雕塑是当代艺术的创作形式之一，男性在其中仍掌握着主要话语权。尽管如此，许多女性雕塑家凭借着非凡的意志力与创造力脱颖而出，开拓了雕塑艺术的新时代，并得到了一致认可。今天，为你盘点十位极具影响力的当代女性雕塑家。
01
芭芭拉·赫普沃斯
（Barbara Hepworth）
1903-1975
芭芭拉·赫普沃斯是英国最早创作抽象雕塑的女雕塑家之一，《卫报》（The Guardian）曾称她为“迄今为止艺术史上最重要的女艺术家”。
其开创性的“穿孔形式”创作改变了现代主义雕塑；后受到大陆前卫艺术的影响，从具象转向抽象，挖掘了“直接雕刻”的非传统创作方式；后期则尝试使用青铜、石板、版画等新材料进行创作。赫普沃斯于1959年获圣保罗双年展大奖，其作品曾在第25届威尼斯双年展英国馆展出，并被泰特英国美术馆和墨尔本海德现代艺术博物馆收藏。
图1: 芭芭拉·赫普沃斯《穿孔半球》，大理石，35×38×38cm，1937年
图2: 芭芭拉·赫普沃斯《母与子》，坎伯兰雪花石膏石，1934年
02
伊娃·海瑟
（Eva Hesse)
1936-1970
德裔美国画家兼雕塑家伊娃·海瑟是上世纪60年代引领后极简主义艺术运动的艺术家之一，其作品见证了从二维平面到三维空间的探索——从绘画到浮雕，再到雕塑的创作之路。
图1: 伊娃·海瑟《Forms & Figures》，布面油画，66×66cm，1960年
图2: 伊娃·海瑟《Ringaround Arosie》，铅笔、丙酮、清漆、瓷漆、墨水、布包电线、纸浆和砖，67×41.9×11.4cm，1965年
在创作初期，海瑟结交了一群极简主义艺术家朋友，包括索尔·勒维特、唐纳德·贾德、草间弥生等人，她将抽象表现主义与极简主义元素相结合，挖掘了一种全新的墙面艺术。
除此之外，其开创性地使用乳胶、玻璃纤维和塑料等简易材料进行创作，反映心理情绪、原始女权主义、性暗示等主题。如今，纽约现代艺术博物馆收藏了海瑟的20多件艺术作品。
图1: 伊娃·海瑟《Hang Up》，布面丙烯、钢、木材和绳，182.9×213.4×198.1cm，1966年
图2: 伊娃·海瑟《Accession II》，钢、塑料，1968-1969年
03
莉吉亚·克拉克
（Lygia Clark）
1920-1988
巴西艺术家莉吉亚·克拉克的作品源于对精神分析的兴趣，其首次将观众作为作品演绎的一部分，推动了参与性艺术的发展。
她试图将艺术品与观众建立联系，希望能通过与艺术的互动产生感官体验与情绪反应，从而促进个人精神世界与外部世界间的感知。1968年，克拉克带着互动装置《身体之屋》（House of the Body）参加了威尼斯双年展，用模拟妊娠过程的方式带领观众体验“母亲”这一身份。她表示：“我一直认为通过艺术作品来帮助他人表达自我是一件很棒的事情。”
图1: 莉吉亚·克拉克《楼梯》（Stairs），布面油画，55.4×46.4cm，1948年
图2: 莉吉亚·克拉克《诗意的庇护所》（Poetic Shelter），彩绘金属，14×63×51cm，1964年
图3: 莉吉亚·克拉克《内在就是外在》（The Inside Is the Outside），不锈钢，40.6×44.5×37.5cm，1963年
04
尼基·德·圣·法勒
（Niki de Saint Phalle)
1930-2002
法裔美国雕塑家兼装置艺术家尼基·德·圣·法勒首次带着“枪支射击”的创作形式“杀”进了大众视野，用一场大胆外放的公众性表演表达了她对社会文化中不公现象的反抗。
图1: 尼基·德·圣·法勒肖像，创作拍摄照片，1961年
图2: 尼基·德·圣·法勒《Shooting Picture》，石膏、油漆、绳、聚乙烯、电线、木材，143×78×8.1cm，1961年
“女权”是圣·法勒艺术的永恒命题，这一点尤其体现在经典的“Nanas”巨型女性系列雕塑中。这些圆润、鲜艳、形态各异的“娜娜”们活跃在世界各地，从阿姆斯特丹市立博物馆到纽约中央公园，再到蒙特利尔第67届世博会和苏黎世火车站——这是艺术家对边缘群体和身份认同等社会话题关注的最有力传播。
图1: 尼基·德·圣·法勒《Temperance》，涂漆聚酯、金箔，72×53×23cm，1985年
图2: 尼基·德·圣·法勒《Sun God》，玻璃纤维、水泥，1985年
05
路易丝·布尔乔亚
（Louise Bourgeois)
1911-2010
路易丝·布尔乔亚是美国抽象艺术家团体的一员，她的创作灵感来源于童年创伤，其作品通常围绕“家庭”“性”和“死亡”的主题展开。对她而言，艺术是自我疗愈的载体和途径。装置中封闭的结构、性的对立、螺旋的纠缠，或破碎的肢体，这些不和谐的元素都展现着艺术家挣扎与脆弱的内心世界。
布尔乔亚的代表作《妈妈》（Maman）于1996年起在30多家艺术机构展出，这是一系列蜘蛛形态的巨型雕塑，表现着“母亲”身份的威慑力与脆弱性。其同类型装置作品《蜘蛛》在2011年以1070万美元售出，为当时女性艺术家作品的最高价。其余作品则被珍藏在纽约现代艺术博物馆、伦敦泰特现代美术馆、巴黎蓬皮杜艺术中心等顶级机构中。
图1: 路易丝·布尔乔亚《Femme Volage》，涂漆木材、不锈钢，185.4×45.7×33cm，1911年
图2: 路易丝·布尔乔亚《Maman》，1999年
图3: 路易丝·布尔乔亚《Cell XXVI》（细节），钢、织物、铝、不锈钢和木材，252.7×434.3×304.8cm，2003年
06
雷切尔·怀特雷德
（Dame Rachel Whiteread)
1963-
英国艺术家雷切尔·怀特雷德的雕塑作品颠覆了传统的铸件工艺。家具和房屋是其主要创作对象，她以坚硬冰冷的石膏或混凝土为材料定格某一瞬间的状态，使物件脱离本身的使用价值。
其著名雕塑《House》尽管遭受了“是艺术品还是一块混凝土”的争议，但也让艺术家成为首位获得特纳奖的女性。随后，怀特雷德于1997年代表英国参加了威尼斯双年展，并因其对英国艺术文化的杰出贡献于2017年被任命为女爵士。
图1: 雷切尔·怀特雷德《无题（床）》，石膏，30.5×188×137.2cm，1991年
图2: 雷切尔·怀特雷德《无题（101 号房间）》，塑料、石膏，2003年
图3: 雷切尔·怀特雷德《无题（一百个空间）》，彩色树脂，1995年
07
森加·能古迪
（Senga Nengudi)
1943-
非裔美国艺术家森加·能古迪是2023年纳什尔奖获得者，她将雕塑与舞蹈结合，开辟了崭新的艺术表现形式。其作品具有即时性和短暂性，汇集了非洲艺术、具体艺术、舞蹈、东方哲学等多种元素，通常以现场表演或照片的形式展现。
其中，她的系列作品“R.S.V.P”装置被泰特美术馆和蓬皮杜艺术中心永久收藏。该作品演绎着“艺术家”与“丝织物”之间的纠葛，通过阐释女性拉伸的肢体与流逝的时间之间的关联，来引发大众对性别与种族问题的探讨。
图1: 森加·能古迪《R.S.V.P. Reverie “Scribe” 》，尼龙网、沙和金属，231×137×170cm，2014年
图2: 森加·能古迪表演作品，168.9×189.2cm，1978年
08
克劳德·拉兰尼
（Claude Lalanne)
1924-2019
克劳德·拉兰尼是一位法国超现实主义雕塑家，她和丈夫弗朗索瓦·拉兰尼（François-Xavier Lalanne）被称为“Les Lalanne”组合，以创作铜或镀金青铜材质的动植物雕塑而闻名：纽约苹果、鳄鱼长凳、长鸡爪的卷心菜......
克劳德在一次采访中表示，自己的代表作是餐具和桌椅。她通过融入自然元素将功能性物件打造成诗意的艺术品。著名时尚设计师伊夫·圣罗兰（Yves Saint Laurent）极为赞赏克劳德的创意，与之建立了长期的合作关系，并如是评价：“她将工艺和诗歌深度结合起来的能力令我感动。”除了圣罗兰，克劳德还与香奈儿、迪奥等时尚品牌合作，其部分雕塑作品被巴黎国家现代艺术博物馆、巴黎自然历史博物馆、蓬皮杜艺术中心等知名收藏机构收藏。
图1: 克劳德·拉兰尼在枫丹白露家的花园里欣赏她2012年创作的青铜鳄鱼雕塑
图2: 克劳德·拉兰尼与其作品《Choupatte Géante》，2016年
图2: 克劳德·拉兰尼《Flower Brooch》，2014年（左）；《Flower Brooch》，2015年（右）
09
西蒙·李
（Simone Leigh）
1967-
美国雕塑家西蒙·李被《时代》杂志评为2023年全球最具影响力的100人之一，同时是首位代表美国参加威尼斯双年展的黑人女性，其雕塑作品《砖屋》（Brick House）荣获金狮奖。然而，李在艺术生涯的前十年都不愿承认自己的艺术家身份，认为这是一份极不稳定的低收入职业，难以在社会上生存，直到近几年她的职业发展才有了起色。
西蒙·李《砖屋》（Brick House），青铜，2019年
艺术家主要以陶瓷、青铜和粘土为创作材料，其作品带有浓郁的非洲艺术与黑人文化特色，阐述着与“性别”与“种族”相关的命题。她曾直白地向《纽约时报》表示，自己艺术作品的受众是黑人女性。其希望大众能重视她们所创造的艺术价值与社会价值，而不是被“排除在历史之外”。
图1: 西蒙·李《Hortense》，赤陶土、印度墨水、瓷器、玻璃珠、金、环氧树脂，66×41×41cm，2016年
图2: 西蒙·李《Corrugated》，青铜和拉菲草，185×206×103cm，2019年
10
克里萨·瓦尔迪亚-马夫罗米查利
（Chryssa Vardea-Mavromichali)
1933-2013
霓虹灯管、钢、亚克力......这些在上世纪被用作美国广告牌的材料首次被希腊裔美国艺术家克里萨·瓦尔迪亚挖掘，作为雕塑的创作媒介。
这位霓虹艺术先驱痴迷于零碎的文本，从开始在墙面上创作文字作品到后期成熟的霓虹雕塑，都以字母、文字或符号作为主要元素，并融入了极简主义与波普主义的创作风格。正如她于1966年在《纽约先驱论坛报》中所言：“我一直觉得当事情被阐明时，它们的意义就较小，而当事物支离破碎时，它们的意义更大。”在1975至1979年间，克里萨的代表作《时代广场之门》三联画的中央面板被纽约现代艺术博物馆收购。
图1: 克里萨·瓦尔迪亚《Study for Gates No.4》，有机玻璃、霓虹灯和定时器，109.2×88.3×70.2cm，1967年
图2: 克里萨·瓦尔迪亚《霓虹灯盒》（Neon Box），霓虹灯和有机玻璃，48×38×24cm，1980年前
图3: 克里萨·瓦尔迪亚《时代广场之门》（The Gates to Times Square），铸铝、不锈钢、霓虹灯、有机玻璃和纸，304.8×304.8×304.8cm，1964-1966年
以上十位女性雕塑家均以创新的设计理念和独特的表现形式，展现出别具一格的创作潜力与实力。当代雕塑家不仅仅是艺术家，她们以犀利的眼光洞察着社会的变迁，诉说着“艺术无性别”的一份坚持。这些女性雕塑家的崛起让人们看到了艺术乃至社会的包容性与多样性，令艺术的多元化成为了可能。
来源：时尚芭莎艺术
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