在过去的数年间，时尚潮流的演进逻辑经历了根本性的重塑。若说昔日时装产业的话语权，宛如《穿普拉达的女王》所呈现的那般，掌握在少数媒体精英、资深设计师与行业权威手中，那么如今，这一权力已显著地分散至广大的社交媒体用户社群。个体审美的觉醒与表达欲望的膨胀，共同催生了“微趋势”（Micro-Trends）现象的盛行。人们开始追逐周期短暂、更迭迅速的潮流热点，而非坚守一种能够延续数季乃至数年的稳定风格范式。对于时装设计师而言，若依旧沿用过往那种以预测市场偏好为导向的创作模式，试图被动地满足大众口味，则无异于在高速流转的喜好中亦步亦趋，始终落后于时代的脉搏。
尤其在2020年之后，设计师群体面临的挑战尤为复杂：全球经济下行压力加剧，零售环境深受地缘政治格局变动的影响，充满了不确定性。在此背景下，许多品牌选择退守至一种更为传统、经典的设计语汇，试图在动荡的消费环境中寻求一种稳妥的市场策略。然而，这种集体性的保守转向，并未如愿改善时装的商业环境，反而导致越来越多的品牌在日趋同质化的浪潮中逐渐丧失了自身的辨识度与核心竞争力。
转机出现在2026年。时装创作呈现出稳步向后极简主义方向演进的态势，设计师们的思维路径亦随之发生深刻变革。他们开始将目光重新锚定于当下，摒弃对过往的过度怀旧与对奢华的无谓炫耀，致力于以一种更为内省、更具当代性的方式重构男性衣橱，从而使时装能够更精准地契合当下大众对年轻男性气质的期待。
与此同时，设计师们也在系统性地重新评估流行趋势与服装设计之间的互动关系。他们不再盲从于某一特定的市场偏好来塑造产品，而是转向一种更为主动的创作哲学：思考如何通过时装，为穿着者提供独特的情感体验与价值感知。换言之，当代的设计师正选择为一种明确的“穿着意图”进行创作。
时尚专栏作家 Steve Salter 曾对这一以“意图”为导向的趋势做出过精辟解读：“人们渴望在无需铺张浪费或过度炫耀的前提下精心装扮；相较于彰显财富，他们如今更为注重日常穿着的内在品质，并以此为基础，自信地展现其个性。”
“展现个性”已跃升为这场“意图导向”的时装设计革命的核心精神。在2026秋冬男装秀场中，这一趋势变得愈发鲜明而多元。
设计师们将粉色、丝巾、男士芭蕾舞鞋等曾带有性别标签的单品大规模引入T台，意在彰显一种多元的着装态度，赋予传统男性气质以更温柔、细腻的表达维度。同时，他们也紧密围绕着周末旅行包、伐木工风格外套、半拉链卫衣等更具日常实穿性的单品展开设计，试图借助这些朴实而可靠的服装，为身处不确定时期的穿着者提供一种切实的慰藉与安全感。
面对那些对个性表达需求更为强烈的消费者，设计师们则从华丽摇滚、后朋克文化等充满反叛精神的亚文化场景中汲取灵感，使张扬的自我特质能够透过时装语言被直接、鲜明地感知。同时，经典的学院风与诗人风等男装范式也在当代语境下获得了全新的解读，通过对细节、材质与廓形的微调，更细腻地映照出穿着者的内在个性。
正如帕森斯设计学院时装设计副教授 Ben Barry 在接受采访时所言，以 TikTok 为代表的短视频平台上正兴起越来越多关于男性“自我优化”的技巧，这营造了一种年轻男性愈发注重以视觉化方式展现自身成就与成长轨迹的文化氛围。“在此背景下，穿衣风格便成为你个人努力最迅速、最直观的证明。”
为意图而创作，为意图而穿衣。时装，最终升华为个人叙事的外在化体现与身份认同的视觉宣言。
T 台上的表达不再是悬浮于现实的美学展演，而是对当代男性多元身份、情绪诉求与生活场景的具象回应。本季秀场的十大核心潮流方向共同勾勒出男装丰富的风格图谱，窥见当下男性着装叙事的多种可能性。
作为朋克音乐最重要且最具影响力的分支之一，后朋克（Post Punk）兴起于20世纪70年代末，紧随早先的朋克摇滚浪潮之后。在音乐表达上，后朋克摒弃了朋克音乐粗犷、直白的三和弦模式，转而采用更具实验性、内省气质与艺术野心的创作路径，其歌词与编曲往往带有更浓厚的文学性与哲学思辨色彩。
在时尚表达层面，后朋克美学亦与朋克风格呈现出显著差异。如果说朋克风格的时尚语言是通过粗犷、破坏性强且充满DIY元素的着装（如破洞T恤、安全别针装饰、撕裂的牛仔裤）来宣示一种激进的反叛青年思潮，那么后朋克美学则主动吸纳了工装、复古军装及前卫艺术家着装的元素，以一种更为简约、克制且富有结构感的方式来展现其艺术性与前卫精神。
Television乐队前成员Richard Hel
后朋克音乐人在着装倾向上，普遍青睐去性别化的单品与锋利的剪裁线条。无论是宽大挺阔的西装外套、极细的窄领带，还是男女皆可穿的宽松廓形，均旨在凸显其独特的艺术人格。例如，美国音乐人Patti Smith在其首张专辑Horses封面上的经典白衬衫造型，便是一种鲜明而自觉的个性主张。美国实验摇滚乐队Talking Heads主唱David Byrne在舞台上标志性的宽大西装与衬衫领带搭配，同样为后朋克美学提供了丰富的视觉灵感。此外，后朋克乐队如Joy Division（及其主唱Ian Curtis去世后成员重组而成的New Order）、Bauhaus等，则在制服式的西装与衬衫造型中，融入了更多工装与军装细节，营造出一种冷漠、禁欲且富有知识分子气息的独特气质。
1977年，Patti Smith在CBGB俱乐部演出
David Byrne
Joy Division 主唱 Ian Curtis
后朋克音乐在21世纪初及2011年前后均经历过短暂却热烈的复兴浪潮。尽管在后朋克复兴时期，新兴音乐人们在音乐创作上不断尝试创新与突破，但在时尚表达层面，他们大多延续了前辈们简约、低调的造型思路。这种利落、干净的音乐美学，深刻影响了许多从青年亚文化中汲取灵感的时装设计师，如Raf Simons、高桥盾（Jun Takahashi）和山本耀司（Yohji Yamamoto），均曾围绕后朋克青年形象展开系列设计。
作为一种区别于朋克与垃圾摇滚的独立时尚风格，后朋克美学在当下时装秀场上的回归，与极简、修身剪裁男装的复兴密不可分。对于当下的时尚爱好者而言，后朋克音乐人的着装风格提供了丰富的参考范本：一件剪裁利落、廓形合身的西装夹克，搭配线条干净的衬衫、一条修身的直筒裤装，以及一双带有工装质感的马丁靴或其他易于穿脱的休闲鞋，便足以塑造出一个视觉上地道的后朋克乐手形象。若希望进一步展露对摇滚文化的热爱，则可在造型中融入同样合身但不显紧绷的休闲T恤、未经刻意破坏但带有水洗效果与简约印花的直筒牛仔裤等单品，以辅助整体造型，使个人风格更易被他人感知与理解。
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依次为Amiri、Camperlab、Dior、Egonlab、
Holzweiler、Nahmias、Our Legacy、Sunflower
在2026秋冬男装秀场上，设计师们正积极回响这一潮流趋向。他们不再依赖夸张、夺目的方式彰显摇滚精神，转而以一种简洁、干净的视觉语言来契合当下大众的审美偏好。例如，在Doublet秀场上，设计师井野将之（Masayuki Ino）便将后朋克音乐人的经典造型搬上T台：一位模特身着修身的浅卡其色西服套装，内搭一件饰有电吉他印花的白色衬衫，以此呼应后朋克美学的精髓。在Lanvin 2026秋冬男装系列里，Peter Copping则运用修身的翻毛皮西装夹克，搭配灰色针织衫与豹纹印花修身长裤，完成了对后朋克文化的当代致敬。Sacai秀场上，阿部千登势（Chitose Abe）选择以一套机车夹克、衬衫与西裤的组合造型，呼应早期后朋克美学，模特颈部悬挂的细条领带则进一步强化了这一风格灵感。
Doublet
Lanvin
Sacai
作为20世纪70年代最具影响力的文化现象之一，华丽摇滚（Glam Rock）以其夸张、多元且极具戏剧性的视觉表达著称。以Freddie Mercury、David Bowie及Alice Cooper为代表的音乐人，从20世纪30年代的好莱坞电影风格、战前歌舞表演、维多利亚时代文学以及象征主义艺术中广泛汲取灵感，并将其以极为大胆、浮夸的方式呈现在个人造型与舞台表演中。通过这种极具视觉冲击力的表达，华丽摇滚艺术家们不仅鲜明地宣示了个性与态度，也彻底颠覆了彼时逐渐陷入沉闷、乏味与过度早熟的流行音乐场景。那些闪烁的亮片、浮夸的时装设计，在此语境下，成为创作者捍卫自我表达、抵抗文化同质化的有力武器。
这一时期的音乐人普遍偏爱穿着超高防水台的厚底鞋，以及由金银线、大量亮片刺绣、蕾丝、绸缎等彼时常用于女装设计的奢华材质制成的服装。他们以张扬、甚至带有挑衅意味的审美，对当时的主流文化价值进行反叛。譬如David Bowie便与日本设计师山本宽斋（Kansai Yamamoto）紧密合作，将舞台剧式的戏剧美学引入摇滚演出，彻底颠覆了大众对摇滚音乐视觉呈现的固有认知。Roxy Music主唱Bryan Ferry则将高级定制时装元素引入摇滚现场，使优雅服饰成为精致华美风格的生动注解。Queen乐队主唱Freddie Mercury则凭借白色丝绸飞翼服、深V紧身连体衣等大胆单品，挑战了传统社会对男子气概的刻板定义。
David Bowie
Bryan Ferry
Freddie Mercury
从某种意义而言，这些华丽造型所代表的，正是对个性与自我表达的高度关注，这深刻启发了后来的众多时装设计师。从Alexander McQueen到John Galliano，从Hedi Slimane到Jonathan Anderson，华丽摇滚的经典形象均曾以不同形式出现在他们所塑造的时装秀场中，成为反复回响的创作母题。
如今，华丽摇滚再度回归男装秀场，并成为2026秋冬男装趋势中设计师们呈现新作的一大亮点。他们通过将不同历史时期的华丽元素融入当代男装创作，营造出一种充满文化碰撞感的美学表达。
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依次为Amiri、Gucci、Kartik Research、Kenzo、
Simone Rocha、Tom Ford
源自女装设计的奢华面料在男装秀场上随处可见。在Jonathan Anderson为 Dior打造的2026冬季男装系列中，便从现代时装之父 Paul Poiret 的时装档案中汲取灵感，将后者曾广泛运用于女装设计的提花面料应用于飞行员夹克、大衣等男装单品中；Poiret经典的礼服廓形则被解构为亮片背心，与紧身牛仔裤共同呈现。墨西哥裔设计师Willy Chavarria则运用公爵绸、植绒提花面料来塑造极具体积感的廓形男装，在华丽与日常之间寻找到一种微妙的平衡。在 Dries Van Noten 2026秋冬系列中，Julian Klausner 以“少年成长”为主线，以近乎收藏家的方式将来自不同文化的华丽面料融入系列，通过不加克制的叠加手法，彰显摇滚青年的反叛态度。
Dior
Willy Chavarria
Dries Van Noten
对于时尚爱好者而言，这些华丽服装并非毫无日常实用价值。在日常穿着中，我们可借鉴 Bryan Ferry 的演出造型及 Benjamin Bruno 为 Dior 2026冬季男装系列所呈现的造型思路，选择那些带有华丽装饰但廓形基础或款式经典的服装单品，并辅以更为日常的单品进行搭配，通过强调关键单品的视觉冲击力来彰显个性，而非堆砌所有华丽元素。
Pinterest在发布2026年度风格预测时，将“Poetcore”（诗人风格）列为年度关键词之一，原因在于过去数年间，用户在该平台搜索“Poetcore”的次数呈爆发式增长。作为一种以“core”命名的微趋势风格，Poetcore的灵感正如其名称所示，主要来源于历史上及当代诗人、作家群体的着装风范。其核心视觉符号可追溯至19世纪浪漫主义诗人。
John Alexander Skelton
例如，约翰·济慈（John Keats）与拜伦勋爵（Lord Byron）的标志性穿搭，便被广泛视为纯正 Poetcore 风格的代表—他们在日常生活中倾向于穿着敞开纽扣的微褶白衬衫、松弛的领巾、高腰西裤以及随风飘逸的长大衣。尤其是拜伦所代表的“浪子诗人”（Byronic Hero）形象，更成为 Poetcore 风格的初始模板：兼具病态美感、深邃眼神与对自然的狂热。
在电影《死亡诗社》（Dead Poets Society）中，Robin Williams饰演的主角John Keating 同样是 Poetcore 风格的代表人物。他将经典的学院风单品如灯芯绒西装、粗花呢外套、宽松针织衫，转化为一种随性、富于书卷气的个人气质表达。爱尔兰诗人、作家塞缪尔·贝克特（Samuel Beckett）则以其个人穿着赋予Poetcore一种时间沉淀后的美学质感。长期独居、生活清苦、不喜社交的他，在穿着选择上异常朴素，常于旧货店中淘取廉价衣物。多次穿着的高领毛衣和松垮的西装成为其最具标志性的造型。正如其文学作品剥离了情节、戏剧冲突与华丽辞藻，贝克特的穿衣也剔除了品牌、版型与装饰等外在标签，呈现出极致的朴素与真实。
《死亡诗社》剧照
爱尔兰诗人Samuel Beckett
此外，知名作家与哲学家如阿尔贝·加缪（Albert Camus）、詹姆斯·乔伊斯（James Joyce）等人，因其严谨的着装、简洁的造型和带有怀旧气息的单品选择，同样成为当下Poetcore 风格的精神代言人。
爱尔兰作家James Joyce
不难看出，与同样代表浪漫文学风格的“Dark Academia”（黑暗学院风）美学相比，Poetcore 更强调一种自然、实用且亲民的着装取向。带有时间洗礼痕迹的单品和不完美的细节，正是完成 Poetcore 风格造型的关键所在。
如今，设计师们纷纷拥抱这一美学风格，主要是因为时尚爱好者们开始厌倦主流大趋势的千篇一律，转而希望借助更小众、更具个性的“微”趋势以彰显自我身份。通过拥抱 Poetcore，时尚爱好者们能够将文学情怀转化为一种易于识别的视觉符号。
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依次为Corneliani、Dries Van Noten、Emporio Armani、
Ferragamo、Lemaire、Uma Wang
在2026秋冬男装秀场上，Poetcore 呈现为一种带有时间沉淀感的不完美表达。例如，在 Prada 2026秋冬男装系列中，Miuccia Prada 与 Raf Simons 刻意让服装呈现出仿佛刚从旧衣柜中翻出的形态—尘土、污渍、褶皱均被定格为设计语言的一部分。在造型上，他们同样不让模特“好好穿衣”：传统正装中常见的法式袖口被随意展开，精良剪裁的西装夹克与大衣亦呈现出仿佛缩水过的不完美比例。在 Junya Watanabe 2026秋冬男装系列中，设计师渡边淳弥（Junya Watanabe）从爵士时代男性乐手的着装中汲取灵感，以一种高度知识分子的方式重新解读这一时期风格：不合身的条纹羊毛西装夹克搭配同样比例失调的黑色长裤，羊毛夹克上还缝有因长时间穿着而不得不补上的贴布补丁。在失衡与缝补之间，Poetcore 的美学被生动诠释。
Prada
Junya Watanabe
此外，在 Saint Laurent、Celine 和 Dior秀场上，传统正装的造型规范也均被打破。造型师与设计师们选择以非常规方式来诠释经典男装风格，让真实性与个性取代千篇一律的“老钱”符号，成为当下时尚爱好者们的风格宣言。
Saint Laurent
Celine
Dior
社交媒体与短视频平台在某一单品走红过程中发挥着至关重要的作用。自2025年起，半拉链卫衣（Quarter-Zip Sweater）—这件基础至极的单品，开始成为热衷在社交平台分享穿搭造型的男士们人手一件的百搭之选。
短视频创作者 Jason Gyamfi 作为这场潮流的引领者，在其一则解释为何选择穿着半拉链卫衣的视频中说道：“我们不穿Nike Tech，也不喝咖啡；我们喜欢穿半拉链卫衣，手里拿着抹茶。我们的生活水平提高了，现在我们戴眼镜了。”从 Gyamfi 的表述中不难看出，半拉链卫衣的流行在某种程度上投射了当下男性对于自我形象重塑的期待。它既不同于 Nike Tech 服装所代表的有活力但稍显莽撞的青年形象，亦有别于 Patagonia 等品牌所象征的传统精英成功男士的随性风格，反而体现了一种前两者所无法提供的、更具安全感的男子气概（Secure Masculinity）。
Jonathan Bailey
“半拉链卫衣这种低调的男装，给人一种干净利落、勤奋努力、文化素养稳定、经济状况可靠的印象—换句话说，就是适合结婚的对象，安全可靠。”正如专栏作家 Julian Randall 在其文章中所指出的，半拉链卫衣有效降低了穿着者自身的攻击性，以更低调、亲和的方式展现个人魅力。另外，半拉链卫衣—这一常出现于商务休闲场合的基础单品，同样彰显着穿着者的成长意图。在《纽约时报》的报道中，当下的青少年一直在寻找向社会表明他们已经长大成人的方式，并且“Z世代是时候拥抱商务休闲风了，而这种通常带有罗纹、永远是方形的半拉链毛衣，似乎成了他们的首选”。
A$AP Rocky
Frank Ocean
作为一件长期存在于各类男士衣橱中的基础单品，半拉链卫衣如今拥有了更多元的造型方式。我们或许可以以 Jonathan Anderson 的 Dior 男装首秀为例，在 Dior 2026夏季系列中，他运用大量半拉链卫衣取代传统衬衫与高级时装，成为模特造型的关键单品。除了单独穿着外，半拉链卫衣也可内搭同样具有商务气质的衬衫与领带，以卫衣取代更为正式的西装外套，赋予整体造型更休闲、学院风的表达。此外，半拉链卫衣还可作为高领毛衣的替代品，通过在夹克、大衣等单品内穿着修身剪裁的羊毛半拉链卫衣，既能丰富视觉层次，又可获得比传统高领毛衣更随心的造型灵活度。
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依次为Ami、Doublet、Giorgio Armani、Theory
在 2026 秋冬男装秀场上，设计师们对这一热门单品进行了时装化的改造。例如，在 Louis Vuitton 2026 秋冬男装系列中，Pharrell Williams 将半拉链卫衣改造为一件专为冬日打造的厚实皮毛外套，通过将皮草应用于这一简单休闲的服装廓形，消解了传统皮草夹克可能具有的夸张特质。在Loro Piana 2026 秋冬男装系列中，半拉链卫衣以贴肤的羊绒材质呈现，替代高领毛衣成为大衣的内搭。Hermès 2026 秋冬男装系列中，半拉链卫衣化身为一件带有材质花纹拼接的廓形外套，通过在近似毛呢质感的皮草上拼接羊毛针织领口，使这一单品成为自由男士的气质注解。而在 LGN Louis Gabriel Nouchi 2026 秋冬男装秀场上，半拉链卫衣则演变为一件带有工装质感的夹克外套，通过毛呢材质塑造出充满戏剧感的廓形，赋予基础单品以别样质感。
Louis Vuitton
Hermès
Loro Piana
LGN Louis Gabriel Nouchi
2011年，时任 J.Crew 品牌创意总监的Jenna Lyons 为品牌打造了一组彼时颇具争议的广告。在广告大片中，Lyons 与儿子Beckett 一同出镜，Lyons 握住儿子的双脚，为其脚趾涂上十分亮眼的芭比粉色趾甲油。该广告一经推出，便引发大众关于色彩与性别关联的广泛讨论。
2025年，J.Crew 在圣诞节前夕于品牌男装区域上架一款淡粉色费尔岛毛衣，这一行为很快在互联网上再次引发争议。保守派人士在看到该款毛衣后，再度以性别议题为角度展开抨击。但很显然，如今已有越来越多的人不再以保守眼光审视粉色男装。相反，越来越多的男士开始将粉色纳入自己的衣橱。就连 J.Crew 这件引发争议、售价168美元的男士毛衣，在上架后很快成为品牌网站上最畅销的产品之一，多个尺码迅速售罄。
1973年的New York Dolls乐队
Bad Bunny
回顾粉色在时装应用中的历史便会发现，如今男士们对粉色的拥抱，在某种程度上是对其发展历史的转译与致敬。在18世纪的欧洲，粉色最初与女性化特质并无直接关联，而是被视为“淡化的血液之色”，象征着力量、勇气和贵族阶层的社会地位。当时贵族男性身着粉红丝绸与蕾丝，是绝对阳刚与权力的象征。直至20世纪中期，通过战后西方玩具、童装产业的性别营销策略，粉色才被强行绑定为女性专属，形成了长达数十年的性别色彩刻板印象，这也是保守派抨击“男士穿粉”的主要依据。
Malice、Pusha T和Pharrell Williams
出席2026年格莱美颁奖典礼
如今，越来越多的男士开始意识到粉色并非某一性别的专属，他们将粉色视为自信、品位与审美主权的宣言。Kendrick Lamar、Pedro Pascal 等当代男装偶像对粉色的高频演绎，使其具备了病毒式传播的流量属性。另外，粉色也从日常造型延伸至更为专业的职场着装领域。越来越多的职场男性选择穿着粉色西装套装与粉色商务休闲服装出席正式场合，他们以身体力行的方式逐步打破粉色“不够专业”的传统偏见。如今，粉色被视为展现亲和力、创造力与现代绅士情调的着装语言。
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依次为Amiri、Bottega Veneta、Diesel、Jacquemus
或许是受到 J.Crew 毛衣争议的影响，粉色在 2026 秋冬男装系列中呈现出相当多元、多层次的表现。首先，粉色成为当代男性的一种“情绪庇护所”。受宏观局势影响，2026 秋冬诸多系列带有冷静或压抑的底色，在这样的灰色与棕色基调中，粉色成为舒缓焦虑、注入乐观情绪的“解药”。例如，在 Prada 2026秋冬男装系列中，Miuccia Prada 与 Raf Simons 在看似不修边幅、带有一丝忧郁深沉的反叛大衣和斗篷中，巧妙融入迷迭香粉色，以柔美、梦幻的氛围为整体严肃的系列带来一丝轻盈质感。
Prada
还有一些设计师将粉色与工装元素进行结合，通过丰富的材质反差和硬朗剪裁，使粉色被塑造得更具力量感。例如，在 Auralee 2026 秋冬秀场上，粉色被应用于直筒廓形的工装裤上。在Louis Vuitton 2026 秋冬男装系列里，Pharrell Williams 将粉色转化为未来制服的一部分。而在 Lazoschmidl 2026秋冬男装系列中，粉色直接被用于塑造整套工装造型。
Auralee
Louis Vuitton
Lazoschmidl
除此之外，粉色还被设计师们用于向20世纪50年代“垮掉的一代”（Beat Generation）致敬的设计中，通过粉色来彰显当代青年的反叛精神。在 Dries Van Noten 2026 秋冬男装秀场上，Julian Klausner 让粉色以针织马甲、提花 foulard 领巾的形式，与复古黑框眼镜、略显凌乱的格纹西装进行撞色叠穿，塑造出一种“不屑于讨好传统男性社会审美”的高智感、雅痞叛逆形象。
Dries Van Noten
随着领带这一传统正装的重要符号，在过去几年中以个性配饰的形态重回大众视野，越来越多用于装饰脖颈的配饰开始出现在男装系列中。丝巾—这一在很长一段时间内被视为女性专属的配饰，也逐渐在男士造型中占据一席之地。
与粉色相似，如今被认为是女性化配饰的丝巾，最早同样是为男士服务的。早在中国的秦代，丝巾的前身“颈巾”便已初具雏形。在秦始皇陵兵马俑雕像上，士兵颈部雕刻的织物就被认为是最早的颈巾雏形，其作用在于保护士兵颈部并区分不同军阶。古罗马时期，罗马士兵则佩戴被称为“Sudarium”（汗巾）的棉麻织物，主要用于擦汗和防寒。尽管男士丝巾出现时间很早，但现代丝巾的直接原型则来自17世纪的克罗地亚，当时的克罗地亚雇佣兵在脖子上系上鲜艳的丝巾作为制服的一部分，这种风格吸引了法国国王路易十四，并在法国宫廷引发效仿，演变出 Cravat（领巾），这也成为现代男士领带与丝巾的共同始祖。
到了19世纪，随着资产阶级的兴起，丝巾演变为阿斯科特领巾（Ascot Tie），成为上流社会男性出席马术比赛、晨间正式场合的标配。此时，丝巾是身份、教养与财力的象征。唯美主义文学代表 Oscar Wilde 标志性宽版真丝领巾，便展现了19世纪末文人墨客的傲慢、精致与反叛。而后，随着好莱坞黄金年代的到来，丝巾脱离了死板的社交礼仪，成为飞行员、赛车手以及好莱坞影星展现雅痞和自由浪漫精神的单品。影星如 Cary Grant 和 Fred Astaire，将真丝丝巾松散地塞在敞开领口的衬衫内，创造了风靡至今的“老钱风”休闲绅士风范。
但在随后很长一段时间里，男士丝巾逐渐淡出男装舞台，伴随 Jet Set 风格成为女性着装中的必备单品。偶有男性时尚偶像佩戴丝巾，更多是展现一种个人风格和态度。例如在20世纪70年代，Mick Jagger 与 David Bowie 时常佩戴细长丝巾，将其与大V领、紧身衣结合，赋予男士丝巾以性张力与孔雀般张扬的摇滚型格。
Dries Van Noten
近年来，越来越多的时髦男士开始关注丝巾这一象征浪漫与不羁的单品。A$AP Rocky、权志龙等时装偶像纷纷在自己的造型中，将张扬印花的丝巾作为点睛之笔。在2026 秋冬男装秀场上，男士丝巾获得了更为多元的呈现。首先，丝巾不再只是出现在脖子上的附加装饰，而是自然地成为服装的一部分，转变为构建造型的底层框架。在 Celine 2026 秋冬男装系列中，Michael Rider 就将品牌经典的丝巾融入内搭夹克，以飘逸柔软的丝巾赋予夹克更显著的浪漫主义气息。
A$AP Rocky
权志龙
丝巾在本季也拥有了更具趣味的材质呈现方式。Louis Vuitton 2026 秋冬男装系列中，Pharrell Williams 使用品牌最新研发的 Silk Tech 面料打造带有经典 Monogram印花的男士丝巾。Silk Tech 这种与尼龙混纺的真丝面料，不仅比传统真丝更为坚韧，在自然光下还能呈现出皮革般的细腻质感，使丝巾不再局限于单一形态。丝巾在男装秀场上也获得了体积上的放大。Officine Générale与Saint Laurent 等品牌在今年秋冬将丝巾尺寸大幅放大，将超大尺寸的真丝方巾（Grand Foulard）松散、漫不经心地系于脖子上，垂坠至腹部，与质地粗犷的剪羊毛大衣、粗呢西装形成“刚与柔、粗粝与细腻”的强烈视觉对比。
Louis Vuitton
Officine Générale
ISAIA 与 Brunello Cucinelli 等意大利男装则完美示范了现代高阶男士如何驾驭长丝巾。他们摒弃了刻板的传统领带，将带有微弱光泽的佩斯利印花或几何印花丝巾，平整地围在圆领针织衫或水洗牛仔外套内侧，恰到好处地填补颈部空白，不浮夸、不造作，完美契合了2026年秋冬备受推崇的“当代智性探索者”形象。
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依次为Camperlab、Hed Mayner、Hermès、Jacquemus、
Paul Smith、Paul Smith、Polo Ralph Lauren
平底鞋与赤足鞋的流行浪潮，不仅推动运动鞋从20世纪10年代的厚重复古设计转向更为轻便、简约的风格，同时也让许多设计上同样“极简”的鞋履单品获得大量关注。除了曾一度成为 Lyst 热门单品冠军的人字拖之外，芭蕾舞鞋—这一鲜少出现在男装秀场上的优雅单品，也得到了大量的呈现。
与许多人的刻板印象相反，平底芭蕾舞鞋在诞生之初，原本就是欧洲男装世界的主流。16世纪初，扁平、轻软的便鞋是欧洲男性贵族的标准宫廷着装。当时一种平底、包头、低洼鞋面、名为“Pompes”的鞋款在宫廷内大行其道，其廓形与现代芭蕾平底鞋几乎如出一辙。17世纪，“太阳王”路易十四让芭蕾舞鞋开始逐渐成为一种独立的鞋履设计类别。路易十四本人便是一位极具天赋的芭蕾舞者，他于1661年创立法国皇家舞蹈学院，并大力推广男子芭蕾舞表演。此时，为完成巴洛克男子芭蕾舞中复杂的跳跃与技巧动作，男舞鞋的鞋跟被大幅降低，鞋身变得极度轻薄包裹，男士芭蕾舞鞋正式作为专业舞具与日常鞋履分道扬镳。
1838年，法国贵族阿尔弗雷德·奥赛伯爵（Count d'Orsay）为法国陆军士兵发明了一款低帮、V字形鞋面的平底鞋，旨在让宽脚的士兵穿着更舒适，其廓形设计同样汲取了男士芭蕾舞鞋包裹、轻盈的特质。这种极度暴露脚背的侧空平底鞋，后来便成为女士鞋履中标志性的奥赛平底鞋（D'Orsay Flat）。到了20世纪，随着西方现代男装向克制的资产阶级三件套靠拢，暴露出过多脚背线条的轻薄平底鞋遭到保守派的负面评判，男士芭蕾舞鞋被彻底放逐至专业的古典芭蕾舞台。
但对于时装设计师而言，男士芭蕾舞鞋反而在后来的日子里，成为他们追求多元文化的有力武器。川久保玲（Rei Kawakubo）便在个人品牌 Comme des Garçons Homme Plus 1999秋冬系列中，为男模们打造了一系列从男士芭蕾舞鞋与男士玛丽珍鞋脱胎而来的平底鞋。Demna 在 Balenciaga 2023年夏季系列秀场上，推出了精致的“Leopold Ballerina”男士芭蕾舞鞋。不同于川久保玲经典鞋履的改造，这位格鲁吉亚设计师以更激进的方式，将女士平底鞋直接“移植”进男装系列之中。随后，在 Dior 2024冬季男装秀上，时任品牌男装创意总监的 Kim Jones 以传奇芭蕾舞者 Rudolf Nureyev 为灵感，将高定男装与带有经典罗缎包边、交叉松紧带的男士芭蕾舞鞋完美融合。这是男士芭蕾舞鞋历史上首次以如此大体量、高规格的“主角姿态”重返老牌时装屋。
Dior 2024冬季男装系列
作为Z世代的时装偶像，Harry Styles同样对男士芭蕾舞鞋的回归起到了不可忽视的推动作用。在造型师Harry Lambert的协助下，他在专辑《Kiss All The Time. Disco, Occasionally》宣传期间，穿着大量从男士芭蕾舞鞋汲取灵感的平底鞋款。从Miu Miu 的 Élan 芭蕾舞平底鞋，到 Marsell和 Celine 为其打造的平底鞋，均彰显着当代男性的前卫审美。
Harry Styles的芭蕾舞鞋造型
在2026秋冬男装秀场上，男士芭蕾舞鞋不仅没有退潮，反而从早期的“先锋实验”正式走向更为成熟、多元和解构主义的日常体系。一方面，本季的男士芭蕾舞平底鞋彻底摆脱了常见的“极致圆润与娇弱感”，转而强调几何感与雕塑感。例如，Lemaire 在2026秋冬系列中推出的标志性男士平底鞋，便是雕塑感芭蕾舞鞋的代表：采用深V口鞋面与中心缝线设计，利用利落的线条在视觉上延伸男性脚背轮廓，充满克制、严谨且高级的都市文人气质。
Lemaire
另外，设计师们开始将芭蕾舞鞋与其他风格元素相结合。例如，擅长为男装融入浪漫女装元素的 Simone Rocha，本季在男装系列中将传统芭蕾元素，完美融入实用主义鞋履设计中。通过换上坚固的耐磨外底、防刮擦的纯黑皮革和更粗犷的包边设计，诞生了名为“Ballerina Grip”的全新变种，使穿着者既有芭蕾的优雅，又兼具上街行走的踏实步履。与此同时，受 Celine 等品牌影响，系带爵士鞋（Jazz Shoes）作为芭蕾舞鞋的“近亲”也在本季大量涌现。那种薄底、系紧鞋带、贴合脚踝的白色或黑色软皮爵士鞋，成为搭配切边牛仔短裤或松垮西裤时，最受时尚界男士欢迎的时髦单品。
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依次为Bode、Bottega Veneta、Bottega Veneta Gino乐福鞋、
Dries Van Noten、Fear of God、Jacquemus、Jil Sander
在过去的十多年间，迷你手袋逐渐取代大型手袋，成为男士出行的常用配饰。但最近，大容量、大体积的手袋再次回归时尚中心。除了常见于都市街头的邮差包、托特包及双肩包外，周末旅行包（Weekender）也悄然成为许多人衣橱中的必备单品。
周末旅行包，顾名思义，是一种容量介于常规手提包与大号行李箱之间、专为1至3天短途行程设计的软质旅行包。它不仅代表一种极简、随性的出行哲学，也是时尚圈兼具实用与品位的标志性符号。周末旅行包的前身可追溯至17世纪由比利时达夫尔（Duffel）镇生产的粗面织物（Duffel fabric）制成的圆筒束口包。达夫尔粗面织物防风、耐磨的特性，使其制成的束口包被船员和士兵大量使用。与此同时，当时上流社会的旅行仍以沉重的木质或皮革硬行李箱为主。
Jacob Elordi
1921年，“Weekend Bag”一词首次被字典收录。二战结束后，美国和英国大批退役军人将配发的强韧帆布行李包（Duffle Bag）带回日常生活。军品商店的普及使这种容量大、可折叠的软质包袋进入校园、露营和户外人群中，为周末旅行包的推广奠定了广泛的人群基础。另外，Louis Vuitton 看到了商业航空和公路旅行正逐渐取代传统蒸汽轮船与火车旅行，成为上流社会人士出游首选，遂于1930年推出品牌标志性手袋 Keepall。其拉链开口、双提手和皮革滚边的设计，奠定了现代周末旅行包的雏形。至此，硬质箱包不再是唯一选择，轻便随性的周末旅行包成为新贵与好莱坞明星的出行标配。好莱坞男星 Steve McQueen 便是一位十足的周末旅行包爱好者，无论是在其出演的电影《大逃亡》中，还是在日常出行中，他都常手提军用帆布或皮革制成的周末旅行包，为这一手袋赋予了不羁与叛逆的冒险者标签。
Steve McQueen的《大逃亡》剧照
进入20世纪90年代，随着廉价航空与快节奏商务差旅的普及，周末旅行包成为无须托运、可直接带上飞机的首选客舱包。在明星机场街拍的推波助澜下，它从功能性行李转变为身份与审美态度的表达。知名球星 David Beckham 在千禧年间的全球机场街拍中，经常出现周末旅行包的身影，直接掀起了一代都市男性将周末旅行包作为日常与出游主力包袋的热潮。
David Beckham
如今，周末旅行包重回大众视野，与当下人们生活方式的变化密不可分。“移动办公”与多栖生活（Hybrid Living）取代了传统的两点一线，成为当下主流的生活方式。男士们可能早上在咖啡厅远程办公，下午进行商务会面，晚上直接去健身房或进行短途差旅。因此，在手袋选择上，他们更倾向于大容量的“移动生活系统”。另外，在2026年的包袋趋势中，“带有使用痕迹”的旧皮革和具备岁月斑驳感的手袋格外受追捧。比起一尘不染的新箱子，一个带有磨痕和旅行印记的周末旅行包被视为“有故事”和个人品位的体现。
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依次为Boss、Bottega Veneta、Calvin Klein Collection、
Eckhaus Latta、Tom Ford
因此，在2026秋冬男装秀场上，设计师和品牌们围绕各式各样的男士周末旅行包展开了创作。在 Gucci Primavera 系列中，Demna 推出了一系列以品牌经典标识印花帆布制成的周末旅行包，通过独特的做旧工艺，赋予手袋柔软质感的同时，又使其自带使用过的故事感。其短肩带设计，让周末旅行包同样能够成为一个时髦的都市托特包。在 Loewe 2026秋冬秀场上，Jack McCollough 与 Lazaro Hernandez 围绕品牌经典的 Amazona手袋，展开对周末旅行包的想象。通过放大 Amazona 手袋并以油蜡皮材质进行诠释，他们使周末旅行包化身为一个能够容纳一切的都市通勤手袋。此外，在 Bottega Veneta、Tom Ford、Calvin Klein Collection 等品牌2026秋冬秀场上，专为男士打造的大型周末旅行包均呈现出更时髦的样貌，实用性与时髦在此处得到融合，使其能够更好地适配如今边界模糊的日常生活。
Gucci
Loewe
作为一种长期出现在大众视野中的着装风格，学院风（Preppy Style）并未随着潮流更迭而退出时尚舞台，反而随着时代和社会思潮的变化而不断演变。最早的学院风源自美国东北部常春藤盟校及预科学校，融合了英式传统裁缝的严谨与美式精英运动的松弛。百余年间，它已从上流社会的特权符号，演变为全球时尚界极具生命力的服装范式。
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依次为Auralee、Junya Watanabe、Kenzo、
Maison Mihara Yasuhiro、Sacai、Soshiotsuki
20世纪10年代，Brooks Brothers、J.Press 等品牌开始为哈佛、耶鲁等常春藤盟校学生设计服饰。牛津扣领衬衫、奇诺裤（Chinos）、金扣藏青色西装夹克、乐福鞋以及校队拼色夹克，共同构建了学院风的基础骨架。到了20世纪60年代，随着Ralph Lauren 建立起自己的同名品牌帝国，并随后推出极具影响力的 Polo Ralph Lauren 品牌线，学院风开始从特定阶层的专属着装方式，转变为各阶层大众皆可拥抱的生活方式美学。学院风自此与乡村俱乐部式的休闲度假生活建立了密切关联。1980年，《官方预科生指南》（Official Preppy Handbook）出版并成为畅销书籍，进一步将学院风从精英阶层推向平民百姓。彼时，美国总统 John F. Kennedy 成为学院风的最佳代言人，他在鳕鱼角帆船上身穿网眼 Polo衫、卷边奇诺裤、雷朋墨镜与乐福鞋的造型，塑造了最经典的美式高智感形象。
进入20世纪90年代，随着嘻哈音乐从黑人社区崛起，学院风开始与嘻哈文化、滑板文化等街头文化融合。以学院风为基石的Tommy Hilfiger 等品牌，开始面向街头人群进行学院风的别样改造。以品牌标识配色为灵感的防风夹克、抹胸上衣与嘻哈文化共同构建了20世纪90年代最显著的风格色彩。此后的嘻哈音乐人也开始围绕20世纪90年代的学院风遗产进行形象塑造。例如，嘻哈音乐人Tyler, The Creator 便通过其个人品牌 Golf le Fleur，运用马卡龙配色、印花开衫、贝雷帽与乐福鞋，将学院风彻底融入现代街头文化。
如今，学院风迎来了第三次重要演变，媒体将其称为“Prep 3.0”。这一转变体现在多个层面：第一，学院风从身份阶层的象征转向质感表达。如果说旧时代的学院风充斥着乡村俱乐部的门槛感，那么当下的学院风则强调无门槛的高级感与舒适智性。例如，在 Umit Benan 2026秋冬系列与 Paul Smith 2026秋冬系列中，学院风以更低调、务实的西装套装形态呈现，通过舒适的材质对比和更为自如的廓形设计，使高级感无需借助特定标识来传递。
Umit Benan
Paul Smith
第二，在廓形上，学院风时装也从早期的修身剪裁逐步转向松弛随性。修身西装和紧身奇诺裤被无结构软垫西装、中高腰宽腿奇诺裤及落肩廓形所取代。在 Ami 2026秋冬秀场上，经典学院风单品如衬衫、西裤和大衣均获得更为宽大的廓形，通过整体比例的放大，彰显出更为轻松、活力的气质。作为学院风最有力推手的 Ralph Lauren，在其重返米兰的首场时装秀上，也围绕学院风展开一系列设计变体。Ralph Lauren 运用更为复古、宽松的廓形取代修身剪裁，赋予当代男士更具态度的特质。
Ami
Ralph Lauren
第三，在造型上，学院风也不再遵循长期以来大众所坚守的固定模板，而是回归到学院风早期所代表的反叛与创新思路。通过混搭和故意呈现的凌乱细节，赋予造型更鲜明的个性—或者说，如今的学院风，如同艺术家 Jean-Michel Basquiat 造型的现代复刻，在混乱中寻求艺术感的表达。大月壮士（Soshi Otsuki）在个人品牌 Soshiotsuki 2026秋冬系列中，运用带有破坏拼接细节的牛仔裤搭配昭和风格的学院派西装、衬衫和领带，将不同时期的日本时装文化进行融合呈现。在 Louis Vuitton 2026秋冬男装秀场上，Pharrell Williams 赋予学院风更多功能性，将经典学院风单品与 Silk Tech面料制成的功能性服饰进行混搭，在保留优雅风格的同时，使穿着者能够无惧风雨。此外，在 Auralee、Thom Browne、Junya Watanabe 等秀场上，混搭均赋予经典学院风以别样质感。
艺术家Jean-Michel Basquiat
Louis Vuitton
随着时尚行业将更多目光投向真实生活，实用主义时尚成为许多男士的着装首选。在 New Vintage 潮流之下，越来越多的时尚爱好者将着装灵感投向工装背后所代表的各类职业着装。伐木工（Lumberjack）及其标志性着装风格，便成为当下时髦男士们的造型缪斯。
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依次为Feng Chen Wang、Kolor、Loewe、
Maison Mihara Yasuhiro
伐木工风格起源于北美边远林区的劳作阶层，其核心美学在于粗粝、实用、耐用与野性。19世纪，北美五大湖及太平洋西北部的伐木工人面临极度恶劣的自然环境。为抵御严寒与磨损，他们穿上了重磅红黑格纹羊毛衫（Buffalo Check）、防刺穿的厚重粗布裤与背带裤，并蓄起浓密胡须防风。此时，Woolrich、Pendleton 和 Filson 等品牌推出的厚实羊毛服装成为伐木工们的“官方装备”，也奠定了伐木工风格的基础元素。
1972年的伐木工造型
作为现代时装一部分的伐木工服装，尽管历史悠久，但真正登上时装文化舞台则是在20世纪90年代。作为伐木工风格关键单品的法兰绒衬衫，被以 Kurt Cobain 为代表的地下摇滚乐手重新拾起。这些来自西雅图的垃圾摇滚音乐人，选择就地取材，将西雅图地区的伐木工文化融入自身造型。他们故意穿着破旧、松垮的伐木工衬衫搭配破洞牛仔裤，将伐木工原本的“劳动防护服”重构为反主流文化、反精致与反消费主义的叛逆符号。
Kurt Cobain
20世纪10年代，随着工装风格的复兴，“Lumbersexual”（伐木风型男）作为一种亚文化现象在全球范围内风靡。都市精英男性开始修剪精致的“伐木工大胡子”，穿上Red Wing 工装靴、Raw Denim 赤耳丹宁裤和重磅法兰绒衬衫，将野外户外感搬进咖啡馆与写字楼。好莱坞男星 Jason Momoa 便是“Lumbersexual”风格的最佳代言人，他在戏里戏外常年以厚重格纹衬衫、破损皮革、工装靴与浓密胡须造型示人，将极具荷尔蒙色彩的现代伐木工美学发挥到极致。
Jason Momoa
2026年，伐木工时尚再次迎来变革。传统伐木工着装在设计师的重构下，被去除过度的“粗糙感”与“笨重感”，并积极与当下潮流进行结合，诞生出全新的时尚面貌。在2026秋冬男装秀场上，设计师们围绕伐木工着装展开全新畅想。许多以质感著称的经典男装品牌，将以往伐木工服装中扎人的粗羊毛替换为高支数羊绒、麂皮与重磅马海毛。在保留伐木工服装经典形态的同时，在手感与穿着体验上进行全方位的奢华升级。例如，在 Ralph Lauren 2026秋冬系列中，经典伐木工格纹外套以更为细腻、柔软的材质加以诠释，在呼应品牌美式根源的同时，融入更多工艺巧思。Auralee 2026秋冬系列中，设计师岩井良太（Ryota Iwai）同样从材质入手，以细腻如麂皮般的绒面材质赋予军绿色伐木工夹克更低调奢华的质感。
Ralph Lauren
设计师们也在剪裁结构上，力图使伐木工服装呈现更为时装化的样貌。通过消解原本臃肿的廓形，在设计上进行巧妙改造，使伐木工服装更好地融入当代都市生活。在 Dior 2026冬季系列中，Jonathan Anderson 以伐木工夹克为原型，将品牌标志性的迪奥夹克廓形融入其中，使时尚与实用主义交织。在其个人品牌 JW Anderson 2026秋冬系列中，他则运用轻巧配色和宽松的衬衫式夹克款式，使经典伐木工法兰绒衬衫获得更多穿着场景。山本耀司（Yohji Yamamoto）则将伐木工服装中常见的迷彩印花与象征伐木工文化的树叶印花融入宽松西装夹克和气球廓形长裤中，使伐木工时尚成为一种风格印象。此外，在 Egonlab 和 Charles Jeffrey 的秀场上，伐木工服装呈现出更具戏剧化的形态，通过混搭和重塑，使其成为时髦表达的一部分。
Dior
Egonlab
还有一些设计师与品牌则将伐木工时尚与强调性能与科技的户外风格进行嫁接与融合。在 Louis Vuitton 2026秋冬系列中，经典伐木工外套以更具功能性的防水材质进行演绎，在保暖的同时更能抵御多变气候。在 Engineered Garments 2026秋冬系列中，伐木工服装与 Gorpcore 所代表的都市机能风格进行融合，使性能与态度同时兼备，满足了当代都市男性对功能性与风格表达的双重需求。
Louis Vuitton
Engineered Garments
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