做珠宝的人，造了一座人可以走进去的“微观宇宙”|deco|微观宇宙|珠宝|钛金属|雕塑|龙美术馆

曾以独创的“世英切割”而享誉全球的知名珠宝与雕塑艺术家陈世英近日在龙美术馆（西岸馆）举办个展“他界之器”。这场与威尼斯慈悲圣母教堂平行举行的双城展，不仅带来了高达7至10米的巨型钛金属雕塑，更以其前所未有的纪念碑式体量与沉浸式空间，将观众引入了一场跨越微观与宏观、此世与他界的视觉与精神之旅。

走进“他界之器”的现场，你会发现素以清水混凝土闻名的挑高空间龙美术馆（西岸馆），似乎展现了与此前全然不同的空间气质。展厅里镜面、光影与巨型钛金属结构相互作用所产生的真实生理体验，令人有种穿梭在异质空间的错觉。

陈世英

THE ARTIST

出生于1956年，陈世英是华人世界首屈一指的珠宝与雕塑艺术家。他自16岁起从事宝石雕刻，于1987年首创“世英切割”幻象雕刻法，并将其钛金属于珠宝与大型装置创作的应用推向极致。其创作跨越珠宝、雕塑与建筑尺度，作品被上海博物馆（2024）、维多利亚与阿尔伯特博物馆（2024）、龙美术馆（2023）及大英博物馆（2019）等国际知名机构永久收藏。

“他界之器”展览现场，龙美术馆（西岸馆）

“你动的时候，物质也在动。”陈世英这样描述自己为这次个展设计的空间动线，“当你走的时候，你会看见它的嘴巴会伸长，鼻子会拉开；你发觉自己时而被拉高，时而被压扁。”在真实与虚幻的拉扯间，观众被迫在行进中重新确认自己身体的边界——耳朵在哪里，鼻子在做什么，自己如何呼吸。直到走到出口，一切散去，“剩下的，只是一个影子。”

不难发现，艺术家的巨型雕塑作品

与其珠宝切割有着异曲同工之妙。

这场横跨陈世英半个世纪的创作脉络的大展，由他本人深度参与了空间布展设计。他把展览清晰地划分为两条平行的时空脉络：一楼展厅与阶梯展厅是宏大的当下，展示着他由珠宝雕刻跨界至大型钛金属雕塑的视觉震慑；而地下展厅则是一场深邃的回望，集中呈现他自1973年入行以来、跨越半个世纪的经典珠宝雕刻原作。在他身上，独创的“世英切割”巧妙融入了巨型雕塑，彻底打破了珠宝与雕塑、微观与宏观的边界。

陈世英在布展览现场，摄影：JJYPHOTO

“一个创作人，对结构是要很清楚的。做珠宝也好，做雕塑也好，其实都跟空间关系有关——建筑是雕塑的载体，人是珠宝的载体。”陈世英说道，他随手举了胸针上一个微小搭扣的例子，那个扣能开合多少次？扣到一万次之后金属的疲劳度如何？弹簧何时会失去记忆？这些精密的受力全部需要计算。在他眼里，这和盖一栋大楼没有本质区别。

从上至下：“他界之器”展览现场

龙美术馆（西岸馆），摄影：田方方；

展览中新建的展览微建筑、不同角度的光影

在混凝土墙体投射出的不同阴影都是陈世英的特别设计。

陈世英也曾做过极端的换算，即如果将一件珠宝的内部结构放大300倍，它的厚度就接近8米，“这8米的空间人就可以走进去，但外面的结构依然合理。”龙美术馆里那些高耸的钛金属巨构，逻辑起点便在于此。

作品《图腾》，“他界之器”展览现场

龙美术馆（西岸馆），摄影：田方方

对于光的运用，陈世英也带着珠宝匠人特有的偏执。懂得切割珠宝的人，最清楚光线从哪个角度进去、如何在其内部进行多重反射。这就像空间的采光，“如果空间懂得用光，你早上不用闹钟，朝东的太阳自然会把你唤醒。”虽然不是建筑师，但五十年的宝石雕琢，早已让陈世英用肉眼和直觉参透了结构与光线之间如何互相成全的秘密。

陈世英在“他界之器”创作现场

2000年代初，陈世英曾选择放下香港的一切名利，出家修行六个月。还俗归来，他面临着没有固定收入、没有创作资源的窘境。为了延续创作的欲望，他把在街上捡到的水泥搬到天台去雕刻，用铜、不锈钢甚至最廉价的混凝土进行实验。

作品《钛坦：物质与时空对话》，“他界之器”展览现场

龙美术馆（西岸馆），摄影：田方方

“在那段一无所有的日子里，我反而奠定了不依赖任何外部条件的自由。我学会了直接去面对材料的硬度、重量和限制，而不是依赖现成的珠宝工艺。”这种“一次又一次主动归零”的经历，成为了他艺术生命里最深处的根。后来，他迷恋上钛金属——这种熔点超1700度、记忆性极强、在常人看来最“冥顽不化”的异类材料。他用修行般的耐力与钛金属共处，直至把这种坚硬的金属塑造得如毛巾般流动、如织物般柔软。

《复生》作品细节

出家时的空寂与还俗后的困顿，将陈世英的感官淬炼得如同一件透明的器皿，使他能够跳出技艺的边界，去承载那些更宏大、更形而上的精神流向。

从左至右：伫立于一楼展厅的三件巨型

“油壶”形态钛金属雕塑以

《诞生》《成长》与《复生》为名，

构成了一个关于生命周期的流动系统。

《诞生》以数千件钛构件、齿轮与微雕人像彼此咬合，远观宏伟，近看却藏着近万颗螺丝构成的精微细胞，将生命的复杂性诉诸于肉眼难辨的感知；第二件《成长》则将“世英切割”的光学折射原理放大至建筑尺度，构建出一个让人可以步入其深处的旋转镜面空间，让人直接走进在万花筒般的幻象里；而作为这一系列的终结，也作为珠宝展厅开端的《复生》，则将象征、神话、起舞的数字时钟与钟铃造型融于一体。

陈世英在“他界之器”展览现场，

龙美术馆（西岸馆）

在采访接近尾声的时候，我们问陈世英：展览想让观众带走什么？他的回答是：“文化的记忆，还有重新再探讨自己观照自我的一个角度——回归心灵。”

作品中蕴含着海量的细节，

指向对于生命意义的探讨。

他谈到了永恒的问题。作为一个一生都在追求"物质里的精神性"的艺术家，陈世英这样理解永恒：“人的存在没有永恒，但我们怎么走进永恒？就是我们的精神、我们的灵魂，能够创作出历史上没有创作过的东西，不停地启发未来的人。你的永恒，是透过你的作品比你的生命存在更长。”

《诞生》作品细节

如今，在面对AI（人工智能）等新技术对艺术创作的冲击时，这位七十岁的艺术家展现出了一种极其沉静的超然。“我平常必须要知道AI的功能，”陈世英说道。“如果你不知道AI现在的能力，你在创作上就无法感知这个时代的坐标。科技是没有永恒的，它每天都在淘汰。三十年前大家觉得电脑不可思议，现在那些技术早被丢弃了，AI也一样。我们要知道社会正在发生什么，用它来让我们的创作效率更高、更快速地去走向永恒。”

在他眼里，无论是古老的宝石刻刀、现代的钛金属工艺，还是当下的数字AI，都只是工具序列里会不断更迭的过客。真正能够留下来的、值得他用一生去追问的，是作品内部承载的灵魂。

作品《未生我时我是谁？》

位于一楼展厅与地下展厅之间，

代表着一种转换——大体量的雕塑，

《诞生》《成长》与《复生》到此告一段落，

一切重归生命开始的那一刻。

摄影：田方方

从龙美术馆的一楼展厅走到地下展厅，再到最终走到出口，更像是一次关于自我存在价值的回归。陈世英用五十年的时间，把自己也锤炼成了一个器皿，这个器皿里盛放着他的执着、他的归零、他的光影、以及他至今仍在追问的“我是谁”。而当观众将自己的身体与记忆带入这个空间时，“他界之器”，便在这一刻盛满了属于此时此地的、生命的温度。