沉浸式艺术趋势使用新媒体创造全身体验。
这是新一代的噱头，还是数字艺术的变革方法？
沉浸是完全参与某事的行为，被拉入其宇宙并在此过程中失去自我意识。当谈到沉浸式或体验式艺术时，这些作品将观众包围在全身体验中，与视觉、触觉甚至嗅觉互动。使用新媒体流程，包括视频投影映射、声音技术、VR 耳机和灯光秀，艺术家可以创造围绕观众的环境，使他们成为他们体验的积极部分。虽然近年来这项应用获得了越来越多的热情，但沉浸式艺术绝不是一个新概念。几十年来，艺术家们一直在梳理出包含人体的技术丰富的空间。自 60 年代以来，草间弥生一直致力于沉浸式工作，使用 LED 灯装置和镜像光学幻觉来创造她看似无穷无尽的无限镜室。
草间弥生，无限镜室-法利场，（1965 年）。混合媒体安装。@艺术家和泰特集体的礼貌。
一个早期的例子，永远爱，是挑衅性展览Kusama 的窥视秀的一部分。草间弥生让观众通过一个窥视孔凝视——在镜子的房间里发现自己和另一位访客的重复图像。据泰特说，视觉幻觉启发了草间弥生的沉浸式冒险。在凝视着桌布上的花朵图案后，她描述了抬起头来，看到她的“整个身体、房间和宇宙”都覆盖着红色的花朵。从那时起，她在世界各地展出了她的无限镜室的迭代，包括 2021 年在伦敦泰特现代美术馆的展览。
草间弥生将这一过程描述为“自我抹杀”，暗示了这种媒介的核心悖论之一——实现作品的重要性以及同时失去我们在其中的自我意识的能力。身临其境的艺术是要成为比身体更伟大的事物的一部分，通过站在艺术品内部而不是在艺术品之前来完全吸收自己。在最近的一次采访中，总部位于东京的数字艺术团体teamLab 告诉 ArtNews 的 Sophie Haigney术语“访客对观众”。Immersion 可以利用技术来超越视觉刺激，他们将他们的作品描述为“面向空间的全面转变”，例如作品的 360 度扩展允许观众直接进入，消除艺术品周围的边界。
自 2011 年 以来，创作沉浸式作品的数字艺术家激增似乎并非巧合。 沉浸式作品是向营销、娱乐融合的文化转变的下一步和艺术界的社交媒体。对于一些人来说，身临其境的艺术淡化了画廊体验，导致一代画廊参观者更愿意为他们的 Instagram 动态拍照，而不是站在艺术品前深思熟虑。
虚拟现实技术的出现，包括自 2010 年代以来广泛使用的 Oculus Rift 头戴式设备，使艺术家越来越有可能利用数字艺术将我们与令人信服的替代领域联系起来。在 2017 年接受柏林艺术链接杂志采访时，戴维斯声称沉浸式虚拟现实“捕捉到了神性，而不会耗尽我们的自然世界”。虚拟环境可以被视为纯粹的逃避现实，但这不是戴维斯的本意。戴维斯希望动员身临其境的艺术来促进对我们对自然环境影响的更深层次的认识。随着数字化存在与我们的日常活动如此交织在一起，这种感觉更加令人心酸。
戴维斯并不是唯一一个催化数字技术将我们与气候变化和保护问题联系起来的人。数字艺术家Tamiko Thiel在她的装置“鱼的进化”中使用了增强现实和投影映射。该装置于 2019 年在世界涂鸦节上首次亮相，该装置实际上在室外建筑或室内画廊墙壁上绘制了海洋景观。游客被水生生物包围，他们可以通过 iPad 控制它们的运动。然而，他们干预得越多，鱼就越容易变成塑料垃圾。该作品作为一个有趣的隐喻，让观众了解人类行为对海洋生态系统的严重不利影响。蒂尔的网站制定了减轻海洋塑料垃圾影响的实际行动。
即使是世界上一些最著名的画廊空间都在努力维持生计，体验经济不得不做出一些毁灭性的财务呼吁，包括广泛的失业。Superblue并非没有打嗝，已经不得不推迟其原定于 2020 年的开业日期。然而，《纽约时报》最近有报道称，尽管大流行，人们对沉浸式艺术展览的兴趣和投资仍在增长。虽然有些人可能会认为它们是花哨的或过于戏剧化的沉浸式景点，但事实证明，它们非常受观众欢迎，吸引了数百万的游客。摘下口罩，人们会回来吗？时间会证明一切，但数字艺术界的营利性和非营利性组织正在计划扩张，继续为全球观众开放身临其境的空间。
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