香港巴塞尔开幕，我们请画廊自己人先剧透！|九城艺术|巴塞尔|画廊|艺术展|雕塑

每年三月，香港巴塞尔艺术展如期而至，整座城市也随之进入一年中最热闹的艺术时刻。作为Art Basel在亚洲的重要一站，这里汇集了来自全球的顶级画廊与艺术家，这也是观察当代艺术创作与市场动向的一扇窗口。

在数百家画廊与上千件作品之间，我们提前请到了画廊高层来亲自推荐本次最值得期待和驻足欣赏的艺术家和作品，带你提前锁定展位，梳理出一条更清晰的看展路径。除此之外，在热闹的香港艺术月，城市各处的动向同样精彩，我们由此延伸出另一条不容错过的艺术路线。

这次白立方在巴塞尔艺术展香港展会的展位中，非常值得关注的是来自莫娜·哈透姆（Mona Hatoum）的作品，她刚刚荣获2026年汉堡车站美术馆终身成就奖。此次我们带来的是一件2024年的作品，《Still Life (medical cabinet) IV》，也是艺术家持续创作的一个系列，各式各样的手榴弹形态以手工吹制玻璃重现，被呈现于医用柜中，犹如珍贵的物品，也带着不安的隐喻。去年，白立方首尔空间也举办了这位艺术家的个展，她出生于黎巴嫩的一个巴勒斯坦家庭，作品常常兼具诗意和时代隐喻，是一位非常重要的艺术家。她曾经在2015年荣获广岛艺术奖，这个奖项是为了表彰在美术领域为人类和平做出最大贡献的艺术家。她也曾在2019年获得31届高松宫殿下纪念世界文化奖之雕塑奖。目前，莫娜·哈透姆的展览正在米兰普拉达基金会（Fondazione Prada）举办。

徐梯善 (Tishan Hsu) 的《屏肤：袒露 (单联3)》(skin-screen: revealed (single 3)，2026)，入选巴塞尔艺术展官方推荐的值得期待的12件作品之一。通过强调肉身与虚拟之间日渐模糊的界线，徐梯善诘问人类与新兴技术的关系，以及这种关系如何重塑我们的所思所想，重新描画我们的心智与身份认同。这件如同电子屏幕的作品似乎为所描绘的内在器官开了一扇门，让它们从物理世界延伸至数字领域。

安永正臣 (Masaomi Yasunaga) 在“艺聚空间”展区展出的全新器皿雕塑不容错过。以“某种轨迹”(A Certain Trajectory) 为题，此项目围绕“时间”的概念展开——一种超越个体生命和经验的尺度，并揭示安永正臣创作的根本特征，即一种持续演进的过渡状态，不受限于特定的时空坐标；同时突出体现艺术家选择将釉彩这一传统装饰性材料，作为主要媒介的独特实践。

这是贝浩登画廊在亚洲开始代理该艺术家后的首次重要呈现，在展位特别为他设置了一个独立单元。这件作品以他标志性的“游乐场结构”为核心，游乐设施被置于一个封闭、几何精确的盒状空间中，由上方天窗投下冷静而戏剧化的光线。画面高度饱和却异常安静，没有人物，处处指向“人”的缺席。熟悉的童年装置被转化为一种心理空间：既是记忆的容器，也是某种被抽空后的存在状态，创造了介于怀旧与不安之间的情绪张力。

菲利普·帕雷诺（Philippe Parreno）艺术实践的核心在于寻求一种超越语言的沟通形式。他的创作综合多种媒介，模糊了现实与虚构的界限，探索着当下与想象相互交织的空间，挑战着观者对时间、记忆与现实的认知。

塔拉·玛达尼（Tala Madani）是当今最重要的画家之一。她质疑我们习以为常的事物，将观者从日常舒适区中拉出来。其作品通过一种怪诞、幽默又犀利的视觉语言，挑战着性别、权力的常规表征。玛达尼的创作中反复出现着“糟糕母亲”（Shit Mom）这一形象，以此挑战社会对女性抱有的超高期望。

《倾身，摇曳，化作尘沙》是罗克萨娜・皮鲁曼德2025年的创作，以陶瓷、线、织物与马达为创作材质，是艺术家对材料及物质转化探索的重要延伸。这件动态装置作品延续了艺术家的核心创作脉络，将个人经历融入装置系统，借由作品的动态表现，以及艺术家、作品与观众之间的互动，诠释出关于转化、衰败与运动的可能性的艺术思考。

梁绍基自1980年代末开始进行养蚕艺术实验。三十余年来，他持续以蚕的生命历程为媒介、以与自然互动为特征，展开以时间、生命为核心的“自然系列”创作。作品充满冥想、哲思和诗性，呈现出一种虚透丝迹的内美。在这件作品中，从古窑遗址挖掘出的青花瓷片被带入创作，匣钵残片多有粘连成串，犹如蚕虫蠕动。梁绍基将其镶嵌于弥漫丝迹的透明耐力板上，在丝与光的对话中展开对浩瀚宇宙的想象。作为人造石的瓷片如星际巨石，在神秘的夜空中穿流、闪耀。丝、瓷、光、影彼此交辉，在勾勒宇宙星系的同时，也呈现出东方文化自然观的无限性。

周力的创作以综合媒介绘画与装置为主，在不断突破材料边界的同时，始终延续着以自然思想为基础的美学脉络。她的作品既有浪漫主义的自由想象，也融入了中国古典山水的秀丽与刚劲，在拓展当代美学疆域的过程中，呈现出深厚的人文关怀。那些看似不经意浮现的灵动细节，也正由此生长出来。

《生命轨迹》（Life Chapters）是安达人寿香港推出的沉浸式特定场域装置艺术，由曼谷知名艺术家Wit Pimkanchanapong创作。作品以迷宫为核心形态，融合物件、声音、语句等多元线索打造出多变的沉浸式空间，用迷宫具象诠释出人生的非线性质感与未知可能性。观者穿行其中，会不自觉地反思自身的人生路径，而作品因“观众参与即创作”的特质，让每一次穿越都为其叠加新意义，最终呈现出独属于每位参与者的“传承”图景。

“李昢：一九九八年至今的创作”是由香港M+与韩国首尔Leeum美术馆联合主办的艺术家回顾展，本次M+展出的版本汇集了200多件来自李昢工作室、亚洲各地机构及私人收藏的作品，涵盖艺术家1990年代末至2000年代初的早期创作实践与2024年新作。展览分为“乌托邦梦想之境”“身体与科技”“走进艺术家的创作天地”三个部分，全方位展现李昢的跨媒介艺术实践，追溯其自1990年代末至今的关键创作发展，探讨身体与社会、人类与科技、自然与文明的演变关系等核心议题，也让观众得以窥见艺术家的创作思维与实践过程。

Simon Liu延续其对纪录片实践的颠覆性探索，带来为本次展览特别创作的全新影像装置作品。在展厅全开放的明亮空间中，透过展陈设计人为制造出近似黑盒的沉浸场域，使快速、躁动而梦境化的城市影像在暗室中流动，与窗外平静、日常的景观形成强烈的感官对比。Simon Liu以其特有的跨文化视野重新定位观看香港的方式，在精神性表层与里层的拉锯中，揭示出都市景观下那份似有而无的幽微联系。

这是一件沉浸式多频道电影装置作品，以分裂、重复与时间错位作为感知的核心结构原则。Simon Liu同时挑战16mm胶片摄影机、暗房与数码影片的极限，将香港拍摄的素材碎片化、重组，并将相关却错位的片段分布于平行影像。透过系统性的剪切、镜像与延迟，影像呈现双重、部分同步或轻微错位的状态。这件装置营造出一种环境，让记忆、依恋与感知被体验为不稳定却持续的状态——在光影、颗粒与回声的变动场域中维持张力。延续其抽象日记电影与沉浸式装置的创作脉络，艺术家以中断、回响与延迟作为结构元素，塑造影像保持亲近却不融合的环境，暗示记忆即使移位与消散，仍保有持久的存在。最终呈现的沉浸视觉场域，将影像之间充满张力的间隙，转化为沉思与感知发现的空间。

香港JW万豪酒店与雕塑家Richard X. Zawitz展开标志性合作，将酒店34楼翻新为“Infinity客房楼层”，让宾客在旅程中沉浸式感受灵动的艺术魅力。这位享誉国际的雕塑家以标志性雕塑系列闻名，其独创的“曲线主义”风格以隽永流动的形态，将道与禅的哲思融入艺术创作。此次合作的展品中，立于酒店大堂的Infinity雕塑作为无限系列的开篇之作，守候着宾客光临，萦绕的正面能量凝聚了艺术家对世界和平的美好愿景，而34楼Infinity客房楼层特别陈设的无限孩童雕塑，则优雅演绎了他坚信的每个人、尤其是孩童与生俱来的无穷潜能与创造力。