DECO独家｜6个线索，由远及近，深度理解贾科梅蒂的创作人生|deco|策展人|绘画|罗曼|艺术|阿尔伯托·贾科梅蒂|雕塑

阿尔贝托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti, 1901–1966）是20世纪最具辨识度也最具影响力的雕塑家之一。在很长一段时间里，贾科梅蒂的作品几乎等同于一个固定的雕塑形象：瘦削、粗粝、孤独的青铜人，在巨大的空白里向前行走。

上海民生现代美术馆的“塑我此生：贾科梅蒂艺术大展”试图稍稍松动这个过于坚固的印象，展览展出法国贾科梅蒂基金会收藏的212件作品——雕塑、绘画、素描、版画，以及与艺术家生命经验密切相连的文献材料，以13个单元呈现，带观众回到一个更具体、更有温度，也更全面的贾科梅蒂。

DECO深度对谈本次展览的策展人与展陈设计师，整理出6个关键线索，从更远的时空、更近的关系中解读贾科梅蒂饱满的创作人生。

Romain Perrin

罗曼・佩兰

The Curator

罗曼・佩兰毕业于现当代艺术史专业，现任贾科梅蒂基金会研究员、雕塑藏品主管与展览策展人。他曾在法国及全球多地策划贾科梅蒂大型回顾展，包括 2023 年纳尔逊 - 阿特金斯艺术博物馆“阿尔贝托・贾科梅蒂：迈向终极形象”、2025 年马赛康蒂尼美术馆“塑造虚空”；亦围绕贾科梅蒂创作的多元维度策划专题展，以及聚焦当代艺术家的跨界联展。同时，他身兼多部展览画册的主编与撰稿人。

Cécile Degos

塞西尔・德戈斯

The Scenographer

塞西尔・德戈斯是当代展览设计领域的领军人物。从业至今，她执掌众多国际重磅项目：包括巴黎商业交易所皮诺典藏馆、伦敦皇家艺术研究院、摩纳哥王宫；亦长期携手高古轩、卡迈勒・穆努、贝浩登等国际顶级画廊深度合作。她近期主持的重大项目包括为上海浦东美术馆策划设计“缔造现代：来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝”与“图案的奇迹：卢浮宫印度、伊朗与奥斯曼的艺术杰作”。

塑我此生：贾科梅蒂艺术大展展览现场。1918年，父亲乔瓦尼所绘的《阿尔贝托·贾科梅蒂》，让17岁的贾科梅蒂先行与观众打了照面。作为乔瓦尼的长子，父亲的画室首先是一所没有课程表的学校，光影、颜色、结构，以耳濡目染的方式影响了他，从展出中的绘画作品里得以窥见其影响。

贾科梅蒂长居巴黎，但关于他的故事并不是从巴黎开始的。1901年，他出生于瑞士与意大利交界处的布雷加利亚谷，被山口、岩壁和漫长的冬季笼罩。他的父亲是瑞士重要的后印象派画家乔瓦尼·贾科梅蒂（Giovanni Giacometti），以高山风景、家庭生活和人物肖像闻名，与费迪南德·霍德尔（Ferdinand Hodler）等瑞士现代主义艺术家有密切往来。

展出作品：山地景观, 布面油画，

作者：阿尔贝托·贾科梅蒂，约1921年。

“这次展览特意强调了他与家乡的连结，因为那是他所有形变逻辑的根源。”采访中，策展人罗曼如是说。在阿尔贝托自己的早期绘画里，山地、家人和人脸已经构成持续一生的母题。在展出的早期作品中，我们依然能窥见他在后印象派与立体主义缝隙间的挣扎，画面中尚未抵达后来灰褐、紧张、近乎将人物困在画面中的绘画语言，能看见他对于景物结构的执拗。

中期的雕塑创作不断呼应着家乡的山谷、

自然对他的影响。

这种工作方式也解释了贾科梅蒂为何会在1930年代中期逐渐离开超现实主义的语言，重新回到真人模特面前。贾科梅蒂不相信一个已被掌握的形象，因为熟悉并不意味着看清，恰恰可能让观看变得更难，持续的、反复的观看并尝试捕捉是他的创作核心。

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贾科梅蒂的工作室照片。可以看出来它简陋、拥挤，堆满完成与未完成的石膏、黏土、家具和画具；但它也绝不因为小而变得安静——艺术家、作家、摄影师与知识分子在这里聚会。

1926年底，贾科梅蒂定居巴黎第十四区伊波利特-曼德隆街46号仅有23平方米的工作室里，长达40年。1933年，贾科梅蒂的父亲去世，贾科梅蒂才刚过而立，当时他正处于超现实主义运动的核心圈，但父亲的离世让他开始重新思考雕塑和创作的意义，到了1935年，他重新开始以真实的人作为模特进行创作，逐渐疏离了超现实主义那种集体性的、符号化的语言，走向更私人、更执拗的探索。

在工作室里，

贾科梅蒂在书页、信封、纸桌布上随手画画，

也在墙壁上涂写，

所以工作室的墙壁上布满了涂鸦、草稿和颜料痕迹。

人们常惊讶于他如何在这样狭小的空间里构想出大型雕塑，但事实上，贾科梅蒂的大型雕塑创作在其生命的最后几年，且受邀于纽约的项目，所以也并不在这间工作室中完成。

贾科梅蒂去世后，他的妻子安妮特为了保存墙上的痕迹，将墙上的内容用壁画技法转移到了画布上；展览中的《静物与男子头像》（1947—1965）便保留了这种创作痕迹。

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长期以来，贾科梅蒂被刻画成一个孤独的苦行僧，但其实他身边有几个人物形象，几乎是其所有标志性作品的原型。其一便是贾科梅蒂的弟弟迭戈（Diego Giacometti）。

“展览的后半段以主题式结构呈现，正是为了突出他生活中的真实一面，”策展人罗曼指出，“他虽然沉浸在作品创作中，但从未切断过与世界的联系。”这些亲密关系是他对抗虚无的锚点，也是他那些细长人影中流淌着的、微弱却坚定的温度。贾科梅蒂的弟弟迭戈在20世纪20年代中期来到巴黎后，成为他最持久的模特，也参与协助作品的制作。贾科梅蒂画过、塑过无数个迭戈，但迭戈的形象却逐渐抽象化。因为对贾科梅蒂来说，越是熟悉的人，越会在他的作品中显出不可抵达的一面，而爱与距离，也从来都并不是对立关系。

在雕塑作品中，

亲密的人的具体五官逐渐被磨去，

成为一种更普遍的“头部”。

另一位身边人则是他的妻子安妮特·阿姆（Annette Arm）。他们在1943年相识于日内瓦——那是他因签证滞留瑞士的战时岁月——1949年结婚。安妮特是他最忠实的模特，也被视为其站立女性形象的重要原型。其生前最后一位情人卡洛琳（Caroline）则是一位出入风月场所的丽人，贾科梅蒂也会不断地以她为模特进行雕塑、绘画或素描创作。后世对于贾科梅蒂中细长、沉默而凝重的女性轮廓有诸多猜测，但或许身份难辩的人物形象才正是他真正想要传达的意义。

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展览中有一个章节通过现场的文献与摄影肖像，让我们能看到贾科梅蒂的朋友们。同时期为他拍摄肖像照片的摄影师如布列松等等，后来成为了上个世纪摄影史的半壁江山。

贾科梅蒂与让·保罗·萨特（Jean-Paul Sartre）是多年好友，萨特曾为他的画廊个展撰写序言；他与西蒙娜·德·波伏娃（Simone de Beauvoir）熟识；他与爱尔兰剧作家塞缪尔·贝克特（Samuel Beckett）有着深厚的私人情谊——有一种说法（虽然目前存在争议）认为《等待戈多》中那两个孤独等待的人影，与贾科梅蒂的雕塑形象有某种精神上的呼应。

他与日本哲学家矢内原伊作（Isaku Yanaihara）的友谊更是持续多年，留下了一组珍贵的肖像画，其中1957年的《矢内原坐姿》在此次展览中就可见到。

而策展人罗曼还透露了一个鲜为人知的细节，在1950年威尼斯双年展上，因为贾科梅蒂的朋友作品被安排的位置不佳，他直接向举办方表示如果他的朋友没有足够的空间好好展示，那他也拒绝参展。这反而展现了他性格中感性且依赖连结的一面，或许在贾科梅蒂看来，作品的展示若是脱离了那些能与他产生精神共振的亲友，便失去了被观看的意义。

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鼻子，作者：阿尔贝托·贾科梅蒂，1949年，青铜

进入展览前，观众会先遇见1947年的《鼻子》：一颗被悬挂在笼状结构中的头颅，鼻子夸张地刺向前方，荒诞、滑稽，也近乎骷髅。它诞生于二战刚刚结束之后，所呈现的并不是胜利的英雄形象，而是一个被世界暴力重新定义过的、极其脆弱的人。随后，贾科梅蒂战后的标志性形象陆续出现：行走、站立、停驻的人。它们放弃了逼真的肌肉、衣褶和表情，身体被压缩为粗粝的细线，仿佛刚刚从空气里凝结出来。

图1，行走的男士之一，

作者：阿尔贝托·贾科梅蒂，1960年，青铜；

图2，三位行走的男子（小底座），

作者：阿尔贝托·贾科梅蒂，1948年，青铜

1960年的《高大女士之一》原本为纽约大通曼哈顿银行大楼外的公共空间项目而构想；因对最终效果不满意，贾科梅蒂没有交付该项目，但作品此后以独立的青铜铸件展出。

在展览中，这件作品被安排在1F沿街处，高大的女性身体细得近乎一条竖线，却因周围的大面积空白而格外具有纪念碑感。策展人罗曼说这是有意为之，“我觉得把雕塑放在接近街道的地方很有意思，好像是把它放回了它原本应该存在的语境里。”

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本次展览的展陈设计师塞西尔说，观看贾科梅蒂，“距离是根本的（Distance is fundamental）。”因此她精妙地调整了作品尺度的节奏：在展示早期小型石膏和微型雕塑时，空间被有意收窄，让观众不得不俯身近看，进入那种极度私密、近乎耳语的交流；而当叙事推向晚年的大型雕塑时，展厅突然豁然开朗，让这些高大的青铜人影在拉开的空间中获得一种神圣的、肃穆的张力。展览的13个章节在她的设计之下变成了一部流动的“乐章”。