- 作者：张芮白
来源：科技最前线 (kejizqx)
9月11日，上海外滩大会。
人来人往的现场，一幅巨大的紫色鸢尾花画作静静绽放，层层叠叠的梦幻色彩让人不由自主地走近、细看，仿佛置身梦境。这幅名为《幻梦鸢境》的作品，曾在今年央美毕业展上引发一场小小的风暴——衍生周边市场销售额近40万元，媒体曝光量（触达人次）达到约400万，作者郭婉钰更被冠以“带货女王”的称号。
这次在外滩大会，郭婉钰又大胆尝试全新艺术形式：数字艺术品。这种科技与艺术的交融，赋予了一幅画作更长久的生命，让它得以跨越物理空间的阻隔，在数字的土壤里长久流淌。与《幻梦鸢境》一同亮相的，还有央美毕业展另一幅大热作品《南渡残生梦独多——李清照》，凭借充满故事感的视觉表达“打动”无数人，堪称现象级展品，它们不再是昙花一现的佳作，而成了被人永久拥有和珍藏的记忆。
这种艺术表达形式的转变，实际上指向了一个更深刻的命题：在技术与时代以超越想象的速度狂奔时，创作者该如何拥抱变化？审美与实用、艺术与商业交织碰撞，创作者们又该如何平衡？
01 从画布到数字土壤：
一个创作者的迁徙之路
很多人认识郭婉钰，就是因为《幻梦鸢境》的“爆”。十余年的央美学习经历，在这一刻终于迎来了集中爆发。
但作品被看见是一瞬间的事。毕业展终会落幕，观众散去之后，一幅画的生命该如何延续？它与观众建立起的连接，如何不被时间冲淡？这些成了摆在郭婉钰面前的真正难题。一个创作者最大的焦虑，莫过于作品被人遗忘。
她开始主动寻找出口。她在社交媒体上运营个人IP，策办个展，甚至推出明信片、书签、冰箱贴等各类周边衍生品，让作品以不同形态走进更多人的生活。她把这套模式叫作“OEC”——从画作生产、跟厂家对接、销售到与观众沟通，全部一个人完成。“我们创作出来一部作品之后，其实有非常多的可能性。”郭婉钰说道。
这些积极的跨界尝试，让她逐渐走入了鲸探平台的视野。起初，郭婉钰对数字艺术品并没有太大兴趣。一个整天与画布、颜料为伴的人，对“上链”这件事天然有些距离感。
但本着尝试新事物的态度去了解后，郭婉钰发现，数字艺术品与自己的诉求不谋而合——它提供了一种对抗遗忘的技术可能。
展览的展期通常只有15天，但上链后的数字艺术品却可以在线上的数字美术馆里存在一百年，且被更多人看到。当作品被区块链技术永久记录，每一次被收藏、被持有，都是对艺术生命的一次延长。
从画布，到互联网，再到数字艺术品，郭婉钰完成了一次又一次的迁徙，这是一个年轻创作者想要让作品走得更远、活得更久的本能选择。
02 当人人都能创作，
艺术家还剩下什么？
郭婉钰用行动回答了“作品如何不被遗忘”这个问题。但另一个问题紧接着来了：当AI可以生成图像，当创作门槛被技术抹平，艺术家还能做什么？
郭婉钰的想法乐观而清醒，她已经在用AI辅助进行3D建模，但并不会因此而焦虑，因为AI可以生成图像，却无法复制一个人的经历、记忆、情绪与热爱。
在她看来，技法不再是壁垒之后，艺术家的核心竞争力反而变得更加清晰：你为什么创作？想通过创作去表达什么？你想给观众传达一个什么样的体验？这些是人类创作者无法被取代的根本原因。
在这个问题上，中央美术学院教授费俊给出了更系统性的思考。
他提出了一个新的概念——“感能”。简单来说，就是人类感知世界、用感性表达世界的能力。AI拿走了人类的“智能”，比如逻辑推理、记忆、归纳等，却没有拿走人类的“感能”，比如我们的喜怒哀乐、审美品味、情感、价值观等。
在费俊看来，人类的“感能”加上AI的智能，将在未来形成一种全新的创造力。他将这种状态称为“混合智能”。
但这不会凭空发生。费俊强调，要想达到这种状态，艺术家不能仅仅把AI当作工具。如果只是用它来生成一张图、一段视频，那做出来的东西都大同小异，根本没有自己的特色，也没有价值。
真正关键的，是要深入理解AI的“属性和气质”：不同的模型有不同的底层逻辑和生成方式，要理解它怎么运作、擅长什么、局限在哪里，在这种深刻理解的基础上，才有可能做出独一无二的创作。
他带学生做的一件作品《见微知著》，就是这种思路的实践。现场摆放着一台显微镜，观众可以自主挑选玻片观察微观世界：有的玻片里是病毒细胞和健康细胞相互对抗，有的是各种微生物在忙碌游走。
AI会实时读取观众看到的这些微观画面，然后自主匹配、关联人类现实世界里相似的场景。比如：细胞之间的对抗争夺，被AI对应到了中东地区的战争冲突；微生物忙碌游动的画面，被AI关联成了城市里的拥堵车流。
这些奇妙的关联，不是人事先设定好的剧本，完全是AI依靠自身的运算逻辑，自主发现的全新关联。而这，正是创作者在理解AI之后，才有可能做出来的作品。
在费俊看来，这才是AI时代真正的创作核心：不是用AI重复做我们已经知道、见过的事，而是借助AI的独特视角，发现人类想不到、看不见的全新联系，进而给人类带来新的思考与启迪。
03 数字艺术的商业未来在哪里？
当艺术创作不断拓展新的表达边界，一个更现实的问题浮出水面：它们该如何真正走近用户，实现商业价值？
为此，费俊和郭婉钰都提到了一种新的商业形式——数字艺术品。在费俊看来，数字艺术品可以通过互联网触达更广泛的收藏群体，它越被更多人看到，就越有价值。
郭婉钰的想法类似。她以“数字敦煌”为例，千年壁画被搬到线上，让更多人得以观看。这意味着艺术从少数人的收藏走向了更多人的拥有，艺术品和创作者之间的距离被拉得更近，艺术的商业价值也有了更大的想象空间。
而要让这种想象空间真正落地，需要一个能让作品被看见、被收藏、被持续运营的数字化生态。
鲸探扮演的正是这个角色。它正通过全域资源的协同，构建起一个贯穿创作全周期的生态服务体系。
在创作阶段，鲸探为创作者提供一站式数字化发行服务。通过作品确权、版权登记保障创作者权益，再提供数字化模型技术支持，让作品进入数字世界，最终将作品信息写入区块链，生成独一无二的“数字证书”。至此，一幅作品就真正变成一件可以在线上被收藏、被流转的数字艺术品。
到了交易环节，数字艺术品可在鲸探平台直接售卖，普遍定价为8-28元，以类似“打赏”的方式让创作者直接获得收益。平台还会通过流量扶持计划、跨界品牌及IP联名资源，帮助创作者实现商业变现。
为了帮助作品进一步破圈，鲸探在线上有内容页面、3D虚拟展厅、社区动态、群聊等多种呈现方式，线下还会有数字艺术展、联合参展等多种活动形式，让艺术触达更广泛的人群。
由此，创作者拥有了一条从创作到变现、从个人表达到公共传播的完整通路。一幅作品完成之后，不再只是一件静态的成果，而是可以被持续经营、不断生长，被更多人看见、收藏，并最终走向市场。这给了创作者持续创作的信心和动力。
也许在不远的未来，对各个领域的创作者和艺术家而言，鲸探将成为日常中不可或缺的存在——就像今天创作者离不开画布、离不开社交媒体一样，它将成为艺术创作、传播与变现的关键环节。
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