今天凌晨，单依纯再次发文道歉，大概意思就是老师我错了，我赔偿，我再也不唱《李白》了。
被单依纯粉丝搞得身心俱疲的李荣浩也回了一段话，大概意思是就这样吧，洗洗睡吧。
这件事基本上也就告一段落了。
在单依纯的两次道歉中，她始终坚持一件事，就是不知道自己未获授权。
但如果她知道未获授权，会不会坚持翻唱《李白》呢？我觉得大概率会。因为毕竟这首歌让她火出了圈，而且不唱这首歌她又能唱什么呢？
这才是单依纯最尴尬的地方，不翻唱歌曲，她可能就无歌可唱。
当一个拥有顶级唱功的年轻歌手，开演唱会却要靠翻唱来撑场面，这不是她个人的失败，而是整个华语乐坛“原创荒”的一个缩影。
翻唱本身并不是原罪。很多天王天后都翻唱过别人的作品，但那是在他们拥有足够多的个人代表作之后。
伍佰一开演唱会，就组织歌迷合唱陈淑桦的《梦醒时分》，腾格尔更是把翻唱搞成了“二创”，创飞所有原唱。但对于这二位来讲，翻唱谁的歌都算是给谁张脸了。
可到了单依纯这里，翻唱却成了“雪中送炭”。她不是不想唱自己的歌，而是自己的歌，听众不熟。
演唱会是要卖票的，如果唱一堆没人听过的原唱歌曲，观众会觉得不值；但如果翻唱那些耳熟能详的经典，至少能保证现场气氛。
于是我们看到了一个荒诞的画面：一个拥有天籁之音的年轻歌手，却不得不在自己的演唱会上，把别人的歌当成主打曲。
这就引出了一个更大的问题：单依纯这样的歌手，为什么没有属于自己的代表作？
答案其实很简单——这个时代，已经没有那个能够批量生产经典歌曲的唱片工业体系了。
回想上世纪90年代到新世纪初，那是华语乐坛的黄金时代。
那英、王菲、张惠妹、孙燕姿、梁静茹……她们大多也不是创作型歌手，但这并不妨碍她们拥有大量的代表作。
因为那时候的唱片公司，有着成熟的创作人体系：李宗盛、林夕、姚谦、小虫、袁惟仁……这些顶级词曲作者，像是一个庞大的“歌曲供应商”，源源不断地为歌手提供优质作品。
那时候的唱片工业，是一个完整的生态系统。创作人写歌，制作人打磨，歌手演唱，公司推广，电台打榜，电视台播放MV，音像店售卖专辑。
每一环都紧密相扣，每一个环节都有专业的人在做。一首歌从诞生到走红，是有路径可循的。
但这个系统，在互联网的冲击下，已经支离破碎了。
现在还有多少歌手会认认真真做一张专辑？还有多少唱片公司愿意花大价钱请顶级创作人为歌手量身打造歌曲？
貌似只有周杰伦仗着原创功力，顶着歌迷骂声还在吭哧吭哧的发专辑，拍MV……MV啊，多么古老的名词。
如今数字音乐平台的播放量成了唯一的衡量标准，短视频的15秒决定了歌曲的生死。在这样的环境下，不是没有好歌，而是好歌很难被听见。
更要命的是，现在的音乐生态，对“纯歌手”越来越不友好。
在过去，歌手和创作人分工明确。歌手负责唱，创作人负责写，各司其职，各展所长。
但现在，唱作人成了主流，会写歌的歌手更容易出头。那些只会唱不会写的“纯歌手”，反而成了弱势群体——因为没有人给他们写歌了。
这不是说现在的创作人不如从前，而是创作人和歌手之间的连接断了。以前的创作人隶属于唱片公司，公司给歌手收歌，创作人有明确的创作对象。
过去，为我们挑选歌手和歌曲的是专业制作人，比如罗大佑、李宗盛，再比如高晓松、张亚东，他们用自己的审美塑造了我们的审美。
如今，音乐审美的逻辑变了。互联网去中心化让所有人都成为了评委。结果我们就只能听到抖音神曲。这并不是因为听众的品位变差了。听众的品位从来就没好过，只不过以前没机会表达自己。
那个时候我们痛恨权威，他们定义了我们应该看什么、听什么、读什么，吃什么……我们无法表达自己的意见。可如今，权威们失去了霸权，而我们也失去了审美。
单依纯凭借《李白》出圈，并非来自演唱本身，而是来自她画蛇添足的改编和诡异的台风，刚好迎合人们的猎奇心理。
于是我们就看到了一个奇怪的现象：每年那么多音乐选秀节目，诞生了一堆冠军，可这些冠军后来大多数都销声匿迹了。不是他们唱得不好，而是没有作品支撑。
单依纯已经是这批选秀歌手中发展得最好的一个了，她至少还有几首翻唱出圈的作品，至少还有人记得她。但即便如此，她依然面临着“无歌可唱”的窘境。
当然，我们不能把所有希望都寄托在“回到过去”上。唱片工业的黄金时代已经一去不复返了，互联网时代的音乐产业，需要找到新的生存方式。
也许未来的“代表作”，不再是传统意义上的专辑主打歌，而是更适合短视频传播的片段式音乐。
也许未来的歌手，不再依赖公司收歌，而是自己参与创作，或者与独立音乐人深度合作。
也许未来的演唱会，不再以“唱自己的歌”为标准，而是以“提供好的现场体验”为目标。当然前提是你要搞定版权。
但有一点是确定的：如果华语乐坛不能解决“有歌手无歌曲”的问题，那么单依纯的尴尬，就不会是个例，而会成为一代年轻歌手的集体困境。
而这个所谓的华语乐坛，基本上也就沦落为大型怀旧现场了。
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