当我点开吴建豪的新专辑《Dance Until We Die》，从第一首同名歌曲开始聆听时，伴随着前奏细密而强劲的复古节奏，我竟然感觉自己好像真的坠入了时空隧道——一瞬间，从第一次在2001年《流星雨》专辑里听到吴建豪的第一首个人单曲《你不爱我爱谁》时，那个大声用Rap表达梦想和音乐理念的大男孩，到如今新专辑封面上，那个在油画质感里依然巧妙地将“经典”与“个性”融为一体的，目光炯炯的男人，二十多年弹指一挥间，很多东西都改变了，但是梦想和音乐之于吴建豪，从未改变，
“Everwhere我都不会变 这颗心没有上限”
“Just dance all through the night
Just dance until we die”
是的，在四分之一新世纪的最后一天，吴建豪终于带来了他的全新专辑《Dance Until We Die》。当《F✦FOREVER恒星之城》巡回演唱会的灯光照亮舞台，青春记忆正在燃烧时，吴建豪酝酿三年的这张《Dance Utill We Die》更加显得意义重大——毫无疑问，他在音乐这条道路上坚持得很久也走得最远，从2001年凭借《流星花园》跻身初代顶流，到如今成为横跨唱跳、创作、时尚、综艺的全能唱作人，二十余年的音乐旅途里，他始终以“身体会唱歌”的初心，在华语乐坛的浪潮中坚守并突破。
在组合作品之外，他的Solo之路从一开始就极具辨识度。2002年首张专辑《身体会唱歌》集合了R&B、HIP HOP与FUNK元素，以“西洋专辑”的制作标准，让《寻找茱丽叶》的动感与《我讨厌我自己》的细腻形成鲜明张力，奠定了他“唱跳全能”的定位，此后与Kangta安七炫组成限定组合发行《Scandal》，现在看来仍然是“活久见”的新颖合作形式。吴建豪也曾经坦言自己经历过“被唱片公司包装起来，内心很痛苦”的磨合期，标志性转折点或许是2016年的专辑《#MWHYB音乐不羁》，他明确提出了“中西融合”的野心，并坦言“真的要玩音乐，就要把灵魂放在自己的作品上”。这一理念，成为他此后所有音乐行动的源头，2022年推出的全英文专辑《Take a Ride》更是以国际化视角，积极探索更多音乐空间的融合，每首歌都印证着他对多元曲风的好奇与探索……
这几年，他也在《这！就是街舞》中以舞者身份展现对音乐的深刻理解，在《追光吧！》和《披荆斩棘》中凭借“唱跳俱佳”的顶级舞台掌控力惊艳大众，这些综艺曝光非但没有稀释他的音乐人格，反而像是一次次高强度的公开课，向世人证明：
吴建豪的“舞”与“歌”，是一体共生的。舞蹈是音乐的形体，音乐是舞蹈的灵活，而所有这些铺垫，都在新专辑《Dance Until We Die》中迎来了一次沉淀后的畅快爆发。
听完这张《Dance Until We Die》，我觉得，吴建豪的音乐，带着一种近乎执拗的“歇斯底里”，鲜活热烈，横冲直撞，甚至至死不渝。这是一张与Van Ness本人的气质极其吻合的专辑，你很难用单一的形容词去描述，他带来的音乐是自由的、生动的、艺术的，有爆裂的冲击，也有温柔的爱意。他与他的音乐，就像交付过誓言，套上了尾戒。
十首亲自参与词曲创作的歌曲，横跨多种风格，Van Ness与金奖制作人David Lucius King和创作搭档Sam Lin林中宣的携手，让这张专辑从灵感概念到初期打磨再到编曲制作都充斥着独属于他的「玩」法。也正是拥有足够的默契与深度的磨合，Van Ness才能在一步一步间创造出跳脱笼统世俗而深谙他个人艺术气质的音乐作品。
这张专辑在听觉版图上大胆拓宽，将70、80年代的复古配乐、Daft Punk与Prince的实验精神、Two-step的摩登节奏熔于一炉。这并非简单的风格拼贴，而是以他长期热爱的美式大流行一脉的经典律动为根，进行的现代化、个性化重塑。
专辑同名曲《Dance Until We Die》用冰冷的合成器浪潮与富有生命力的吉他扫弦，构建出一种科技末世感与原始祭祀感并存的奇景，恰如专辑核心的视觉化呈现：向死而舞，方得永生。整首歌将Van Ness生命中举足轻重的两者——音乐与舞蹈，结合在一起。流畅而富有节奏感的设计，在复古鼓点敲击下，如同拉开八十年代歌舞电影中一幕璀璨的分镜，合成器部分配合歌词中的直白宣告「Just dance until we die, into paradise」，又带出荒诞的赛博感，仿佛这一刻身体真正失去引力控制，飘向浩渺的星空。
《Ur The Reason（中文版）》衔接在专辑同名歌后，在Intro效果音后露出柔软本色。副歌朗朗上口的旋律与编曲的巧思，与人声混响所造就的空间感，让它像是来自万亿年后某颗星球上的告白。相依偎的恋人不惧怕时空与缺憾，唯独彼此才是存在的原因。“缺陷的世界变美丽”，歌词搭配层层递进的转音，既是对爱人的告白，亦是对歌迷的温情回馈，治愈感直击人心。
颇具巧思的是《Ur The Reason》中英文的并存与呼应。英文原版更侧重于律动本身的流畅与呼吸感，而中文版则在保留暖意的基础上，因为语言的表意特性，让情感倾诉更为直接和具体，展现了吴建豪在双语演绎中调整语气、咬字以服务不同文化语感的细致把控。
对于《Save Me》的感受，是开头急促的吉他riff与雷雨，如同思绪混乱的大脑在被黑洞淹没的求救，是的，吴建豪亲自编写的吉他Solo与大量回声设计，精准模拟出在低潮中窒息与呐喊的孤绝状态：闭塞的空间，空洞的呼吸，「Save me」和「Break me」的终点其实始终是「Falling」，是自我意识的消灭，是清醒的的沉沦。
《Pray》从低沉旋律逐步攀升，低音质感突出，赋予歌曲浓厚的画面感与信仰感，抛却繁复编曲，以重型摇滚架构搭配直白呐喊，用纯粹的能量撞击耳膜。《换场》与英文版《I dreamt you》的复古R&B线条细腻，让吴建豪如今在演唱上的细腻情感张力，与诚恳清澈的“叙事感”交织出极具感染力的“动人”，听歌时真的觉得自己好像看到了他从《流星花园》至今的一幕幕成长画面。而《Peace by Piece》的旋律层层递进，电吉他配合灵动人声旋律，在洗脑的动感节奏中渲染出自由自在的灵动气质……
《杰作》则是专辑中具有相当强记忆点的一首歌。从头贯穿到尾的人声效果与复古摇滚风的结合，本身就是一场大胆的实验挑战，再配合Van Ness大杀四方的性感魅力唱腔，字字句句虚幻又真心的袒露，是着魔般的试探，也让人着魔般的上瘾。
尤为值得称道的是，吴建豪将“身体会唱歌”这一出道初slogan，在这张专辑中提升至了哲学层面看，就像在《杰作》中，被称为“夺命三摇”的舞蹈动作并非炫技，而是音乐旷野张力喷薄而出，所对应的必然形体表达；就像他在综艺舞台中用现代舞诠释史诗感，证明肢体本身就是重要的叙事乐器，就像《Dance Until We Die》专辑的曲序，我们可以顺序欣赏，也可以随意播放，吴建豪邀请听众可以自由进入他的音乐生命场域，这与当下算法主导的收听习惯对抗，反倒彰显了他以“专辑”为完整艺术品的传统坚持与自信——全面参与创作和制作的这张专辑里，既展现出他对Funk、Rock、电子等美式根源音乐的娴熟运用，也有对华语抒情旋律的书写能力，达成了真正的“中西融合”，不再有刻意感，只有如呼吸般的自然，每首作品都在多元风格中保持了颇高完成度。
我想，《Dance Until We Die》，对吴建豪个人而言，是一张集大成的“毕业证书”和“独立宣言”吧——宣告那个曾需要向公司争取创作空间、对早期作品“不大敢拿出来”的偶像歌手，经过岁月和人生的风吹雨打，就是能够成为一位包办创作、深度参与制作、视听语言高度统一的，出色的“作者型”唱作人！
对《Dance Until We Die》这张专辑，我同样推荐大家搭配观看「F✦FOREVER恒星之城」巡回演唱会Van Ness的舞台。专辑里的很多歌曲配合现场编舞、灯光和舞美的效果，我们能够看到更为完整的舞台呈现，这也是他在音乐和舞蹈两者结合上，所完成的视觉生命。
对于当下的华语乐坛，这张专辑提供了一种稀缺的样本：在情怀变现极易的捷径旁，一位主流出身的偶像，勇敢选择了一条更艰深、更忠于自我的专业道路。在唱跳舞台常沦为视觉杂技的当下，吴建豪重新锚定了“唱跳音乐人”的本质——唱和跳，是彼此成就的延伸，是情感抵达肉身的路径。他证明了，一个成熟而专业的唱跳歌手，也是深刻而优秀的音乐创作者。
从《流星雨》中那个被定位的“美作”，到《Dance Until We Die》中这位掌控全局的“主宰”，吴建豪用二十多年时间，完成了一个流行文化符号向一个坚实音乐个体的进化。这张专辑没有消费过去，而是将过去的磨砺全部内化为当下的能量，它不提供廉价的感动，只提供高纯度的节奏燃料与不设防的情感冲击。
当舞步直至死亡，音乐便获得永生——这是吴建豪交出的答案，冷静、炽烈、充满力量。
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