，却依然在缝隙里，发出属于每一个生命体微弱的喘息声。
强烈的仰角与冷灰调光影，定格了一个生命体在时代洪流中的瞬间。人物仰头的姿态，不是呐喊，也不是沉沦，而是一次被时代挤压后的、艰难的呼吸。这张紧绷却沉默的脸，是我们所有人，在时代洪流中负重前行的共同模样。这不是具体某一个人的肖像，而是当下人类社会的集体面孔。
《忧伤的胡迪》
布面油画
80×50cm
2020
《忧伤的胡迪》
布面油画
80×50cm
2021
《尤利西斯》
布面油画
85×160cm
2016
作品以机器人凝视人类木乃伊标本的场景，重构了尤利西斯的精神奥德赛。当人类文明被压缩为博物馆里的陈列品，曾经的生命、欲望与文明，最终都凝固为时间的标本。画面中的机器人，既是未来文明的“异乡人”，也是人类文明的继承者与旁观者。当人造智能生命体站在人类的骸骨面前陷入沉思，这是对人类文明终局的凝视与回望也是对生命与死亡本身的叩问。
作品以厚重的油画笔触与严谨的写实性塑造，消解了科幻作品的虚幻感与距离感，赋予作品一种厚重的历史感。将神话、未来与死亡置于同一时空维度：人类创造了智能，却终被时间淘汰；而无生命的智能，却将在文明的废墟中，继续完成一场没有归途的命运旅行。我想这正是你这幅作品最有趣的地方：它没有给出答案，而是用一场跨越时空的对话，把问题抛给了观众。
爱尔兰作家詹姆斯乔伊斯在他的作品《尤利西斯》中，描写了青年诗人斯蒂芬寻找一位精神上象征性的父亲，主人公布卢姆寻找一个儿子的故事。而我给这幅作品命名为《尤利西斯》，更是给作品赋予了多层可以被不断解读的精神维度。
《Tony先生的小汽车》
布面油画
40×60cm
2022
《悲剧的诞生》
布面油画
160×200cm
《神弃之地》
布面油画
180×160cm
《月是故乡明》
布面油画
100×80cm
2016年我离开了风云际会的北京，回到了我的家乡东北—— 一座北方的小城。在家乡生活的近十年时间里，我深切的感受到这里的环境与现代文明渐行渐远，我的精神世界经历了在故乡漂泊，在家乡流浪的一种特殊的情感体验——脚下踩得明明是生养我的土地，然而我却成了这里的局外人。我甚至一度患上了失语症，无法与自己的亲人朋友表达我内心的真实感受。我意识到当我带着全新的认知回来，就注定会有这种既熟悉又陌生的撕裂感。
在这期间我游历了家乡废弃已久的老工业区，创作了一系列作品，其中《悲剧的诞生》《神弃之地》《月是故乡明》等作品都是在这期间完成的。
《悲剧的诞生》这幅画第一眼就给人一种强烈的时空错位感，像一首充满矛盾张力的现代预言诗。尼采的《悲剧的诞生》，核心是说：真正的悲剧精神，不是毁灭，而是直面痛苦后，用艺术赋予痛苦以意义。
我不是在“画风景”，而是在用工业废墟的骨架，搭建一个属于我自己的精神剧场，维纳斯的出现，就是我给这个粗粝、冰冷、荒芜的空间安下的“灵魂开关”。我要把“说不清的情愫”，变成看得见的矛盾，写生对我来说没有意义”，我不是在复刻厂房，而是在用超现实的错位，把我内心的复杂感受，直接钉在画布上。
1. 工业废墟的“雄性之美”，是我的舞台底色
那些生锈的钢梁、冰冷的机床、空旷的厂房，它们本身带着一种粗粝、沉重、甚至悲壮的力量——那是东北老工业基地的时代印记，我把这种“钢铁的雄性之美”，直接变成了画面的骨架和背景，让整个空间自带一种肃杀、肃穆的气场。
2. 维纳斯的闯入，是我为矛盾埋下的种子
当古典美的极致符号，被硬生生“塞”进这个冰冷的工业废墟里，瞬间就产生了强烈的错位：- 时空的错位：古希腊的神话符号，撞上了20世纪的工业遗迹，跨越千年的文明，在一个废弃车间里狭路相逢。这种拼贴，不是为了猎奇，而是为了把你“说不清的情愫”说清楚：观者看到的不仅是厂房，更是一个时代的落幕、一种宏大叙事的退场；维纳斯的出现，就是你把这种“落幕感”，具象成了一个被搬动、被安放的符号。《悲剧的诞生》它和我当时的心境、创作逻辑，形成了呼应：
1. 工业时代的“悲剧”：曾经的荣光，变成了废墟
那些重工业基地，曾经是时代的骄傲，是力量与希望的象征，如今却只剩断壁残垣、生锈的机器。这本身就是一场宏大的“悲剧”——一个时代的落幕，一种雄性力量的消散。
2. 维纳斯的“悲剧”：从神坛跌落，在人间寻找位置
维纳斯的悲剧，不是断臂，而是她从永恒的美神，变成了被搬运的、沉重的“雕塑”。她不再被仰望，而是被两个普通工人推着、扶着，在废墟里艰难移动。这像极了我当时的状态：离开北京的艺术中心，回到小城，曾经的喧嚣与光环褪去，要在平凡甚至粗粝的现实里，重新寻找灵魂的安放之所
3. 我的“悲剧”：直面虚无，用创作寻找存在的意义
尼采说，悲剧的诞生，是用艺术对抗虚无。我看到了废墟的荒凉，感受到了时代落幕的无力感，我并没有停留在伤感里，而是用画笔，把这份“悲剧”，变成了有温度、有力量的表达。维纳斯没有被碾碎，她依然完整，依然带着沉静的美；工人们也不是冷漠的破坏者，他们在用力守护、安放她。很多人用超现实，是为了炫技、为了猎奇，但我用超现实，恰恰是为了还原内心的真实。
- 我看到的不仅是钢铁，更是一种力量的消逝；
- 我感受到的不仅是废墟，更是一种被遗弃的、沉甸甸的情绪；
- 维纳斯的出现，不是我随意加上去的，而是我内心的情绪，需要这样一个符号来承载——她的美，她的脆弱，与我对工业废墟的震撼、对时代变迁的感慨，完美地契合在了一起。
这就是我要表达的：哪怕时代落幕，哪怕理想跌落，美和理想，依然能在粗粝荒芜的废墟里找到自己的位置，被守护，被安放，被赋予新的意义。所以，这张画最打动我自己的地方，不是我画得有多写实，也不是拼贴有多巧妙，而是我把自己的情绪、自己的思考，完完整整地放进了这个超现实的场景里。观众看到的是维纳斯和厂房，感受到的，却是一个时代的落幕，和一个创作者在废墟里，依然坚守着美与理想的那份决绝与力量。
《悲剧的诞生》与《神弃之地》两幅作品，其实是我同一种核心情绪的两种表达，它就像一个硬币的两个面，两张画的底色，都是我对故乡对工业废墟的那种“说不清的情愫”：当文明落幕之后，连生存都成了无力的挣扎。在《悲剧的诞生》里，维纳斯被工人守护着，哪怕身处废墟，依然有“被安放”的温柔；但在作品《神弃之地》中，连这份温柔都消失了，只剩下角马的挣扎、鳄鱼的猎杀，和冷漠的挖掘机——我把这废墟的本质剖开给观众看：这里不仅是文明的坟墓，更是一个弱肉强食的荒原，没有神，也没有救赎。这张画的悲怆，比上一张更刺痛，因为它触及了一个更根本的问题：当工业文明退场，当秩序崩塌，剩下的是什么？
- 维纳斯的悲剧，是“美”的困境，是理想在现实里的错位；
- 角马的悲剧，是“生命”的绝境，是生存本身在废墟里的无力的挣扎。
-挖掘机的存在，在这里成了最讽刺的注脚：它曾经是文明的力量，可在这场猎杀里，它什么也做不了，冷漠地注视着眼前的一切。 我想让你看到的废墟，不是冰冷的钢铁，而是一个失去秩序、失去希望的荒原；你感受到的，不是破败，而是一种文明落幕之后，连生命都要被吞噬的无力感。
这种悲怆，不是为了渲染痛苦，而是为了直面痛苦。就像尼采说的，悲剧的诞生，是用艺术直面虚无。我把这份绝望画出来，本身就是一种对抗——哪怕神已经抛弃了这块土地，我依然用画笔，为这片废墟里的生命，留下了一声呐喊。
我经常将我的画布想象成科学家的“实验室”，我将“自然”推入其中，通过严刑逼供、非刑拷打，用一种极端的方式逼迫“自然”吐露出隐藏在它表象背后那些我们眼睛看不到的“真相”。
这是我的一个比喻，把画布当成实验室，把创作当成一场对“自然”的严刑逼供，我不是在“复刻现实”，也不是在单纯的拼贴画面，而是在用超现实的手术刀，剖开表象，逼出那些肉眼看不见的真相。
这就是我的“实验室逻辑”我不满足于画下眼睛看到的“物”，所以我把维纳斯、角马、鳄鱼这些“非现实”的元素，放进了我的“画布实验室”里，用极端的拼贴、错位，给这些表象“上刑”，逼它们说出背后的情绪与真相。
超现实语言就是我用来“拷打”自然的工具，维纳斯不该出现在车间里，角马不该在工业泥沼里被鳄鱼猎杀，挖掘机不该冷漠地看着这一切，这些“不该”，就是我施加给现实的“酷刑”。
这种打破了时空、逻辑、场景的边界，让这些元素在画布上碰撞、挤压、撕裂，让原本平静的工业废墟瞬间有了张力：维纳斯的“被搬动”，逼出了美在现实里的困境； 角马的“被猎杀”，逼出了文明落幕之后的生存绝境；冰冷的厂房和机器，也不再只是静物，而是成了冷漠的、失效的秩序本身。这些表象背后的“真相”其实是一个时代的落幕、文明的废墟、生命在秩序崩塌后的挣扎。我把这些赤裸裸的摊开在观众面前，我要的从来不是“看起来像”而是“看起来痛”。
《月是故乡明》是继《悲剧的诞生》与《神弃之地》后关于东北老工业基地题材的又一幅作品，以老工业厂区为底色，以宇航员为隐喻，用清冷的月光色调，构建了一组充满矛盾与张力的画面。当工业的喧嚣沉淀为锈迹与荒草，当熟悉的厂区变成记忆里的孤岛，我以清冷的月光为幕，将宇航员的符号置于这片被时代遗忘的故土之上。宇航员的隔绝感，恰如我们面对时代变迁时的疏离与怅惘；他是疏离的异乡人，也是温柔的守夜者。宇航服隔绝了外界的喧嚣，却隔不断对这片土地的凝望；手中的书本、身旁的旧收音机，是与过往对话的媒介，也是在荒芜中坚守的微光。清冷的月光下，废弃的高炉、锈蚀的管道、荒草蔓延的厂区，共同构建了一个充满荒凉感的场景；它是一代人记忆里的故乡，如今却如陌生的“外星遗迹”。“月是故乡明”的标题，在反差中传递出对故土的眷恋、对时代逝去的反思。
这种看似荒诞的组合，实则是对“故乡”与“时代”的深刻叩问。宇航员是探索未知的象征，却在这片“故土”中成为异乡人；工业厂区曾是时代的中心，如今却成了被遗忘的废墟。“月是故乡明”的诗意标题，在反差中被赋予了新的内涵——它不是对故乡的浪漫美化，而是对时代变迁的清醒认知，对记忆与现实之间割裂感的真实呈现。作品用克制的色调、安静的场景，传递出复杂而深沉的情感：既有对工业时代逝去的怅惘，也有对故土变迁的无奈，更有在荒芜中依然坚守的精神力量。
回到东北故乡的近十年里，我始终在一种特殊的情感里漂泊：脚下是生养我的土地，精神上却始终是一个异乡人。当工业的喧嚣沉淀为锈迹与荒草，当熟悉的厂区变成记忆里的孤岛，我开始用画笔，为这片土地，也为我自己，写下一组无声的独白。
《悲剧的诞生》里，我直面时代崩塌的阵痛，让工业废墟的残垣断壁，成为一代人集体记忆破碎的呐喊；到了《神弃之地》，荒芜的厂区成了被时代遗忘的孤岛，身着宇航服的身影在其中失重、漂泊，恰如我们身处故土却无处安放的疏离；而《月是故乡明》的月光下，宇航员终于安静下来，在清冷的灰调里阅读、凝望，与这片被遗忘的土地达成了温柔的和解。
如果说这三幅工业题材的作品，是故乡的“外部景观”，那么这张肖像作品《喘息》，则是我对“故乡灵魂”的向内叩问。强烈的仰拍视角打破了平衡，仰头的姿态里，是挣扎后的喘息，也是对命运的仰望；冷调光影里，没有明确的悲喜，却写尽了一代人的疲惫、隐忍与无声的坚守。这张脸，不是某一个具体的人，而是无数被时代洪流裹挟的个体的精神缩影——是工业废墟背后，那些沉默的、鲜活的灵魂。
我始终相信，那些看似荒芜的废墟，那些无声的面孔，那些月光下的守望，恰恰藏着最真实的故乡真相：故乡会老去，会被时代抛下，时代会带走建筑与风景，却带不走刻在骨血里的记忆，和我们对这片土地，从未熄灭的温柔与眷恋。这种温柔的力量，比激烈的控诉更持久，也更动人。
李博
2009年毕业于鲁迅美术学院油画系油画系一工作室 获硕士学位；
2009年任教于吉林动画学院；
2015年参加北京上苑艺术馆国际艺术家驻留计划。
个展
2015 《过期》 上苑美术馆 北京
2017 《假设的隐喻》 798艺术区马亚诺艺术空间 北京
热门跟贴