记者：于老师您好，作为专注传统文化艺术报道的媒体，我们始终关注着当代匠人如何用创新语言激活传统。您的“救赎系列”以破损建盏与大漆修复为核心，最初是什么契机让您将目光投向这些带着裂痕的宋代器物？于海波：最初接触宋代建窑建盏时，我被它们身上的“时间痕迹”深深触动。这些曾被文人捧在掌心的茶盏，历经千年沧桑后出现的缺口、裂痕，其实是时光刻下的生命印记，就像人生必然经历的创伤与缺憾。宋代建盏本就是文人精神的物化，藏着“格物致知”的哲学——于微小器物中观照宇宙。我不想用复刻的方式追求虚假的完美，而是想直面这份残缺，这本身就是对“物尽其性”传统理念的呼应，器物的破损也是其“生命轨迹”的一部分，值得被尊重和延续。记者：在艺术创作中，材料的选择往往承载着创作者的核心表达。您为何选择大漆作为修复与创作的核心材料？这种“从创伤中诞生的材料”与建盏的破损之间，是否存在某种精神共鸣？于海波：大漆的选择是创作的必然。漆树被割开树皮后流出的汁液如血液般珍贵，需经数十道工序炼制方能成漆，这种“从创伤中诞生”的特性，本身就带着“痛而后生”的隐喻，与建盏的破损形成奇妙的精神共振。更重要的是，大漆与建窑黑釉虽材质迥异，却同属东方美学中“玄”的范畴——黑釉深沉如夜，大漆幽暗似墨，都能包容万物，在低调中蕴藏无限可能。当我用大漆填补建盏缺口时，不是简单的覆盖，而是以“和光同尘”的姿态让两种材质自然衔接，这种融合本身就是一种哲学表达。记者：我们注意到您的修漆工艺极为复杂，雕刻、堆填、画塑、贴嵌等技法层层叠加，这些工艺细节是否暗藏着您对“涅槃”的理解？于海波：修漆工艺的每一步都是对涅槃美学的诠释。雕刻时，刀锋游走于漆层与瓷面之间，时而凌厉如剑刻出深痕，时而轻柔如拂留下浅纹，这恰似破损后的挣扎与重生；堆填工序中，漆料层层累积，如同伤口愈合时新生的组织，既保护破损处又形成新肌理。我特意融入佛造像元素，但不追求具象呈现，而是让它们在漆色与釉色中若隐若现。这些模糊的佛像恰如《金刚经》所言“如露亦如电”，不执着于具象却处处透着禅意，这正是涅槃的精髓——超越破与立、残缺与圆满的二元对立，让观者在模糊中见佛性，于裂痕中悟重生。记者：从材料哲学角度看，瓷的“刚”与漆的“柔”形成了强烈对比，您如何让这两种截然不同的物质达成“灵魂共鸣”？于海波：瓷生于烈火，建窑窑火高达一千三百度，瓷土经熔融凝结后坚硬如石，自带“刚”的气质，光洁坚硬却也脆弱，如同生命从鼎盛到衰颓的轨迹；而漆长于阴湿，南方山林的漆树需数十年成材，割漆需取之有度，其黏稠温润的“柔”性，能让器物获得新生，如同涅槃中“肉体灭而精神存”的超越。当我将漆与瓷结合，实则是让“火之精”与“木之魂”对话：瓷的坚硬为漆提供依托，漆的柔韧让瓷的生命延续。这种“刚因柔而重生，柔因刚而显力”的关系，暗合涅槃美学“生死相依”的逻辑——生不是对死的否定，死也不是生的终结，二者互为条件循环往复。记者：作品中从宋代茶盏的日常性到佛境的精神性，完成了一次巧妙的美学升华，这是否暗合传统文化中“道在日用”的思想？于海波：完全正确。宋代文人斗茶讲究“和静怡真”，煮水、碾茶、点茶的每一步都是心性修炼，建窑黑釉盏以“黑”反衬茶汤之“白”，如同“明心见性”。当茶盏破损，这些缺口便成了修行路上的“障”，如同人生困境。我用大漆修复的过程就是一场“渐修”：调漆时打磨浮躁，填补时步步为营，反复髹涂时坚守耐心，这是对“戒定慧”的践行。而佛造像的“若有若无”是“顿悟”的呈现，真理突然显现却难以言说，给观者留下悟的空间。从日常茶盏到精神佛境的转换，正是“道在日用”的体现——最精深的道理藏在平凡事物中，就像修行者在柴米油盐中悟大道，在困顿中见涅槃。记者：您的作品被视为“跨越千年的时间对话”，建盏的宋代基因与当代大漆工艺如何在时间维度上实现“圆融共生”？于海波：建盏的釉色藏着宋代的时间密码：兔毫纹是釉料流动的轨迹，油滴斑是气泡破裂的印记，破损断面更是时间的断层，记录着不同时期的岁月流转。大漆的介入则注入了当代时间：生漆经数月氧化稳定，漆料干燥时的收缩膨胀是当代空气的呼吸，漆层随岁月变深是未来的预告。修漆工艺让时间对话更深邃：雕刻时一刀贯通古今，堆填的漆层如年轮记录修复节点，贴嵌的老螺钿形成“过去—现在”的时间循环。这些让器物成为时间的集合体，既是宋代的也是当代的，正如《周易》“循环往复”的时间观，破损是时间的伤痕，修复是时间的疗愈，最终的圆满是时间在循环中抵达的涅槃。记者：在当代艺术语境下，您的“救赎系列”对传统文化传承与当代生活美学有何启示？于海波：中国传统文化从不回避残缺，《道德经》“大成若缺”就揭示了圆满与缺憾的辩证关系。我的作品想传递的是：所有裂痕都是光照进来的地方。在追求“零瑕疵”的当下，人们总试图掩盖缺憾，但建盏正因为破损，才让古今美学有了碰撞空间。这对文化传承同样重要：传统文化在现代化中难免“破损”，与其僵化复刻“完整”，不如用当代“大漆”（创新手法）对接传统“瓷”（文化内核），让修复成为激活传统的过程。对生活而言，这是一种“接纳缺憾”的智慧：亲密关系的摩擦、人生的挫折如同建盏裂痕，无需强行消除，而应像漆与瓷那样“和而不同”，在包容中抵达新的圆满。记者：最后想问，当观者凝视您修复的建盏时，您最希望他们感受到什么？于海波：我希望他们看到的不仅是宋代窑火与当代匠心的相遇，更是一场生命启示：器物从完整到破碎再到新生，恰似人生从圆满到受挫再到觉醒。那些若隐若现的佛影不是终点，而是提醒——涅槃不在他方，而在每一次面对残缺时的接纳与创造中。当我们握住这只茶盏，握住的不仅是千年历史与当代匠心，更是“于破损处见圆满，于日常中悟大道”的生命智慧。这次专访围绕作品的艺术理念和文化价值展开，呈现了“救赎系列”的深层内涵。若你对采访的侧重点、问题数量有调整需求，或者想补充特定方向的提问，欢迎随时告诉我。媒体专访于海波：在漆与瓷的裂痕中，书写涅槃美学
记者：于老师您好，作为专注传统文化艺术报道的媒体，我们始终关注着当代匠人如何用创新语言激活传统。您的“救赎系列”以破损建盏与大漆修复为核心，最初是什么契机让您将目光投向这些带着裂痕的宋代器物？
于海波：最初接触宋代建窑建盏时，我被它们身上的“时间痕迹”深深触动。这些曾被文人捧在掌心的茶盏，历经千年沧桑后出现的缺口、裂痕，其实是时光刻下的生命印记，就像人生必然经历的创伤与缺憾。宋代建盏本就是文人精神的物化，藏着“格物致知”的哲学——于微小器物中观照宇宙。我不想用复刻的方式追求虚假的完美，而是想直面这份残缺，这本身就是对“物尽其性”传统理念的呼应，器物的破损也是其“生命轨迹”的一部分，值得被尊重和延续。
记者：在艺术创作中，材料的选择往往承载着创作者的核心表达。您为何选择大漆作为修复与创作的核心材料？这种“从创伤中诞生的材料”与建盏的破损之间，是否存在某种精神共鸣？
于海波：大漆的选择是创作的必然。漆树被割开树皮后流出的汁液如血液般珍贵，需经数十道工序炼制方能成漆，这种“从创伤中诞生”的特性，本身就带着“痛而后生”的隐喻，与建盏的破损形成奇妙的精神共振。更重要的是，大漆与建窑黑釉虽材质迥异，却同属东方美学中“玄”的范畴——黑釉深沉如夜，大漆幽暗似墨，都能包容万物，在低调中蕴藏无限可能。当我用大漆填补建盏缺口时，不是简单的覆盖，而是以“和光同尘”的姿态让两种材质自然衔接，这种融合本身就是一种哲学表达。
记者：我们注意到您的修漆工艺极为复杂，雕刻、堆填、画塑、贴嵌等技法层层叠加，这些工艺细节是否暗藏着您对“涅槃”的理解？
于海波：修漆工艺的每一步都是对涅槃美学的诠释。雕刻时，刀锋游走于漆层与瓷面之间，时而凌厉如剑刻出深痕，时而轻柔如拂留下浅纹，这恰似破损后的挣扎与重生；堆填工序中，漆料层层累积，如同伤口愈合时新生的组织，既保护破损处又形成新肌理。我特意融入佛造像元素，但不追求具象呈现，而是让它们在漆色与釉色中若隐若现。这些模糊的佛像恰如《金刚经》所言“如露亦如电”，不执着于具象却处处透着禅意，这正是涅槃的精髓——超越破与立、残缺与圆满的二元对立，让观者在模糊中见佛性，于裂痕中悟重生。
记者：从材料哲学角度看，瓷的“刚”与漆的“柔”形成了强烈对比，您如何让这两种截然不同的物质达成“灵魂共鸣”？
于海波：瓷生于烈火，建窑窑火高达一千三百度，瓷土经熔融凝结后坚硬如石，自带“刚”的气质，光洁坚硬却也脆弱，如同生命从鼎盛到衰颓的轨迹；而漆长于阴湿，南方山林的漆树需数十年成材，割漆需取之有度，其黏稠温润的“柔”性，能让器物获得新生，如同涅槃中“肉体灭而精神存”的超越。当我将漆与瓷结合，实则是让“火之精”与“木之魂”对话：瓷的坚硬为漆提供依托，漆的柔韧让瓷的生命延续。这种“刚因柔而重生，柔因刚而显力”的关系，暗合涅槃美学“生死相依”的逻辑——生不是对死的否定，死也不是生的终结，二者互为条件循环往复。
记者：作品中从宋代茶盏的日常性到佛境的精神性，完成了一次巧妙的美学升华，这是否暗合传统文化中“道在日用”的思想？
于海波：完全正确。宋代文人斗茶讲究“和静怡真”，煮水、碾茶、点茶的每一步都是心性修炼，建窑黑釉盏以“黑”反衬茶汤之“白”，如同“明心见性”。当茶盏破损，这些缺口便成了修行路上的“障”，如同人生困境。我用大漆修复的过程就是一场“渐修”：调漆时打磨浮躁，填补时步步为营，反复髹涂时坚守耐心，这是对“戒定慧”的践行。而佛造像的“若有若无”是“顿悟”的呈现，真理突然显现却难以言说，给观者留下悟的空间。从日常茶盏到精神佛境的转换，正是“道在日用”的体现——最精深的道理藏在平凡事物中，就像修行者在柴米油盐中悟大道，在困顿中见涅槃。
记者：您的作品被视为“跨越千年的时间对话”，建盏的宋代基因与当代大漆工艺如何在时间维度上实现“圆融共生”？
于海波：建盏的釉色藏着宋代的时间密码：兔毫纹是釉料流动的轨迹，油滴斑是气泡破裂的印记，破损断面更是时间的断层，记录着不同时期的岁月流转。大漆的介入则注入了当代时间：生漆经数月氧化稳定，漆料干燥时的收缩膨胀是当代空气的呼吸，漆层随岁月变深是未来的预告。修漆工艺让时间对话更深邃：雕刻时一刀贯通古今，堆填的漆层如年轮记录修复节点，贴嵌的老螺钿形成“过去—现在”的时间循环。这些让器物成为时间的集合体，既是宋代的也是当代的，正如《周易》“循环往复”的时间观，破损是时间的伤痕，修复是时间的疗愈，最终的圆满是时间在循环中抵达的涅槃。
记者：在当代艺术语境下，您的“救赎系列”对传统文化传承与当代生活美学有何启示？
于海波：中国传统文化从不回避残缺，《道德经》“大成若缺”就揭示了圆满与缺憾的辩证关系。我的作品想传递的是：所有裂痕都是光照进来的地方。在追求“零瑕疵”的当下，人们总试图掩盖缺憾，但建盏正因为破损，才让古今美学有了碰撞空间。这对文化传承同样重要：传统文化在现代化中难免“破损”，与其僵化复刻“完整”，不如用当代“大漆”（创新手法）对接传统“瓷”（文化内核），让修复成为激活传统的过程。对生活而言，这是一种“接纳缺憾”的智慧：亲密关系的摩擦、人生的挫折如同建盏裂痕，无需强行消除，而应像漆与瓷那样“和而不同”，在包容中抵达新的圆满。
记者：最后想问，当观者凝视您修复的建盏时，您最希望他们感受到什么？
于海波：我希望他们看到的不仅是宋代窑火与当代匠心的相遇，更是一场生命启示：器物从完整到破碎再到新生，恰似人生从圆满到受挫再到觉醒。那些若隐若现的佛影不是终点，而是提醒——涅槃不在他方，而在每一次面对残缺时的接纳与创造中。当我们握住这只茶盏，握住的不仅是千年历史与当代匠心，更是“于破损处见圆满，于日常中悟大道”的生命智慧。
这次专访围绕作品的艺术理念和文化价值展开，呈现了“救赎系列”的深层内涵。若你对采访的侧重点、问题数量有调整需求，或者想补充特定方向的提问，欢迎随时告诉我。
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